Plötzlich sind sie überall

Es gibt Bands, die wegen eines kuriosen Bildes für ein paar Tage durch die Timelines schießen und dann wieder verschwinden. Und es gibt Bands, bei denen man schon nach wenigen Sekunden merkt, dass hinter der Irritation ein echtes musikalisches System steckt. Angine de Poitrine gehören eindeutig in die zweite Kategorie. Seit KEXP Anfang Februar 2026 seine in Rennes aufgezeichnete Session des Duos veröffentlichte, ist aus einer Szenegröße aus Québec ein international diskutierter Name geworden. KEXP berichtete am 25. März bereits von mehr als 7,5 Millionen YouTube Aufrufen und weiteren 6 Millionen Instagram Views für Ausschnitte der Session. Parallel dazu erschienen große Texte bei Pitchfork und Guitar World, die das Duo nicht mehr als bloße Kuriosität, sondern als ernstzunehmendes Ereignis behandelten.

Mehr als nur ein starkes Bild

Das Faszinierende an Angine de Poitrine ist, dass man die Band zunächst fast zwangsläufig über das Bild wahrnimmt. Zwei gepunktete, maskierte Figuren betreten die Bühne und sehen aus, als kämen sie aus einem surrealen Fernsehtraum. Aber dieser erste Reiz trägt nur deshalb so weit, weil er von einer starken musikalischen Idee gedeckt wird. Klek de Poitrine sitzt am Schlagzeug, Khn de Poitrine bedient mikrotonale Gitarren, Bass und Looping. Die offizielle Bandseite beschreibt Angine de Poitrine ausdrücklich als anonymes Kunstprojekt und als ein instrumentales Konzept, das aus dem Hinzufügen und Wegnehmen von Motiven lebt. Genau deshalb wirken die Masken nicht wie Dekoration, sondern wie ein organischer Teil der ästhetischen Welt dieser Band.

Warum die KEXP Session so stark funktioniert

Auch die viral gegangene KEXP Session funktioniert nicht bloß, weil diese beiden Figuren so spektakulär aussehen. Sie funktioniert, weil die Fremdheit vom ersten Takt an musikalisch organisiert ist. Die Session wurde am 4. Dezember 2025 beim Festival Trans Musicales in Rennes aufgenommen und versammelt die vier Stücke „Sarniezz“, „Mata Zyklek“, „Fabienk“ und „Sherpa“. Schon diese knappe Dramaturgie wirkt wie eine konzentrierte Einführung in die Welt der Band. Alles ist sofort wiedererkennbar, nichts klingt nach Zufall, und gerade dadurch entwickelt die Performance einen Sog, der weit über den ersten Überraschungseffekt hinausgeht.

Looping als Bauprinzip

Im Zentrum dieses Sounds steht kein klassisches Bandgefüge, sondern ein Prinzip aus Schichtung und Reduktion. Laut Selbstdarstellung der Band zeichnet Khn mit einem elektronischen Loop Modul in Echtzeit verschiedene Ebenen auf und wechselt dabei ständig zwischen mikrotonaler Gitarre und mikrotonalem Bass. MusicRadar beschreibt das Instrument als eigens gebautes Doppelhals Instrument, das Gitarre und Bass vereint und in einem 24 TET System arbeitet, also die Oktave in 24 gleich große Schritte teilt. Dadurch entstehen Vierteltonräume zwischen den gewohnten Stufen des westlichen Tonsystems. Das Resultat ist dieser eigentümliche Eindruck von Reibung, Nähe und Schieflage, der bei Angine de Poitrine permanent präsent ist, ohne jemals ins Beliebige abzugleiten.

Krumme Takte, klare Wirkung

Für Schlagzeuger ist aber vor allem die Rhythmik spannend. Denn diese Musik ist zwar krumm, wirkt aber nie wie eine Matheaufgabe. MusicRadar benennt „Sarniezz“ als 4/4 mit starkem 12/8 Gefühl, „Mata Zyklek“ als 10/4, „Fabienk“ als eigentümlich gruppierten 7/4 oder 28/4 und „Sherpa“ als 17/4. Auf dem Papier klingt das sperrig. Im Ohr passiert das Gegenteil. Die Patterns wiederholen sich mit großer Beharrlichkeit, die Form bleibt klar, und der Hörer lernt nicht einzelne Zählzeiten auswendig, sondern einen Bewegungsablauf. Genau darin liegt der Trick dieser Band. Die ungeraden Metren werden nicht ausgestellt, sondern in Fluss verwandelt.

Was Klek am Schlagzeug so stark macht

Genau hier zeigt sich auch, warum Klek de Poitrine am Schlagzeug so stark ist. Er spielt diese Stücke nicht wie Demonstrationsmaterial für komplizierte Taktarten. Sein Part will nicht beweisen, wie schwierig alles ist. Er sorgt vielmehr dafür, dass der Körper die Form versteht, bevor der Kopf sie in Zahlen übersetzt. Die Band selbst spricht von einem matten Drumsound, von kalkuliertem Hinzufügen einzelner Elemente und vom gezielten Einsatz von Stille. Das trifft den Kern sehr gut. Klek markiert Schwerpunkte, zieht Energie an, nimmt sie wieder heraus und verschiebt den gefühlten Schwerpunkt genau dann, wenn die Musik einen neuen Dreh braucht. Dadurch werden asymmetrische Grooves nicht akademisch, sondern physisch.

Warum das trotz allem zugänglich bleibt

Das eigentliche Kunststück besteht darin, dass Angine de Poitrine trotz all ihrer Schrägheit zugänglich bleiben. Das hat viel mit Wiederholung zu tun. Die Stücke denken nicht in erster Linie wie klassische Rocksongs, die ständig in neue Teile springen, sondern eher wie Kreisläufe, in denen Motive auftauchen, verschwinden und sich minimal verändern. Die Band selbst zieht dafür den Vergleich zur Logik von Techno. Genau das schafft Orientierung. Man hört Musik, die harmonisch und rhythmisch ständig leicht neben der Spur liegt, findet aber trotzdem Halt, weil die Bausteine hartnäckig wiederkehren. Angine de Poitrine klingen fremd, aber ihr Groove arbeitet mit Wiedererkennung. Und genau deshalb bleibt man hängen.

Kein bloßes Internetphänomen

Deshalb greift auch die einfache Erklärung zu kurz, hier gehe es bloß um ein cleveres Internetbild. Wer bei dieser Session hängen bleibt, bleibt nicht wegen des Kostüms. Die Masken holen einen in den Clip hinein, aber der Sog entsteht aus dem Zusammenspiel von Rhythmus, Wiederholung und Klangfarbe. Das ist ein wichtiger Unterschied. Viele aktuelle Projekte aus Art Rock, Prog und experimenteller Gitarrenmusik sind hochinteressant, aber nicht zwingend. Angine de Poitrine sind zwingend, weil sie ihre Komplexität nie gegen den Hörer ausspielen, sondern in Bewegung übersetzen. Für ein Schlagzeugmagazin ist genau das die eigentliche Pointe dieser Band.

Der Anfang von etwas Größerem

Dass hier mehr als ein kurzer viraler Moment entstanden ist, zeigt inzwischen auch alles rund um die Musik selbst. „Vol. II“ ist am 3. April 2026 erschienen. Auf der offiziellen Konzertseite stehen dicht getaktete Termine für April und Mai, darunter ausverkaufte Release Abende in Montreal und Chicoutimi. Gleichzeitig wird das Duo inzwischen von Medien weit außerhalb der eigenen Nische besprochen. Das spricht sehr dafür, dass wir es hier nicht mit einem Peak, sondern mit einem Anfang zu tun haben. Angine de Poitrine könnten sich rückblickend als jene Band erweisen, bei der viele zum ersten Mal wieder gespürt haben, dass vertrackte Rhythmik nicht kühl sein muss, sondern unmittelbar, körperlich und geradezu euphorisch sein kann.

Foto: ©️https://anginedepoitrine.com/

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Gitarrenriffs, Power-Balladen, markante Vocals – all das ist bekannt. Weniger im Rampenlicht stehen die Schlagzeuger, die über Jahrzehnte hinweg das rhythmische Rückgrat der Band bildeten. Ihre Styles, ihr Groove und ihre Energie haben die Scorpions-Ära entscheidend geprägt – und genau hier beginnt unsere Reise durch die Schlagzeuger-Historie.

Scorpions Drummer Jürgen Rosenthal (1973–1975) – Der kreative Wegbereiter

Jürgen Rosenthal (* 28. Juli 1949) zählt zu den frühen prägenden Figuren der Bandgeschichte. Ursprünglich klassisch ausgebildet – mit Blockflöte und Geige – fand er erst als Teenager zum Schlagzeug, das er autodidaktisch erschloss. Seine musikalische Reise führte ihn über erste Bandprojekte schließlich zu Eloy und dem Projekt „Dawn Road“, das später mit den Scorpions verschmolz. In dieser Übergangsphase wirkte Rosenthal maßgeblich am zweiten Scorpions-Album Fly to the Rainbow mit.

Sein Stil war weniger von klassischem Hard Rock geprägt als vielmehr von progressiven und atmosphärischen Elementen – eine Qualität, die er später bei Eloy voll entfalten konnte. Dort war er nicht nur Schlagzeuger, sondern auch kreativer Kopf hinter Konzepten und Texten.

Scorpions Drummer Rudy Lenners (1975–1976) – Der belgische Hard-Rock-Treiber

Mit dem Belgier Rudy Lenners (* 29. Dezember 1952) begann 1975 eine neue Phase. Er übernahm den Posten von Jürgen Rosenthal und spielte die Alben In Trance und Virgin Killer ein.

Lenners brachte eine direktere, kraftvollere Spielweise mit – näher am klassischen Hard Rock. Seine Zeit bei den Scorpions war zwar relativ kurz, doch stilistisch wichtig: Die Band bewegte sich zunehmend weg von progressiven Einflüssen hin zu einem klareren, härteren Sound. Aus gesundheitlichen Gründen verließ er die Band 1976.

Ein hörenswertes Beispiel für seinen druckvollen Stil ist der Song Speedy’s Coming, bei dem Lenners’ energiegeladenes und treibendes Schlagzeugspiel den typischen 70er-Jahre-Scorpions-Sound perfekt unterstützt.

Scorpions Drummer Herman Rarebell (1977–1996) – Architekt des Erfolgs

Die wohl prägendste Ära begann mit Herman Rarebell (* 18. November 1949). Von 1977 bis 1996 war er nicht nur Schlagzeuger, sondern auch Songwriter und Mitgestalter des internationalen Durchbruchs. Unter seiner Mitwirkung entstanden Klassiker und Welthits, darunter Rock You Like a Hurricane.

Rarebells Spiel war druckvoll, präzise und gleichzeitig songdienlich – perfekt abgestimmt auf den stadiontauglichen Sound der 80er-Jahre. Neben dem Drumming war er an über 30 Songs beteiligt und damit maßgeblich für den kommerziellen Erfolg verantwortlich. Mit über 100 Gold- und Platinauszeichnungen sowie weltweiten Tourneen wurde diese Phase zur erfolgreichsten in der Bandgeschichte.

Ein besonders eindrucksvolles Beispiel für Rarebells dynamisches und präzises Spiel ist der Song The Sails of Charon vom Album Taken by Force.

Scorpions Drummer James Kottak (1996–2016) – Der Entertainer am Schlagzeug

Nach Rarebells Ausstieg übernahm James Kottak (1962–2024) 1996 das Schlagzeug. Kottak brachte nicht nur musikalische Erfahrung aus Bands wie Kingdom Come oder Warrant mit, sondern auch eine starke Bühnenpräsenz. Sein Stil war kraftvoll, modern und visuell geprägt – inklusive spektakulärer Drum-Soli, die oft zu festen Showelementen wurden. Er war bis 2016 Teil der Band und prägte die Scorpions über zwei Jahrzehnte hinweg. Kottaks Karriere war jedoch immer wieder von persönlichen Problemen überschattet, insbesondere Alkoholabhängigkeit, die letztlich zu seinem Ausstieg führte.

Ein eindrucksvolles Live-Beispiel für James Kottaks Schlagzeugstil ist der Song Big City Nights, aufgenommen am 12.09.2015 in Brooklyn. Sein präzises Timing und die kraftvolle Spielweise tragen den Song live perfekt und zeigen, warum er über zwei Jahrzehnte das Rückgrat der Band war.

Scorpions Drummer Mikkey Dee (seit 2016) – Präzision und Power

Seit 2016 sitzt Mikkey Dee (* 31. Oktober 1963) am Schlagzeug der Scorpions. Bekannt geworden durch seine Zeit beiMotörhead, bringt Dee eine enorme technische Präzision und rohe Energie mit. Sein Spiel ist kraftvoll, schnell und gleichzeitig extrem kontrolliert – eine perfekte Ergänzung für den modernen Live-Sound der Band. Mit ihm haben die Scorpions ihre Live-Performance auf ein neues Level gehoben und erfolgreich in die Gegenwart geführt. Sein Spiel ist kraftvoll, schnell und gleichzeitig extrem kontrolliert – eine perfekte Ergänzung für den modernen Live-Sound der Band. Ein gutes Beispiel ist der Song Blackout, gespielt live beim 60-jährigen Jubiläum der Scorpions in Hannover. Hier zeigt Dee eindrucksvoll seine Fähigkeit, die Songs mit Power und Präzision zu tragen.

Fazit: Die Scorpions Drummer und ihr Einfluss auf den Sound der Band

Von den progressiven Anfängen mit Rosenthal über die stilistische Festigung durch Lenners, den kommerziellen Höhepunkt mit Rarebell bis hin zur modernen Power von Kottak und Dee – jeder Schlagzeuger hat die Scorpions auf seine Weise geprägt. Was bleibt, ist ein gemeinsamer Nenner: ein unverwechselbarer Groove, der die Musik der Scorpions seit Jahrzehnten antreibt und weltweit Millionen Fans begeistert.

Foto: ©️Jovan Nenadic

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Der Drummer hinter den Hits

James Gadson gehörte zu jener Kategorie von Musikern, deren Spiel man sofort erkennt, auch wenn ihr Name nicht groß auf dem Cover steht. Sein Stil zeichnete sich durch eine besondere Mischung aus Lockerheit und extremer Präzision aus. Statt technischer Spielereien stand bei ihm die Wirkung des Songs im Vordergrund. Diese Qualität machte ihn zum gefragtesten Session-Schlagzeuger seiner Zeit.

Produzenten schätzten an ihm, dass sein Timing nie mechanisch wirkte. Er brachte Leben in die Rhythmusgruppe und wurde so zur ersten Wahl für Künstler, die einen organischen Sound suchten.

Von Kansas City in die Studio-Elite von L.A.

Geboren 1939 in Kansas City, fand Gadson über den Gesang und das Keyboard zum Schlagzeug. Nach seiner Zeit in der Air Force zog es ihn nach Los Angeles, wo er sich schnell in der Studio-Szene etablierte.

Ein erster Meilenstein war seine Arbeit mit Charles Wright & the Watts 103rd Street Rhythm Band zwischen 1968 und 1970. Hier entwickelte er sein Verständnis von Groove, das tanzbar blieb und eine eigene Dynamik entwickelte. Er prägte den Westcoast-Soul dieser Jahre entscheidend mit.

Durchbruch mit Bill Withers

Endgültig bekannt wurde Gadson durch seine Zusammenarbeit mit Bill Withers. Auf dem Album „Still Bill“ (1972) lieferte er mit den Beats zu „Use Me“ und „Lean on Me“ Lehrstücke für minimalistisches, aber effektives Schlagzeugspiel. Auch die Live-Aufnahmen aus der Carnegie Hall gelten unter Musikern bis heute als Referenz dafür, wie man einen Song durch die richtige Haltung stützt, ohne ihn zu überladen.

Ein Katalog der Popgeschichte

Gadsons Diskografie liest sich wie ein Who’s Who der Musikgeschichte. Er spielte auf „Dancing Machine“ der Jackson 5, „I Will Survive“ von Gloria Gaynor und Marvin Gayes „I Want You“. Hinzu kommen Produktionen mit Quincy Jones, Herbie Hancock, den Temptations und Diana Ross.

Dabei blieb er über die Jahrzehnte relevant. Jüngere Künstler wie Beck, Justin Timberlake, Paul McCartney und Lana Del Rey holten ihn für ihre Aufnahmen ins Studio. Zuletzt war er auf D’Angelos Album „Black Messiah“ zu hören.

 

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Technik: Das Geheimnis der Gadson-16tel

Gadsons Spielweise war das Gegenteil von steriler Studio-Perfektion. Sein Markenzeichen war die Fähigkeit, „in den Cracks“ zu spielen, ein Feel, das genau zwischen geraden und geswingten 16tel-Noten pendelt. Ein Paradebeispiel ist Bill Withers’ „Use Me“, bei dem er lineare Pattern zwischen Rim-Click und Kick-Drum mit einer lockeren, fast „slushy“ klingenden HiHat kombinierte.

Technisch setzte er oft auf eine spezielle einhändige 16tel-Technik auf der HiHat. Dabei nutzte er einen lockeren Grip, bei dem der Fulcrum eher zwischen Daumen und Mittelfinger lag, während der Zeigefinger oft entspannt gestreckt blieb. Diese Peitschenbewegung ermöglichte ihm extreme Geschwindigkeit bei gleichzeitigem Dynamic Control.

Equipment und Sound: Der „Pop“ der 70er

In Sachen Gear und Tuning war Gadson ein Pragmatiker. Während seiner Zeit bei Motown lernte er, Snares so zu stimmen, dass sie diesen typischen, trockenen Pop erzeugten, der sich im Mix durchsetzte.

• Setup: Er bevorzugte oft tief gestimmte Kits in kleinen, akustisch „toten“ Räumen, um den trockenen 70er-Jahre-Sound zu erzielen.
• Snares: Zu seinen Favoriten gehörten unter anderem Rogers Dynasonic und Ludwig Supraphonic Modelle.
• Becken: Gadson war langjähriger Paiste-Endorser sowie zuletzt Istanbul Agop Endorser.
• Sticks: Innovative Percussion widmete ihm mit dem JG-1 „Groovesicle“ ein eigenes Signature-Modell, das auf seine Anforderungen an Balance und Rebound zugeschnitten war.

Das Vermächtnis von James Gadson

Für Schlagzeuger bleibt Gadson ein Vorbild, weil er zeigte, dass Feel wichtiger ist als reine Geschwindigkeit. Er spielte Beats, die den Song vorantrieben, ohne zu hetzen. Questlove würdigte ihn als Wegbereiter des modernen Breakbeats, und Weggefährte Ray Parker Jr. betonte, Gadson habe mit seinem Spiel die Musikwelt verändert.

Mit James Gadson verliert die Musikbranche einen Handwerker des Grooves, der im Hintergrund blieb, aber den Sound bis heute mitbestimmte.

FOTO: ©️Alex Solca

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Wir waren vor kurzer Zeit in Bad Berleburg vor Ort, und Produktmanager Jannis hat uns den kompletten Produktionsprozess gezeigt: MOMENTUM ist nicht einfach ein neues Set. Diese Serie vereint die besten Features aller in Deutschland gefertigten SONOR-Schlagzeuge und verbindet die beliebteste SONOR Kesselkonstruktion mit unterschiedlichen Kesselmaterialien, smarten Hardware-Features und Oberflächen, die sowohl modern als auch zeitlos wirken. Basierend auf 150 Jahren Erfahrung, aber entwickelt mit Blick auf die Anforderungen des heutigen Marktes, soll MOMENTUM den Grundstein für das nächste Kapitel in SONORs Serienfertigung „Made in Germany“ legen.

Mit dabei war das Filmteam von Sticks & Tricks. Moderator Lukas und Jannis gehen im Video jeden Schritt der Fertigung durch, vom Furnierlager bis zur Qualitätskontrolle.

Überblick: Was die SONOR MOMENTUM Serie ausmacht

Im Zentrum stehen die Kessel: MOMENTUM ist in Ahorn, Birke oder Buche erhältlich und setzt konsequent auf SONORs meist nachgefragte 9-lagige (6 mm) Kesselkonstruktion, die bei allen Trommeln zum Einsatz kommt. Diese Einheitlichkeit ist kein Detail, sondern Programm: klare Serie, klarer Standard, verlässlich reproduzierbar.

Dazu kommen vier Oberflächen, die bewusst den Spagat aus Wiedererkennung und frischer Inspiration schaffen:

• Red Pearl (Delmar-Folie)
• Satin Pure White (matte Lackierung)
• GT Black (matte Lackierung)
• California Burl (seidenmattes Furnier)

Gerade California Burl ist hier der Blickfang, ein völlig neues Furnier, das mit MOMENTUM sein Debüt feiert und exklusiv in dieser Serie auf den Markt kommt. Je nach Holzart ist MOMENTUM außerdem in elegant seidenmattem Furnier, zwei edlen Mattlackierungen oder einer hochwertigen Delmar-Folierung erhältlich, entwickelt, um optischen und akustischen Ansprüchen gleichermaßen gerecht zu werden.

Auch bei der Hardware zieht SONOR die stärksten Karten aus dem eigenen Portfolio: MOMENTUM kombiniert bewährte Innovationen wie die renommierte T.A.R. Tom-Aufhängung (bekannt aus der ProLite Serie) und die fortschrittlichen Sound Sustainer an den Floor Toms (bekannt aus der SQ1 Serie).

So wird MOMENTUM gebaut – die Produktion in Bad Berleburg (Kapitel aus dem Video)

Das Furnierlager: Die Basis für den Sound

Schon am Anfang wird deutlich, wie sehr MOMENTUM auf Konsistenz setzt. Im Furnierlager geht es nicht nur um Material, sondern um die Grundlage dessen, was später als Klangcharakter wahrgenommen wird. Jannis erklärt, warum Auswahl und Kontrolle der Furniere so entscheidend sind, gerade wenn eine Serie wie MOMENTUM mit unterschiedlichen Hölzern (Ahorn, Birke, Buche) arbeitet, aber dennoch eine klare, wiedererkennbare Handschrift behalten soll.

Kesselfertigung: Zuschneiden & „Ausbacken“

Hier wird aus Holz wirklich ein Kessel: Zuschnitt, Aufbau, Formgebung – nd dann das „Ausbacken“, das Stabilität und Formtreue absichert. Dass MOMENTUM auf die 9-lagige (6 mm) Konstruktion setzt, ist in diesem Abschnitt nicht bloß eine technische Angabe: Man spürt, dass diese Konstruktion bewusst gewählt wurde, weil sie SONORs meist nachgefragter Standard ist und damit perfekt zu einer Serie passt, die die besten Features aus dem deutschen SONOR-Programm bündeln soll.

Feinschliff und die perfekte Kesselgratung

Als Drummer weiß man: Gratungen sind der Punkt, an dem ein Kessel anfängt zu sprechen. Im Werk wird das nicht romantisiert, sondern präzise gelebt. Der Feinschliff und die Kesselgratung sind bei MOMENTUM der Schlüssel dafür, dass die Trommeln in der Praxis gut stimmen, sauber ansprechen und in unterschiedlichen Situationen funktionieren, genau das, was man von einer modernen Made-in-Germany-Serie erwartet, die mit Blick auf heutige Marktanforderungen entwickelt wurde.

Die Lackiererei: Satin Matt vs. High Gloss

In der Lackiererei wird MOMENTUM visuell greifbar und gleichzeitig wird klar, dass Oberfläche bei SONOR nie nur Look ist. MOMENTUM bietet seidenmattes Furnier, Mattlackierungen und Delmar-Folienoberflächen, bewusst als Mix aus frischer Inspiration und zeitlosen Optionen. Lukas und Jannis machen im Video den Unterschied zwischen Satin und Gloss anschaulich, während man parallel versteht: Die Serie will optisch breit aufgestellt sein, ohne beliebig zu werden. Die vier Finishes – Red Pearl, Satin Pure White, GT Black und das exklusive California Burl – stehen genau für diese Balance.

CNC-Präzision: Bohrungen & Badge-Montage

Jetzt kommt der Moment, in dem Serienfertigung ihre Stärke zeigen muss: Bohrungen, Passungen, Ausrichtung, alles, was später über saubere Montage, Hardware-Sitz und Langlebigkeit entscheidet. In diesem Abschnitt wird deutlich, wie MOMENTUM als Zukunftsschritt gedacht ist: Tradition im Material und Handwerk. Fortschritt in Präzision und Prozesssicherheit.

Endmontage: Wenn Holz auf Metall trifft

In der Endmontage wird der MOMENTUM-Gedanke am praktischsten: Hier treffen Kessel und Hardware aufeinander und genau hier zahlen die gewählten Features ein. Dass MOMENTUM etwa die T.A.R. Tom-Aufhängung aus ProLite übernimmt, ist in der Montage sofort plausibel: Es geht um stabile, musikalische Aufhängung und um das, was Drummer im Alltag wirklich merken. Dazu kommen die Sound Sustainer an den Floor Toms (aus der SQ1-Welt bekannt), die zeigen: MOMENTUM ist keine abgespeckte Serie, sondern eine bewusste Bündelung der besten Lösungen.

Qualitätskontrolle: 3.800 Einzelteile im Blick

Zum Schluss wird es beeindruckend und sehr SONOR: Qualitätskontrolle mit dem Blick auf 3.800 Einzelteile. Diese Zahl wirkt erst einmal fast absurd, bis man vor Ort realisiert, wie viele Schnittstellen ein Drumset tatsächlich hat. Für MOMENTUM ist dieser Schritt der entscheidende: Sonor Mitarbeiter Sebastian hat uns zudem erklärt, wie er die Produkte vor Ort prüft.

Fazit: MOMENTUM

Nach dem Rundgang bleibt ein Eindruck: Die MOMENTUM Serie ist nicht einfach neu, weil sie einen neuen Namen trägt. Sie ist neu, weil Sonor hier sichtbar versucht, Prozess und Produkt eng zu verzahnen, dass am Ende ein Drumset entsteht, das uns alle nachhaltig beenidruckt hat. 

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Von der Copacabana zu Roy Bianco

Bungo erzählt, er sei in den 1970er-Jahren an den sonnigen Stränden von Copacabana aufgewachsen, wo er zwischen Fußball, Tanzen, Surfen und wilden Bongo-Sessions den Puls des Lebens aufsaugte, nur um ihn später am Schlagzeug wieder freizusetzen – eine „Reise zur glückseligen Harmonie von Bewegung und Gesang“, wie er es nennt. Philosophisch? Vielleicht. Ironisch? Definitiv.Seinen Künstlernamen „Bungo Jonas“ prägte er früh und gründete die Ipanema Samba Fighters. Doch das Schicksal, so erzählt man sich, wollte es anders: 1984 sprang er spontan für den verletzten Michael Klotz bei Roy Bianco ein. Seitdem schlägt Bungo unaufhaltsam den Takt dieser Band – präzise, subtil, mit einer Coolness, die man nur Mythen zuordnen kann.

Eine Ode an Ringo Starr

Sein Spiel ist eine Ode an den Groove: mal wie Ringo Starr, mal wie der entspannte Surfer, der niemals aus der Reihe tanzt. Jede Bassdrum, jede Hi-Hat, jeder Rimshot sitzt wie ein perfekt platzierter Sonnenschirm an der Copacabana – nie aufdringlich, immer auf den Punkt. Bungo ist der Inbegriff des Timekeepers: präzise, unaufgeregt, geschmackvoll und musikalisch auf den Punkt, keine Note zu viel, jede Pause genau dosiert – ein Drummer, der das Zusammenspiel atmen lässt, ohne sich selbst in den Vordergrund zu spielen.

Auflösung 1997

Nach der überraschenden Auflösung 1997 kehrte die Band 2016 zurück, als hätte sie nie aufgehört, die deutsche Schlagerszene zu erobern. Das zweite Comeback-Album „Mille Grazie“ stieg 2022 direkt auf Platz 1 der Charts. Dem 2024 erschienenen dritten Studioalbum „Kult“, das wie sein Vorgänger ebenfalls auf Platz 1 der deutschen Albumcharts einstieg, folgte eine gleichnamige Tour, zu der erstmals auch zwei Konzerte in Italien gehörten – ein kleiner Beweis dafür, dass die Schlagerwellen inzwischen nicht mehr nur national, sondern auch international schlagen. Trotz des Pseudonyms und der Mythosbildung haben Bungo Jonas und Roy Bianco & Die Abbrunzati Boys mit zwei Platz-1-Alben und einer Live-Performance, die zu den besten unseres Landes zählt, Maßstäbe gesetzt und sich als einer der herausragendsten Live-Acts Deutschlands etabliert.

Wer nun meint, dies sei der Gipfel der Geschichte, darf sich 2026 auf eine Live-Serie freuen, die das Können einer großartigen Band in voller Blüte zeigt – Roy Bianco & Die Abbrunzati Boys, eine Formation, die jeden Saal zum Schwingen bringt, und mittendrin Bungo Jonas, ein Drummer von unerbittlicher Präzision, musikalischem Geschmack und subtiler Eleganz.

Wer Bungo mit Roy Bianco & Die Abbrunzati Boys 2026 live erleben will:

• Augsburg – WWK Arena: Sa, 30.05.2026 (Ausverkauft)
• Künzelsau – Carmen Würth Forum: Sa, 27.06.2026
• Bonn – Kunst!Rasen: Do, 06.08.2026
• Würzburg – Residenzplatz: Fr, 07.08.2026
• Osnabrück – Schloss Osnabrück: Sa, 15.08.2026
• Braunschweig – BRAWO Bühne: So, 16.08.2026

Live-Tipp: „Goodbye, Arrivederci“ aus den Abbey Road Studios

Im Frühjahr 2024 reisten Roy Bianco & Die Abbrunzati Boys nach London, um ihre Single „Goodbye, Arrivederci“ in den legendären Abbey Road Studios live aufzunehmen – ein Ort, an dem einst John Lennon, Paul McCartney und die Beatles Musikgeschichte schrieben. Die Band nutzte das Studio sowohl als Aufnahmeort als auch als Kulisse für ihr Musikvideo, und das Ergebnis ist eine Live-Session, die Italo-Schlager auf britische Popkultur trifft. Die Musiker beschrieben das Erlebnis, an derselben Stätte zu spielen wie die Ikonen der Musikgeschichte, als „überwältigend“ und ein „Privileg“ – man merkt: Selbst für eine Band mit zwei Platz-1-Alben und überragender Bühnenerfahrung kann ein historischer Raum noch ehrfürchtige Schauer auslösen. Wer sich selbst ein Bild machen will, kann die Session hier sehen:

Und obwohl er praktisch ein lebender Rhythmusgott ist, bleibt Bungo Jonas bescheiden: „Sei demütig und diene der Musik, wie die Welle dem Surfer dient.“ Mit seinem Mantra „Peace & Love!“ zeigt er, dass Bodenhaftung und Mythos kein Widerspruch sind – Humor, Herz und Übertreibung inklusive.

Fazit

Wer Bungo Jonas einmal erlebt, erkennt schnell, dass es Schlagzeuger gibt, die einfach spielen – und dann gibt es Bungo, einen Musiker, dessen Mythos, Präzision und Groove so kunstvoll verwoben sind, dass man kaum unterscheiden kann, was mehr beeindruckt: die Virtuosität oder die Geschichte, die man sich gleich mitdenkt. Echt? Fiktiv? Am Ende spielt das kaum eine Rolle – entscheidend ist, dass der Beat sitzt.

Foto ©️ https://www.paiste.com/en/musicians/bungo-jonas

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Rush-Comeback bei den Juno Awards: Warum Drummer vor allem auf Anika Nilles schauen

Wenn Rush zurück auf die Bühne kommen, ist die Aufmerksamkeit garantiert. Doch für Schlagzeugerinnen und Schlagzeuger lag der Fokus bei diesem Überraschungsauftritt nicht zuerst auf Geddy Lee oder Alex Lifeson, sondern auf der Frau hinter dem Kit: Anika Nilles.

Bei den diesjährigen Juno Awards eröffnete die Band mit „Finding My Way“, dem Opener ihres Debütalbums Rush aus dem Jahr 1974. Ein spannender Griff in die Frühphase der Bandgeschichte, denn auf der Originalaufnahme ist noch John Rutsey zu hören. Gerade dadurch bekam der Auftritt eine besondere Dramaturgie: Statt sich direkt an der übergroßen Neil-Peart-Legacy abzuarbeiten, setzte die Band auf einen Song aus ihrer Anfangszeit.

Für Anika Nilles war das die perfekte Bühne, um genau das zu zeigen, was sie seit Jahren auszeichnet: Technische Klasse, hohe Musikalität und ein modernes Verständnis von Groove und Form.

Anika Nilles liefert bei „Finding My Way“ ein Drumming mit Haltung

Am großen Kit mit Rush-Logo auf der Bassdrum spielte Nilles nicht einfach nur mit, sie setzte Akzente. Ihre Fills waren präzise, druckvoll und sauber ins Gesamtbild eingebettet. Wer ihr Spiel kennt, weiß, dass Anika Nilles auch in komplexen musikalischen Situationen nie den roten Faden verliert. Genau das war hier hörbar. Sie gab der Performance Bewegung, ohne sie zu überfrachten, und hielt die Balance zwischen Respekt vor dem Material und eigener Handschrift.

Warum dieser Auftritt so gut funktionierte

Natürlich stand über allem auch die Erinnerung an Neil Peart, dessen Bilder im Hintergrund über die Leinwand liefen. Doch der Auftritt funktionierte gerade deshalb, weil er nicht versuchte, einen unersetzbaren Musiker zu kopieren oder einen bloßen Nostalgie-Moment zu erzeugen.

Vielmehr entstand der Eindruck eines würdevollen Weitergehens. Anika Nilles füllte dabei keine Lücke im klassischen Sinn, sondern brachte frische Energie in ein Bandgefüge, das nach langer Pause wieder sichtbar Lust auf Bühne hatte.

Auch Geddy Lee und Alex Lifeson wirkten hörbar aufgeladen. Lee präsentierte sich stimmlich erstaunlich präsent, Lifeson agierte mit jener Mischung aus Lockerheit und Präzision, die man mit seinem Spiel verbindet. Loren Gold an den Keyboards ergänzte das Line-up und verdichtete den Sound für den Live-Rahmen spürbar.

Erster Rush-Auftritt seit 2015

Der Abend in Hamilton, Ontario markierte einen echten Einschnitt. Seit dem Ende der R40-Tour am 1. August 2015 in Los Angeles hatten Lee und Lifeson nicht mehr unter dem Namen Rush gemeinsam auf der Bühne gestanden. Zwar gab es in den vergangenen Jahren vereinzelte gemeinsame Auftritte, etwa bei Tribute-Shows für Gordon Lightfoot oder Taylor Hawkins, doch dabei firmierten die beiden nicht als Rush.

Umso größer war die Signalwirkung dieses Juno-Auftritts. Er wirkte nicht wie ein einmaliger Gruß an die Vergangenheit, sondern wie der Beginn eines neuen Kapitels.

Geddy Lee und Alex Lifeson über die Songwahl

Auch die Wahl von „Finding My Way“ hatte ihren Reiz. Geddy Lee erklärte nach dem Auftritt sinngemäß, dass es praktisch unmöglich sei, aus dem Rush-Katalog nur einen einzigen Song auszuwählen. Also habe man das Management entscheiden lassen – mit dem Ergebnis: Erster Song, erstes Album.

Alex Lifeson kommentierte die Wahl trocken mit dem typisch lakonischen Rush-Humor:

Es sei außerdem der einzige Song, den sie spielen könnten.

Genau diese Mischung aus Selbstironie und musikalischem Ernst machte den Auftritt zusätzlich sympathisch. Nichts wirkte überhöht, nichts kalkuliert sentimental. Stattdessen stand ein kompakter, energischer Live-Moment im Raum,

Fifty Something Tour: Anika Nilles vor dem nächsten großen Kapitel

Der Auftritt gilt als Auftakt zur Fifty Something Tour, die am 7. Juni in Los Angeles starten soll, ausgerechnet an dem Ort, an dem Rush 2015 ihr letztes Konzert mit Neil Peart spielten. Was zunächst wie eine überschaubare Konzertreihe wirkte, ist inzwischen zu einer großen Tour durch die USA, Kanada und Europa angewachsen.

Geplant sind zweiteilige Abende mit einem rotierenden Repertoire von rund 35 Songs. Für Drummer ist das besonders spannend, denn genau hier wird sich zeigen, wie Anika Nilles unterschiedliche Rush-Epochen live interpretiert.

Fazit: Anika Nilles gibt Rush einen neuen Puls

Für die Drum-Community ist dieser Auftritt vor allem eines: ein Statement. Anika Nilles hat bei ihrem Rush-Debüt nicht nur bestanden, sondern den Moment entscheidend mitgeprägt. Ihr Spiel war kraftvoll, kontrolliert und musikalisch auf den Punkt.

Statt sich an Erwartungen aufzureiben, setzte sie auf genau die Qualitäten, die große Drummer auszeichnen: Timing, Ton, Formgefühl und Präsenz. Rush wirkten an diesem Abend nicht wie ein reines Erinnerungsprojekt. Sie wirkten lebendig. Und das lag ganz wesentlich auch an der Schlagzeugerin hinter dem Kit.

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Die Cajon (spanisch für „Kiste“) ist ein Perkussionsinstrument, das auf den ersten Blick unscheinbar wirkt: eine einfache Holzkiste, auf der man sitzt und spielt. Doch hinter dieser scheinbaren Einfachheit verbirgt sich eines der vielseitigsten Rhythmusinstrumente der modernen Musik. Gespielt wird die Cajon mit den Händen, indem die Frontplatte, die sogenannte Schlagfläche, an verschiedenen Stellen angeschlagen wird. So lassen sich sowohl tiefe Bassklänge als auch snare-ähnliche, knackige Sounds erzeugen. Genau diese Kombination macht sie, besonders in akustischen Settings, zu einer beliebten Alternative zum Schlagzeug.

Herkunft und Entstehung des Cajons

Die Ursprünge der Cajon liegen in Peru und reichen bis in die Kolonialzeit zurück. Dort entwickelten afrikanische Sklaven das Instrument aus einer Notsituation heraus: Ihnen war das Spielen traditioneller Trommeln verboten. Um dennoch musizieren zu können, begannen sie auf einfachen Transportkisten aus Holz für Fisch, Früchte und Bananen zu trommeln. Diese improvisierten Rhythmuswerkzeuge entwickelten sich mit der Zeit zu einem eigenständigen Instrument. Die Cajon ist damit ein eindrucksvolles Beispiel dafür, wie Kreativität und kultureller Ausdruck selbst unter schwierigen Bedingungen weiterleben können.

Wie sah die erste Cajon aus?

Die ersten Cajones waren denkbar schlicht und eher aus der Not heraus geboren: einfache, oft grob zusammengezimmerte Transportkisten, die keinerlei spezielle Klangtechnik besaßen. Weder gab es ein Snare-System noch wurden gezielt ausgewählte oder abgestimmte Hölzer verwendet. Der Klang entstand ausschließlich durch die natürliche Resonanz des hohlen Korpus. Entsprechend präsentierte sich der Sound trocken, holzig und sehr direkt. Genau dieser ursprüngliche Charakter wird bis heute geschätzt und findet sich vor allem in traditionellen peruanischen Cajones wieder.

Vom Straßeninstrument zur Weltkarriere

Den Sprung auf die internationalen Bühnen schaffte die Cajon erst in den 1970er Jahren. Eine entscheidende Rolle spielte dabei der Flamenco-Gitarrist Paco de Lucía, der das Instrument in sein Ensemble integrierte und damit in Europa populär machte. In der Folge wurde die Cajon weiterentwickelt, verbessert und industriell gefertigt. Besonders spanische Instrumentenbauer und Percussionisten trugen dazu bei, die Cajon „markttauglich“ zu machen – etwa durch die Integration von Snare-Mechaniken im Inneren. Heute ist sie aus Genres wie Pop, Rock, Unplugged, Singer-Songwriter oder Flamenco kaum noch wegzudenken.

Was macht eine Cajon aus?

Typische Merkmale einer Cajon sind:

• Holzkorpus (Resonanzkörper)
• Schlagfläche (Tapa) – meist dünneres Holz für sensible Ansprache
• Schallloch auf der Rückseite
• optional: Snare-Mechanik für den typischen „Teppich“-Sound

Durch unterschiedliche Anschlagtechniken kann ein Spieler ein komplettes Schlagzeug imitieren: Bassdrum, Snare und sogar Hi-Hat-ähnliche Sounds.

Die drei bekanntesten Bauweisen

1. Peruanische Cajon

2. Flamenco-Cajon (mit Snare)

3. Moderne Hybrid- und Spezial-Cajons

Empfehlung für Einsteiger: Fame Cajon „Black Birch“

Für alle, die in die Welt der Cajon einsteigen möchten, ist die Fame Black Birch Cajon eine besonders interessante Wahl.

Kurzinfos:

• Korpus aus Birkenholz für einen ausgewogenen Klang
• integriertes Snare-System für vielseitige Sounds
• moderne Bauweise mit klarer Bass- und Snare-Trennung
• geeignet für Anfänger und Fortgeschrittene

Die Cajon überzeugt vor allem durch ihr gutes Preis-Leistungs-Verhältnis und ihre Vielseitigkeit. Sie bietet sowohl satte Bassfrequenzen als auch knackige Snare-Sounds – ideal für Akustik-Sessions, kleine Gigs oder den Einstieg ins Percussion-Spiel.

Fazit

Die Cajon ist weit mehr als nur eine Holzkiste: Sie ist ein Instrument mit bewegender Geschichte, großer Ausdruckskraft und erstaunlicher Vielseitigkeit. Vom improvisierten Rhythmuswerkzeug bis hin zum festen Bestandteil moderner Musik. Die Cajon hat einen einzigartigen Weg zurückgelegt. Gerade für Einsteiger bietet sie einen unkomplizierten Zugang zur Welt der Rhythmik.

Foto: https://www.schlagwerk.com/de/produkte/

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Das Album wurde zum Welterfolg, gewann 1978 den Grammy für Album des Jahres, wurde später in die Grammy Hall of Fame aufgenommen und 2017 in das National Recording Registry der Library of Congress eingetragen. Über 40 Millionen verkaufte Exemplare sind die eine Seite der Geschichte; die andere ist, dass hier eine Rhythmusgruppe spielt, als hinge das ganze Gebäude nur an ihr.

Mick Fleetwood: Der Ruhepol im Zentrum der Band

Mick Fleetwood war zu diesem Zeitpunkt längst mehr als nur der Mann hinter dem Drumkit. Er war Gründungsmitglied der Band, deren Name sich aus den Nachnamen von Fleetwood und John McVie ableitet, und er war eine der wenigen Konstanten in einer Gruppe, die sich seit ihrer Gründung 1967 mehrfach neu erfunden hatte.

Aus einer britischen Bluesband war bis Mitte der Siebziger eine anglo-amerikanische Pop-Rock-Maschine geworden; Rumours markiert den Moment, in dem diese Entwicklung endgültig auf den Punkt kam. Das Album bündelt die außergewöhnliche Songwriting-Klasse, die vokale Chemie und die enorme Stabilität der Rhythmusgruppe in exemplarischer Form.

Warum die Drums auf Rumours so entscheidend sind

Gerade aus Drummer–Sicht ist das Entscheidende an Rumours nicht Virtuosität im klassischen Sinne. Fleetwood spielt hier nicht, um sich nach vorn zu trommeln. Er spielt, um Spannung zu organisieren.

Sein Stil auf diesem Album ist groß, aber nie eitel; präsent, aber nicht aufdringlich. Das Schlagzeug schafft Raum für Lindsey Buckingham, Stevie Nicks und Christine McVie, ohne je weichgespült zu wirken. Dieser Puls ist der Grund, warum selbst die geschmeidigsten Songs auf Rumours nie auseinanderfallen. Der Groove hat Gewicht, aber auch Luft. Er schiebt, ohne zu hetzen.

Genau das macht Fleetwoods Spiel so berühmt: Es klingt stabil, menschlich und seltsam unerschütterlich, selbst wenn im Inneren der Band alles wankt. Unterstützt wird das von John McVie, mit dem Fleetwood eine Rhythmusachse bildet, die weniger durch Show als durch Autorität überzeugt.

Studio unter Spannung: Fleetwood Mac Rumours

Die Sessions zu Rumours im Jahr 1976 sind legendär, weil sie musikalische Höchstleistung und private Zerreißprobe beinahe exemplarisch zusammenführten. Trennungen, Konflikte und emotionale Spannungen prägten die Entstehung des Albums massiv. Gerade deshalb ist der Drum-Fokus hier so spannend: Man kann Rumours auch als Lehrstück darüber hören, wie Rhythmus in einer zersplitterten Situation zur gemeinsamen Sprache wird. Wo persönliche Kommunikation schwierig war, funktionierte die musikalische Kommunikation weiter. Fleetwoods Schlagzeug ist auf diesem Album deshalb nicht bloß Timekeeping, sondern Moderation unter Strom.

Musikhistorischer Kontext: Pop, Krise und Perfektion

Musikhistorisch steht Rumours an einer hochinteressanten Schnittstelle. Die späten Siebziger waren von Ernüchterung, gesellschaftlichen Umbrüchen und zugleich von der vollen Macht einer kommerziellen Albumkultur geprägt. Rumours übersetzte diese Widersprüche in perfekt gebaute Popsongs, die radikal privat wirkten und gerade deshalb massenwirksam wurden.

Oder anders gesagt: Dieses Album klang intim und war gleichzeitig Blockbuster. Genau darin liegt seine historische Sonderstellung. Rumours machte aus Beziehungsbruch, Erschöpfung und Resthoffnung keine Nischenkunst, sondern Pop für Millionen.

Was Drummer von Mick Fleetwood lernen können

Für Drummer ist daran noch etwas anderes lehrreich: Fleetwood beweist, dass Größe nicht zwingend in Komplexität liegt. Sein Spiel auf Rumours ist exemplarisch für ein musikalisches Selbstverständnis, das den Song über das Ego stellt. Er baut keine Mauern aus Fills, sondern tragende Wände aus Puls, Klang und Platzierung. Deshalb sind die Drums auf diesem Album nicht bloß gut begleitet, sondern identitätsstiftend. Sie geben dem Album seine körperliche Glaubwürdigkeit.

Wenn Rumours bis heute so modern wirkt, dann auch, weil Mick Fleetwood verstanden hat, was viele technisch brillantere Drummer nie ganz begreifen: Der perfekte Groove ist nicht der lauteste Kommentar zum Song, sondern seine Form von Wahrheit.

Ein Referenzalbum für Schlagzeuger

Darum bleibt Rumours aus Schlagzeugperspektive ein Referenzalbum. Nicht, weil Mick Fleetwood alles spielt, was man spielen kann. Sondern weil er genau das spielt, was dieses Album gebraucht hat: Haltung, Gewicht, Disziplin und diesen seltenen Instinkt für den einen Beat, der einen Song nicht nur zusammenhält, sondern unsterblich macht.

©️ Foto von W.W.Thaler – H. Weber, Hildesheim – Eigenes Werk, CC BY-SA 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=13409500

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So eindeutig ist die Sache jedoch nicht. Moongel kann ein nützliches Werkzeug sein, ist aber keine Pflicht und schon gar keine universelle Lösung. Ob Dämpfung sinnvoll ist, hängt immer vom Instrument, von der Stimmung, vom Raum und vom musikalischen Kontext ab. Wer zu früh zum Gel greift, behandelt oft nur ein Symptom und nicht die eigentliche Ursache.

Woher der Mythos kommt

Der Mythos hat einen einfachen Grund. Moongel wirkt sofort. Ein Pad auf das Fell, und schon wird der Ton kürzer, Obertöne werden reduziert und das Spielgefühl verändert sich hörbar. Gerade bei der Snare oder bei hoch gestimmten Toms ist dieser Effekt deutlich. Das macht Moongel im Alltag praktisch und beliebt.

Hinzu kommt, dass viele Drummer kontrollierte, kurze und aufgeräumte Sounds aus Produktionen kennen. Im Studio entsteht dieser Eindruck jedoch nicht nur durch Dämpfung am Instrument, sondern auch durch Mikrofonierung, Bearbeitung, Raumakustik und Mischung. Wer diesen Sound allein mit einem Gel-Pad nachbilden will, greift oft zu kurz.

Auch im Live-Betrieb hat sich Moongel etabliert, weil es schnell auf wechselnde Bedingungen reagiert. Das hat dazu geführt, dass viele Drummer es nicht mehr als Option, sondern als Standard betrachten. Genau hier beginnt der Mythos.

Was Moongel eigentlich macht

Moongel verändert die Schwingung des Fells. Das Pad nimmt dem Fell einen Teil seiner freien Bewegung, wodurch Sustain und Obertöne reduziert werden. Je nach Position und Menge fällt dieser Effekt stärker oder schwächer aus.

Das ist zunächst weder richtig noch falsch. Dämpfung ist ein Eingriff in den Klang, und jeder Eingriff hat einen Zweck. Ein offener, lang ausklingender Tom-Sound kann musikalisch genauso passend sein wie eine kurze, trockene Snare. Moongel ist deshalb kein Qualitätsmerkmal, sondern ein Werkzeug zur Klangformung.

Wichtig ist außerdem, dass Moongel nicht zwischen guten und schlechten Obertönen unterscheidet. Es reduziert ganz allgemein Resonanzanteile. Das kann hilfreich sein, kann aber auch Lebendigkeit und Projektion kosten, wenn das Instrument eigentlich gut gestimmt ist.

Warum Moongel nicht immer die richtige Lösung ist

In vielen Fällen liegt das eigentliche Problem nicht an zu viel Sustain, sondern an der Stimmung. Eine unsaubere Fellspannung, ein schlecht abgestimmtes Resonanzfell oder ein unausgewogenes Verhältnis zwischen Schlag und Resonanzfell erzeugen oft den Eindruck, dass ein Kessel unangenehm klingt. Dann wird gedämpft, obwohl zuerst sauber gestimmt werden müsste. Auch der Raum spielt eine große Rolle. Was direkt am Set schrill oder lang wirkt, kann vor dem Instrument ausgewogen klingen. Umgekehrt kann ein kleiner, harter Raum bestimmte Frequenzen unangenehm betonen. In solchen Fällen reagiert man schnell mit Moongel, obwohl die Ursache im Raum liegt und nicht am Drumset.

Ein weiterer Punkt ist die Dynamik. Zu viel Dämpfung nimmt einem Instrument oft Ansprache und Offenheit. Besonders bei leiserem Spiel kann eine stark gedämpfte Trommel schnell flach wirken. Der Sound wird kürzer, aber nicht automatisch besser.

Wann Moongel sinnvoll ist

Trotzdem gibt es viele Situationen, in denen Moongel sinnvoll eingesetzt werden kann. Im Studio kann es helfen, den Ausklang einer Trommel gezielt zu kontrollieren und störende Resonanzen im Mikrofonbild zu reduzieren. Live kann es nützlich sein, wenn ein Raum problematische Frequenzen verstärkt oder wenn ein sehr offener Trommelsound im Bandkontext zu viel Platz einnimmt. Auch bei bestimmten Stilistiken ist ein trockenerer Sound ausdrücklich gewünscht. Kurze Snares, kompakte Toms oder stark kontrollierte Backbeats sind kein Fehler, sondern Teil einer ästhetischen Entscheidung. In solchen Fällen kann Moongel schnell und effektiv zum Ziel führen.

Entscheidend ist die Dosierung. Oft reicht bereits ein kleines Stück in einer unauffälligen Position am Fellrand. Mehr Dämpfung ist nicht automatisch besser. Wer gezielt arbeitet, erhält Kontrolle, ohne dem Instrument seinen Charakter zu nehmen.

Typische Fehler im Umgang mit Moongel

Ein häufiger Fehler besteht darin, sofort zu dämpfen, ohne das Instrument vorher sauber zu stimmen. Damit wird das Ohr daran gewöhnt, Probleme zu überdecken statt sie zu lösen. Gerade für die eigene Entwicklung ist das ungünstig, weil ein wichtiger Teil der Klangkontrolle verloren geht. Ebenso problematisch ist der reflexhafte Einsatz auf jeder Trommel. Nicht jede Snare braucht Dämpfung, nicht jedes Tom muss kürzer gemacht werden. Manche Sets klingen offen einfach besser und tragen gerade deshalb im Raum oder in der Band.

Ein weiterer Fehler ist zu starke Dämpfung. Mehrere Pads oder große Gel-Flächen nehmen dem Fell oft so viel Bewegung, dass nur noch ein kurzer, lebloser Ton übrig bleibt. Das kann im Einzelfall funktionieren, sollte aber eine bewusste Entscheidung sein und keine Gewohnheit.

Was vor Moongel kommen sollte

Bevor gedämpft wird, lohnt sich ein Blick auf die Grundlagen. An erster Stelle steht die Stimmung. Sind Schlag und Resonanzfell sauber aufeinander abgestimmt, löst sich ein großer Teil vermeintlicher Klangprobleme oft bereits von selbst. Ebenso wichtig ist die Fellwahl. Einlagige Felle reagieren offener und resonanter, mehrlagige Felle oft kontrollierter. Wer dauerhaft einen kurzen, kompakten Sound sucht, ist mit einem anderen Fell unter Umständen besser bedient als mit zusätzlicher Dämpfung.

Auch die Spielweise beeinflusst den Klang stärker, als oft angenommen wird. Anschlagpunkt, Stockhöhe und Dynamik verändern Obertöne, Attack und Sustain. Ein kontrollierter Sound beginnt also nicht erst beim Zubehör, sondern bereits in den Händen des Drummers.

Praxis-Tipps

Wer mit Moongel arbeitet, sollte schrittweise vorgehen. Erst stimmen, dann hören, dann gezielt dämpfen. Am besten beginnt man mit einem kleinen Pad und verändert dessen Position, statt sofort mehrere Stücke auf das Fell zu legen. Hilfreich ist auch, den Sound aus etwas Entfernung zu beurteilen oder das Set aufzunehmen. Direkt am Instrument wirken Obertöne oft stärker, als sie im Raum tatsächlich sind. Eine kurze Aufnahme liefert meist ein realistischeres Bild.

Sinnvoll ist es außerdem, den Sound im musikalischen Zusammenhang zu prüfen. Eine Snare, die solo sehr offen erscheint, kann sich in der Band perfekt einfügen. Umgekehrt kann ein stark gedämpfter Sound allein angenehm wirken, im Mix aber zu klein und kraftlos erscheinen.

Fazit

Moongel ist kein Pflichtzubehör, sondern ein Werkzeug. Es kann helfen, den Klang schnell und gezielt zu kontrollieren, ersetzt aber weder gutes Stimmen noch ein Verständnis für Raum, Fellwahl und Spielweise. Wer bei jedem Soundproblem sofort zum Gel greift, verkürzt den Blick auf das Instrument. Der bessere Ansatz ist einfach: erst die Ursache prüfen, dann die passende Lösung wählen. Manchmal ist Moongel genau richtig. Manchmal reicht sauberes Tuning. Und manchmal klingt eine Trommel gerade dann am besten, wenn sie offen bleiben darf.

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