Wir waren vor kurzer Zeit in Bad Berleburg vor Ort, und Produktmanager Jannis hat uns den kompletten Produktionsprozess gezeigt: MOMENTUM ist nicht einfach ein neues Set. Diese Serie vereint die besten Features aller in Deutschland gefertigten SONOR-Schlagzeuge und verbindet die beliebteste SONOR Kesselkonstruktion mit unterschiedlichen Kesselmaterialien, smarten Hardware-Features und Oberflächen, die sowohl modern als auch zeitlos wirken. Basierend auf 150 Jahren Erfahrung, aber entwickelt mit Blick auf die Anforderungen des heutigen Marktes, soll MOMENTUM den Grundstein für das nächste Kapitel in SONORs Serienfertigung „Made in Germany“ legen.

Mit dabei war das Filmteam von Sticks & Tricks. Moderator Lukas und Jannis gehen im Video jeden Schritt der Fertigung durch, vom Furnierlager bis zur Qualitätskontrolle.

Überblick: Was die SONOR MOMENTUM Serie ausmacht

Im Zentrum stehen die Kessel: MOMENTUM ist in Ahorn, Birke oder Buche erhältlich und setzt konsequent auf SONORs meist nachgefragte 9-lagige (6 mm) Kesselkonstruktion, die bei allen Trommeln zum Einsatz kommt. Diese Einheitlichkeit ist kein Detail, sondern Programm: klare Serie, klarer Standard, verlässlich reproduzierbar.

Dazu kommen vier Oberflächen, die bewusst den Spagat aus Wiedererkennung und frischer Inspiration schaffen:

• Red Pearl (Delmar-Folie)
• Satin Pure White (matte Lackierung)
• GT Black (matte Lackierung)
• California Burl (seidenmattes Furnier)

Gerade California Burl ist hier der Blickfang, ein völlig neues Furnier, das mit MOMENTUM sein Debüt feiert und exklusiv in dieser Serie auf den Markt kommt. Je nach Holzart ist MOMENTUM außerdem in elegant seidenmattem Furnier, zwei edlen Mattlackierungen oder einer hochwertigen Delmar-Folierung erhältlich, entwickelt, um optischen und akustischen Ansprüchen gleichermaßen gerecht zu werden.

Auch bei der Hardware zieht SONOR die stärksten Karten aus dem eigenen Portfolio: MOMENTUM kombiniert bewährte Innovationen wie die renommierte T.A.R. Tom-Aufhängung (bekannt aus der ProLite Serie) und die fortschrittlichen Sound Sustainer an den Floor Toms (bekannt aus der SQ1 Serie).

So wird MOMENTUM gebaut – die Produktion in Bad Berleburg (Kapitel aus dem Video)

Das Furnierlager: Die Basis für den Sound

Schon am Anfang wird deutlich, wie sehr MOMENTUM auf Konsistenz setzt. Im Furnierlager geht es nicht nur um Material, sondern um die Grundlage dessen, was später als Klangcharakter wahrgenommen wird. Jannis erklärt, warum Auswahl und Kontrolle der Furniere so entscheidend sind, gerade wenn eine Serie wie MOMENTUM mit unterschiedlichen Hölzern (Ahorn, Birke, Buche) arbeitet, aber dennoch eine klare, wiedererkennbare Handschrift behalten soll.

Kesselfertigung: Zuschneiden & „Ausbacken“

Hier wird aus Holz wirklich ein Kessel: Zuschnitt, Aufbau, Formgebung – nd dann das „Ausbacken“, das Stabilität und Formtreue absichert. Dass MOMENTUM auf die 9-lagige (6 mm) Konstruktion setzt, ist in diesem Abschnitt nicht bloß eine technische Angabe: Man spürt, dass diese Konstruktion bewusst gewählt wurde, weil sie SONORs meist nachgefragter Standard ist und damit perfekt zu einer Serie passt, die die besten Features aus dem deutschen SONOR-Programm bündeln soll.

Feinschliff und die perfekte Kesselgratung

Als Drummer weiß man: Gratungen sind der Punkt, an dem ein Kessel anfängt zu sprechen. Im Werk wird das nicht romantisiert, sondern präzise gelebt. Der Feinschliff und die Kesselgratung sind bei MOMENTUM der Schlüssel dafür, dass die Trommeln in der Praxis gut stimmen, sauber ansprechen und in unterschiedlichen Situationen funktionieren, genau das, was man von einer modernen Made-in-Germany-Serie erwartet, die mit Blick auf heutige Marktanforderungen entwickelt wurde.

Die Lackiererei: Satin Matt vs. High Gloss

In der Lackiererei wird MOMENTUM visuell greifbar und gleichzeitig wird klar, dass Oberfläche bei SONOR nie nur Look ist. MOMENTUM bietet seidenmattes Furnier, Mattlackierungen und Delmar-Folienoberflächen, bewusst als Mix aus frischer Inspiration und zeitlosen Optionen. Lukas und Jannis machen im Video den Unterschied zwischen Satin und Gloss anschaulich, während man parallel versteht: Die Serie will optisch breit aufgestellt sein, ohne beliebig zu werden. Die vier Finishes – Red Pearl, Satin Pure White, GT Black und das exklusive California Burl – stehen genau für diese Balance.

CNC-Präzision: Bohrungen & Badge-Montage

Jetzt kommt der Moment, in dem Serienfertigung ihre Stärke zeigen muss: Bohrungen, Passungen, Ausrichtung, alles, was später über saubere Montage, Hardware-Sitz und Langlebigkeit entscheidet. In diesem Abschnitt wird deutlich, wie MOMENTUM als Zukunftsschritt gedacht ist: Tradition im Material und Handwerk. Fortschritt in Präzision und Prozesssicherheit.

Endmontage: Wenn Holz auf Metall trifft

In der Endmontage wird der MOMENTUM-Gedanke am praktischsten: Hier treffen Kessel und Hardware aufeinander und genau hier zahlen die gewählten Features ein. Dass MOMENTUM etwa die T.A.R. Tom-Aufhängung aus ProLite übernimmt, ist in der Montage sofort plausibel: Es geht um stabile, musikalische Aufhängung und um das, was Drummer im Alltag wirklich merken. Dazu kommen die Sound Sustainer an den Floor Toms (aus der SQ1-Welt bekannt), die zeigen: MOMENTUM ist keine abgespeckte Serie, sondern eine bewusste Bündelung der besten Lösungen.

Qualitätskontrolle: 3.800 Einzelteile im Blick

Zum Schluss wird es beeindruckend und sehr SONOR: Qualitätskontrolle mit dem Blick auf 3.800 Einzelteile. Diese Zahl wirkt erst einmal fast absurd, bis man vor Ort realisiert, wie viele Schnittstellen ein Drumset tatsächlich hat. Für MOMENTUM ist dieser Schritt der entscheidende: Sonor Mitarbeiter Sebastian hat uns zudem erklärt, wie er die Produkte vor Ort prüft.

Fazit: MOMENTUM

Nach dem Rundgang bleibt ein Eindruck: Die MOMENTUM Serie ist nicht einfach neu, weil sie einen neuen Namen trägt. Sie ist neu, weil Sonor hier sichtbar versucht, Prozess und Produkt eng zu verzahnen, dass am Ende ein Drumset entsteht, das uns alle nachhaltig beenidruckt hat. 

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Von der Copacabana zu Roy Bianco

Bungo erzählt, er sei in den 1970er-Jahren an den sonnigen Stränden von Copacabana aufgewachsen, wo er zwischen Fußball, Tanzen, Surfen und wilden Bongo-Sessions den Puls des Lebens aufsaugte, nur um ihn später am Schlagzeug wieder freizusetzen – eine „Reise zur glückseligen Harmonie von Bewegung und Gesang“, wie er es nennt. Philosophisch? Vielleicht. Ironisch? Definitiv.Seinen Künstlernamen „Bungo Jonas“ prägte er früh und gründete die Ipanema Samba Fighters. Doch das Schicksal, so erzählt man sich, wollte es anders: 1984 sprang er spontan für den verletzten Michael Klotz bei Roy Bianco ein. Seitdem schlägt Bungo unaufhaltsam den Takt dieser Band – präzise, subtil, mit einer Coolness, die man nur Mythen zuordnen kann.

Eine Ode an Ringo Starr

Sein Spiel ist eine Ode an den Groove: mal wie Ringo Starr, mal wie der entspannte Surfer, der niemals aus der Reihe tanzt. Jede Bassdrum, jede Hi-Hat, jeder Rimshot sitzt wie ein perfekt platzierter Sonnenschirm an der Copacabana – nie aufdringlich, immer auf den Punkt. Bungo ist der Inbegriff des Timekeepers: präzise, unaufgeregt, geschmackvoll und musikalisch auf den Punkt, keine Note zu viel, jede Pause genau dosiert – ein Drummer, der das Zusammenspiel atmen lässt, ohne sich selbst in den Vordergrund zu spielen.

Auflösung 1997

Nach der überraschenden Auflösung 1997 kehrte die Band 2016 zurück, als hätte sie nie aufgehört, die deutsche Schlagerszene zu erobern. Das zweite Comeback-Album „Mille Grazie“ stieg 2022 direkt auf Platz 1 der Charts. Dem 2024 erschienenen dritten Studioalbum „Kult“, das wie sein Vorgänger ebenfalls auf Platz 1 der deutschen Albumcharts einstieg, folgte eine gleichnamige Tour, zu der erstmals auch zwei Konzerte in Italien gehörten – ein kleiner Beweis dafür, dass die Schlagerwellen inzwischen nicht mehr nur national, sondern auch international schlagen. Trotz des Pseudonyms und der Mythosbildung haben Bungo Jonas und Roy Bianco & Die Abbrunzati Boys mit zwei Platz-1-Alben und einer Live-Performance, die zu den besten unseres Landes zählt, Maßstäbe gesetzt und sich als einer der herausragendsten Live-Acts Deutschlands etabliert.

Wer nun meint, dies sei der Gipfel der Geschichte, darf sich 2026 auf eine Live-Serie freuen, die das Können einer großartigen Band in voller Blüte zeigt – Roy Bianco & Die Abbrunzati Boys, eine Formation, die jeden Saal zum Schwingen bringt, und mittendrin Bungo Jonas, ein Drummer von unerbittlicher Präzision, musikalischem Geschmack und subtiler Eleganz.

Wer Bungo mit Roy Bianco & Die Abbrunzati Boys 2026 live erleben will:

• Augsburg – WWK Arena: Sa, 30.05.2026 (Ausverkauft)
• Künzelsau – Carmen Würth Forum: Sa, 27.06.2026
• Bonn – Kunst!Rasen: Do, 06.08.2026
• Würzburg – Residenzplatz: Fr, 07.08.2026
• Osnabrück – Schloss Osnabrück: Sa, 15.08.2026
• Braunschweig – BRAWO Bühne: So, 16.08.2026

Live-Tipp: „Goodbye, Arrivederci“ aus den Abbey Road Studios

Im Frühjahr 2024 reisten Roy Bianco & Die Abbrunzati Boys nach London, um ihre Single „Goodbye, Arrivederci“ in den legendären Abbey Road Studios live aufzunehmen – ein Ort, an dem einst John Lennon, Paul McCartney und die Beatles Musikgeschichte schrieben. Die Band nutzte das Studio sowohl als Aufnahmeort als auch als Kulisse für ihr Musikvideo, und das Ergebnis ist eine Live-Session, die Italo-Schlager auf britische Popkultur trifft. Die Musiker beschrieben das Erlebnis, an derselben Stätte zu spielen wie die Ikonen der Musikgeschichte, als „überwältigend“ und ein „Privileg“ – man merkt: Selbst für eine Band mit zwei Platz-1-Alben und überragender Bühnenerfahrung kann ein historischer Raum noch ehrfürchtige Schauer auslösen. Wer sich selbst ein Bild machen will, kann die Session hier sehen:

Und obwohl er praktisch ein lebender Rhythmusgott ist, bleibt Bungo Jonas bescheiden: „Sei demütig und diene der Musik, wie die Welle dem Surfer dient.“ Mit seinem Mantra „Peace & Love!“ zeigt er, dass Bodenhaftung und Mythos kein Widerspruch sind – Humor, Herz und Übertreibung inklusive.

Fazit

Wer Bungo Jonas einmal erlebt, erkennt schnell, dass es Schlagzeuger gibt, die einfach spielen – und dann gibt es Bungo, einen Musiker, dessen Mythos, Präzision und Groove so kunstvoll verwoben sind, dass man kaum unterscheiden kann, was mehr beeindruckt: die Virtuosität oder die Geschichte, die man sich gleich mitdenkt. Echt? Fiktiv? Am Ende spielt das kaum eine Rolle – entscheidend ist, dass der Beat sitzt.

Foto ©️ https://www.paiste.com/en/musicians/bungo-jonas

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Rush-Comeback bei den Juno Awards: Warum Drummer vor allem auf Anika Nilles schauen

Wenn Rush zurück auf die Bühne kommen, ist die Aufmerksamkeit garantiert. Doch für Schlagzeugerinnen und Schlagzeuger lag der Fokus bei diesem Überraschungsauftritt nicht zuerst auf Geddy Lee oder Alex Lifeson, sondern auf der Frau hinter dem Kit: Anika Nilles.

Bei den diesjährigen Juno Awards eröffnete die Band mit „Finding My Way“, dem Opener ihres Debütalbums Rush aus dem Jahr 1974. Ein spannender Griff in die Frühphase der Bandgeschichte, denn auf der Originalaufnahme ist noch John Rutsey zu hören. Gerade dadurch bekam der Auftritt eine besondere Dramaturgie: Statt sich direkt an der übergroßen Neil-Peart-Legacy abzuarbeiten, setzte die Band auf einen Song aus ihrer Anfangszeit.

Für Anika Nilles war das die perfekte Bühne, um genau das zu zeigen, was sie seit Jahren auszeichnet: Technische Klasse, hohe Musikalität und ein modernes Verständnis von Groove und Form.

Anika Nilles liefert bei „Finding My Way“ ein Drumming mit Haltung

Am großen Kit mit Rush-Logo auf der Bassdrum spielte Nilles nicht einfach nur mit, sie setzte Akzente. Ihre Fills waren präzise, druckvoll und sauber ins Gesamtbild eingebettet. Wer ihr Spiel kennt, weiß, dass Anika Nilles auch in komplexen musikalischen Situationen nie den roten Faden verliert. Genau das war hier hörbar. Sie gab der Performance Bewegung, ohne sie zu überfrachten, und hielt die Balance zwischen Respekt vor dem Material und eigener Handschrift.

Warum dieser Auftritt so gut funktionierte

Natürlich stand über allem auch die Erinnerung an Neil Peart, dessen Bilder im Hintergrund über die Leinwand liefen. Doch der Auftritt funktionierte gerade deshalb, weil er nicht versuchte, einen unersetzbaren Musiker zu kopieren oder einen bloßen Nostalgie-Moment zu erzeugen.

Vielmehr entstand der Eindruck eines würdevollen Weitergehens. Anika Nilles füllte dabei keine Lücke im klassischen Sinn, sondern brachte frische Energie in ein Bandgefüge, das nach langer Pause wieder sichtbar Lust auf Bühne hatte.

Auch Geddy Lee und Alex Lifeson wirkten hörbar aufgeladen. Lee präsentierte sich stimmlich erstaunlich präsent, Lifeson agierte mit jener Mischung aus Lockerheit und Präzision, die man mit seinem Spiel verbindet. Loren Gold an den Keyboards ergänzte das Line-up und verdichtete den Sound für den Live-Rahmen spürbar.

Erster Rush-Auftritt seit 2015

Der Abend in Hamilton, Ontario markierte einen echten Einschnitt. Seit dem Ende der R40-Tour am 1. August 2015 in Los Angeles hatten Lee und Lifeson nicht mehr unter dem Namen Rush gemeinsam auf der Bühne gestanden. Zwar gab es in den vergangenen Jahren vereinzelte gemeinsame Auftritte, etwa bei Tribute-Shows für Gordon Lightfoot oder Taylor Hawkins, doch dabei firmierten die beiden nicht als Rush.

Umso größer war die Signalwirkung dieses Juno-Auftritts. Er wirkte nicht wie ein einmaliger Gruß an die Vergangenheit, sondern wie der Beginn eines neuen Kapitels.

Geddy Lee und Alex Lifeson über die Songwahl

Auch die Wahl von „Finding My Way“ hatte ihren Reiz. Geddy Lee erklärte nach dem Auftritt sinngemäß, dass es praktisch unmöglich sei, aus dem Rush-Katalog nur einen einzigen Song auszuwählen. Also habe man das Management entscheiden lassen – mit dem Ergebnis: Erster Song, erstes Album.

Alex Lifeson kommentierte die Wahl trocken mit dem typisch lakonischen Rush-Humor:

Es sei außerdem der einzige Song, den sie spielen könnten.

Genau diese Mischung aus Selbstironie und musikalischem Ernst machte den Auftritt zusätzlich sympathisch. Nichts wirkte überhöht, nichts kalkuliert sentimental. Stattdessen stand ein kompakter, energischer Live-Moment im Raum,

Fifty Something Tour: Anika Nilles vor dem nächsten großen Kapitel

Der Auftritt gilt als Auftakt zur Fifty Something Tour, die am 7. Juni in Los Angeles starten soll, ausgerechnet an dem Ort, an dem Rush 2015 ihr letztes Konzert mit Neil Peart spielten. Was zunächst wie eine überschaubare Konzertreihe wirkte, ist inzwischen zu einer großen Tour durch die USA, Kanada und Europa angewachsen.

Geplant sind zweiteilige Abende mit einem rotierenden Repertoire von rund 35 Songs. Für Drummer ist das besonders spannend, denn genau hier wird sich zeigen, wie Anika Nilles unterschiedliche Rush-Epochen live interpretiert.

Fazit: Anika Nilles gibt Rush einen neuen Puls

Für die Drum-Community ist dieser Auftritt vor allem eines: ein Statement. Anika Nilles hat bei ihrem Rush-Debüt nicht nur bestanden, sondern den Moment entscheidend mitgeprägt. Ihr Spiel war kraftvoll, kontrolliert und musikalisch auf den Punkt.

Statt sich an Erwartungen aufzureiben, setzte sie auf genau die Qualitäten, die große Drummer auszeichnen: Timing, Ton, Formgefühl und Präsenz. Rush wirkten an diesem Abend nicht wie ein reines Erinnerungsprojekt. Sie wirkten lebendig. Und das lag ganz wesentlich auch an der Schlagzeugerin hinter dem Kit.

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Was diese drei Hersteller grundsätzlich unterscheidet, hört man ziemlich schnell. Zildjian steht in der K-Linie für einen modernen, dunkleren Allround-Sound mit viel Musikalität. Sabian hat mit HHX eine Serie, die oft etwas kantiger, grooviger und attackbetonter auftritt. Meinl Byzance Dual geht klar in eine trockene, moderne Richtung mit viel Charakter und weniger klassischem „Blend“. Alle drei Konzepte haben ihre Fangemeinde, aber sie bedienen eben nicht dieselbe Vorstellung von einem professionellen Cymbal-Set.

Zildjian K Sweet Cymbal Pack

Das K Sweet Set ist für mich in diesem Vergleich der Testsieger, weil es den breitesten Einsatzbereich abdeckt und dabei einen Sound liefert, der für meine Ohren sehr zeitgemäß ist, ohne modisch zu wirken. Zildjian beschreibt das Pack selbst als Set mit größeren, dunkleren Crashes, das den K-Sound in eine neue, alternative Richtung schiebt. Die Größenkombination mit 15er HiHat, 17er und 19er Extra-Thin-Crashes und 21er Medium-Ride ist aus meiner Sicht hervorragend gewählt, weil sie sofort nach einem spielfertigen, durchdachten Setup klingt.

Im direkten Spielgefühl wirkt das Set sehr geschlossen. Die HiHat klingt voll und kontrolliert, die Crashes sprechen schnell an, bleiben aber musikalisch, und das Ride hat genau die Mischung aus Definition und Wash, die man für moderne Produktionen oft braucht. Ich höre hier viele schimmernde, breite Frequenzen, aber nie so, dass der Sound auseinanderfällt. Genau das macht für mich Spitzenklasse aus. Auch Reviews heben bei den K Sweet Cymbals regelmäßig die schnelle Ansprache, die dunklere Grundfarbe und die gute Balance aus Crash- und Ride-Eigenschaften hervor.

Was mir besonders gefällt, ist die Vielseitigkeit. Ich kann mir dieses Set in Pop, Rock, Indie, Funk, moderner Singer-Songwriter-Musik und auch in etwas kräftigeren Kontexten problemlos vorstellen. Es ist nicht zu speziell, aber auch nicht beliebig. Wenn man nur ein professionelles Set haben will, das fast alles souverän mitmacht, ist das K Sweet für mich derzeit schwer zu schlagen.

Sabian HHX X-treme Groove Package

Das Sabian HHX X-treme Groove Package liegt für mich direkt hinter dem Zildjian-Set. Sabian kombiniert hier eine 15″ Groove HiHat, 17″ und 19″ HHX-treme Crashes sowie ein 21″ Groove Ride. Händler- und Produktbeschreibungen betonen den dunklen, zugleich funky klingenden Sound mit schnellem Attack und die besondere Mischung aus X-treme- und Groove-Serie.

Genau das höre ich auch. Das Set klingt für mich rund und klar, aber anders als das Zildjian. Die HHX-Welt hat etwas mehr Eigenprofil im Attack, gerade bei den Crashes. Die 17er- und 19er-X-treme-Crashes haben einen Einschlag, der im ersten Moment fast ein wenig an China-Energie erinnert, ohne wirklich in diese Richtung abzudriften. Das macht sie interessant, weil sie sich im Bandmix sehr gut behaupten. Das 21er Groove Ride bringt dazu einen angenehm dunklen Grundton und genug Wash, ohne undefiniert zu werden. Auch Nutzerbewertungen heben gerade das Groove Ride als Kaufargument hervor und beschreiben das Set insgesamt als sehr lohnend im Paket.

Für mich ist das Sabian-Set das richtige Paket für Drummer, die ein professionelles Set mit Charakter suchen, aber nicht in extreme Trockenheit oder Spezialklänge abrutschen wollen. Im direkten Vergleich zum K Sweet ist es etwas weniger universell, dafür in manchen Band-Kontexten unmittelbarer und etwas pointierter. Wer viel modern Rock, Alternative, Funk-Rock oder Musik mit klaren Akzenten spielt, wird damit sehr glücklich werden.

Meinl Byzance Dual Complete Set

Das Meinl Byzance Dual Complete Set ist das speziellste der drei Pakete. Die Byzance-Dual-Serie stammt laut Meinl aus der Weiterentwicklung der Extra-Dry-Welt und ist für ihren Kontrast aus rohem Zentrum und abgedrehtem, poliertem Rand bekannt. Meinl beschreibt den Sound sinngemäß als trashy, earthy and low at first, mit einem brillanteren Einschlag im weiteren Verlauf.

Genau diesen Charakter hört man sofort. Das Set klingt trocken, fokussiert und eigenständig. Die HiHat spricht direkt an, das 16er Trash-Crash setzt klare Akzente, das 18er Crash bleibt kontrolliert und das 20er Crash/Ride bewegt sich eher in einem Soundbereich, den man mögen muss. Das meine ich gar nicht negativ. Im Gegenteil: Ich verstehe sehr gut, warum die Serie so erfolgreich ist. Viele Drummer suchen genau diesen trockenen, kompakten und modernen Ansatz, der im Studio oft sofort funktioniert und live selten Probleme macht. Händler und Produkttexte unterstreichen ebenfalls die Beliebtheit und den Wiedererkennungswert dieser Serie.

Für mich landet das Meinl-Set dennoch auf Platz drei, nicht weil es schwächer wäre, sondern weil es deutlich spezieller ist. Ich höre weniger „klassischen Ton“ und mehr kontrollierten Effektcharakter. Wer das liebt, bekommt hier ein sehr starkes Set. Wer ein einziges Profi-Set für fast alle Jobs sucht, fährt mit Zildjian oder Sabian aus meiner Sicht sicherer.

Fazit

Alle drei Sets sind professionell, alle drei sind aus B20-Bronze gefertigt, und alle drei bedienen unterschiedliche Vorstellungen davon, wie ein modernes Beckenset klingen soll. Das Zildjian K Sweet Cymbal Pack ist für mich der Testsieger, weil es für fast alle Stile zu gebrauchen ist und diesen modernen, offenen Sound der Spitzenklasse mitbringt, den man sowohl live als auch im Studio sofort sinnvoll einsetzen kann.

Auf Platz zwei liegt für mich das Sabian HHX X-treme Groove Package. Es klingt rund, klar und hat genug Eigencharakter, um im Bandmix sofort aufzufallen, ohne sich zu sehr in den Vordergrund zu drängen.

Das Meinl Byzance Dual Complete Set folgt auf Platz drei, bleibt aber ein ernstzunehmendes Profi-Set. Es ist trockener, spezieller und genau deshalb für viele Drummer hochattraktiv. Wer diesen Sound sucht, wird hier sehr wahrscheinlich fündig.

Unterm Strich würde ich es so sagen:

• Wer maximale Vielseitigkeit will, nimmt Zildjian.
• Wer Charakter mit Allround-Qualitäten sucht, ist bei Sabian sehr gut aufgehoben.
• Wer trocken, modern und markant mag, landet bei Meinl Byzance Dual.

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Die Cajon (spanisch für „Kiste“) ist ein Perkussionsinstrument, das auf den ersten Blick unscheinbar wirkt: eine einfache Holzkiste, auf der man sitzt und spielt. Doch hinter dieser scheinbaren Einfachheit verbirgt sich eines der vielseitigsten Rhythmusinstrumente der modernen Musik. Gespielt wird die Cajon mit den Händen, indem die Frontplatte, die sogenannte Schlagfläche, an verschiedenen Stellen angeschlagen wird. So lassen sich sowohl tiefe Bassklänge als auch snare-ähnliche, knackige Sounds erzeugen. Genau diese Kombination macht sie, besonders in akustischen Settings, zu einer beliebten Alternative zum Schlagzeug.

Herkunft und Entstehung des Cajons

Die Ursprünge der Cajon liegen in Peru und reichen bis in die Kolonialzeit zurück. Dort entwickelten afrikanische Sklaven das Instrument aus einer Notsituation heraus: Ihnen war das Spielen traditioneller Trommeln verboten. Um dennoch musizieren zu können, begannen sie auf einfachen Transportkisten aus Holz für Fisch, Früchte und Bananen zu trommeln. Diese improvisierten Rhythmuswerkzeuge entwickelten sich mit der Zeit zu einem eigenständigen Instrument. Die Cajon ist damit ein eindrucksvolles Beispiel dafür, wie Kreativität und kultureller Ausdruck selbst unter schwierigen Bedingungen weiterleben können.

Wie sah die erste Cajon aus?

Die ersten Cajones waren denkbar schlicht und eher aus der Not heraus geboren: einfache, oft grob zusammengezimmerte Transportkisten, die keinerlei spezielle Klangtechnik besaßen. Weder gab es ein Snare-System noch wurden gezielt ausgewählte oder abgestimmte Hölzer verwendet. Der Klang entstand ausschließlich durch die natürliche Resonanz des hohlen Korpus. Entsprechend präsentierte sich der Sound trocken, holzig und sehr direkt. Genau dieser ursprüngliche Charakter wird bis heute geschätzt und findet sich vor allem in traditionellen peruanischen Cajones wieder.

Vom Straßeninstrument zur Weltkarriere

Den Sprung auf die internationalen Bühnen schaffte die Cajon erst in den 1970er Jahren. Eine entscheidende Rolle spielte dabei der Flamenco-Gitarrist Paco de Lucía, der das Instrument in sein Ensemble integrierte und damit in Europa populär machte. In der Folge wurde die Cajon weiterentwickelt, verbessert und industriell gefertigt. Besonders spanische Instrumentenbauer und Percussionisten trugen dazu bei, die Cajon „markttauglich“ zu machen – etwa durch die Integration von Snare-Mechaniken im Inneren. Heute ist sie aus Genres wie Pop, Rock, Unplugged, Singer-Songwriter oder Flamenco kaum noch wegzudenken.

Was macht eine Cajon aus?

Typische Merkmale einer Cajon sind:

• Holzkorpus (Resonanzkörper)
• Schlagfläche (Tapa) – meist dünneres Holz für sensible Ansprache
• Schallloch auf der Rückseite
• optional: Snare-Mechanik für den typischen „Teppich“-Sound

Durch unterschiedliche Anschlagtechniken kann ein Spieler ein komplettes Schlagzeug imitieren: Bassdrum, Snare und sogar Hi-Hat-ähnliche Sounds.

Die drei bekanntesten Bauweisen

1. Peruanische Cajon

2. Flamenco-Cajon (mit Snare)

3. Moderne Hybrid- und Spezial-Cajons

Empfehlung für Einsteiger: Fame Cajon „Black Birch“

Für alle, die in die Welt der Cajon einsteigen möchten, ist die Fame Black Birch Cajon eine besonders interessante Wahl.

Kurzinfos:

• Korpus aus Birkenholz für einen ausgewogenen Klang
• integriertes Snare-System für vielseitige Sounds
• moderne Bauweise mit klarer Bass- und Snare-Trennung
• geeignet für Anfänger und Fortgeschrittene

Die Cajon überzeugt vor allem durch ihr gutes Preis-Leistungs-Verhältnis und ihre Vielseitigkeit. Sie bietet sowohl satte Bassfrequenzen als auch knackige Snare-Sounds – ideal für Akustik-Sessions, kleine Gigs oder den Einstieg ins Percussion-Spiel.

Fazit

Die Cajon ist weit mehr als nur eine Holzkiste: Sie ist ein Instrument mit bewegender Geschichte, großer Ausdruckskraft und erstaunlicher Vielseitigkeit. Vom improvisierten Rhythmuswerkzeug bis hin zum festen Bestandteil moderner Musik. Die Cajon hat einen einzigartigen Weg zurückgelegt. Gerade für Einsteiger bietet sie einen unkomplizierten Zugang zur Welt der Rhythmik.

Foto: https://www.schlagwerk.com/de/produkte/

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Das Album wurde zum Welterfolg, gewann 1978 den Grammy für Album des Jahres, wurde später in die Grammy Hall of Fame aufgenommen und 2017 in das National Recording Registry der Library of Congress eingetragen. Über 40 Millionen verkaufte Exemplare sind die eine Seite der Geschichte; die andere ist, dass hier eine Rhythmusgruppe spielt, als hinge das ganze Gebäude nur an ihr.

Mick Fleetwood: Der Ruhepol im Zentrum der Band

Mick Fleetwood war zu diesem Zeitpunkt längst mehr als nur der Mann hinter dem Drumkit. Er war Gründungsmitglied der Band, deren Name sich aus den Nachnamen von Fleetwood und John McVie ableitet, und er war eine der wenigen Konstanten in einer Gruppe, die sich seit ihrer Gründung 1967 mehrfach neu erfunden hatte.

Aus einer britischen Bluesband war bis Mitte der Siebziger eine anglo-amerikanische Pop-Rock-Maschine geworden; Rumours markiert den Moment, in dem diese Entwicklung endgültig auf den Punkt kam. Das Album bündelt die außergewöhnliche Songwriting-Klasse, die vokale Chemie und die enorme Stabilität der Rhythmusgruppe in exemplarischer Form.

Warum die Drums auf Rumours so entscheidend sind

Gerade aus Drummer–Sicht ist das Entscheidende an Rumours nicht Virtuosität im klassischen Sinne. Fleetwood spielt hier nicht, um sich nach vorn zu trommeln. Er spielt, um Spannung zu organisieren.

Sein Stil auf diesem Album ist groß, aber nie eitel; präsent, aber nicht aufdringlich. Das Schlagzeug schafft Raum für Lindsey Buckingham, Stevie Nicks und Christine McVie, ohne je weichgespült zu wirken. Dieser Puls ist der Grund, warum selbst die geschmeidigsten Songs auf Rumours nie auseinanderfallen. Der Groove hat Gewicht, aber auch Luft. Er schiebt, ohne zu hetzen.

Genau das macht Fleetwoods Spiel so berühmt: Es klingt stabil, menschlich und seltsam unerschütterlich, selbst wenn im Inneren der Band alles wankt. Unterstützt wird das von John McVie, mit dem Fleetwood eine Rhythmusachse bildet, die weniger durch Show als durch Autorität überzeugt.

Studio unter Spannung: Fleetwood Mac Rumours

Die Sessions zu Rumours im Jahr 1976 sind legendär, weil sie musikalische Höchstleistung und private Zerreißprobe beinahe exemplarisch zusammenführten. Trennungen, Konflikte und emotionale Spannungen prägten die Entstehung des Albums massiv. Gerade deshalb ist der Drum-Fokus hier so spannend: Man kann Rumours auch als Lehrstück darüber hören, wie Rhythmus in einer zersplitterten Situation zur gemeinsamen Sprache wird. Wo persönliche Kommunikation schwierig war, funktionierte die musikalische Kommunikation weiter. Fleetwoods Schlagzeug ist auf diesem Album deshalb nicht bloß Timekeeping, sondern Moderation unter Strom.

Musikhistorischer Kontext: Pop, Krise und Perfektion

Musikhistorisch steht Rumours an einer hochinteressanten Schnittstelle. Die späten Siebziger waren von Ernüchterung, gesellschaftlichen Umbrüchen und zugleich von der vollen Macht einer kommerziellen Albumkultur geprägt. Rumours übersetzte diese Widersprüche in perfekt gebaute Popsongs, die radikal privat wirkten und gerade deshalb massenwirksam wurden.

Oder anders gesagt: Dieses Album klang intim und war gleichzeitig Blockbuster. Genau darin liegt seine historische Sonderstellung. Rumours machte aus Beziehungsbruch, Erschöpfung und Resthoffnung keine Nischenkunst, sondern Pop für Millionen.

Was Drummer von Mick Fleetwood lernen können

Für Drummer ist daran noch etwas anderes lehrreich: Fleetwood beweist, dass Größe nicht zwingend in Komplexität liegt. Sein Spiel auf Rumours ist exemplarisch für ein musikalisches Selbstverständnis, das den Song über das Ego stellt. Er baut keine Mauern aus Fills, sondern tragende Wände aus Puls, Klang und Platzierung. Deshalb sind die Drums auf diesem Album nicht bloß gut begleitet, sondern identitätsstiftend. Sie geben dem Album seine körperliche Glaubwürdigkeit.

Wenn Rumours bis heute so modern wirkt, dann auch, weil Mick Fleetwood verstanden hat, was viele technisch brillantere Drummer nie ganz begreifen: Der perfekte Groove ist nicht der lauteste Kommentar zum Song, sondern seine Form von Wahrheit.

Ein Referenzalbum für Schlagzeuger

Darum bleibt Rumours aus Schlagzeugperspektive ein Referenzalbum. Nicht, weil Mick Fleetwood alles spielt, was man spielen kann. Sondern weil er genau das spielt, was dieses Album gebraucht hat: Haltung, Gewicht, Disziplin und diesen seltenen Instinkt für den einen Beat, der einen Song nicht nur zusammenhält, sondern unsterblich macht.

©️ Foto von W.W.Thaler – H. Weber, Hildesheim – Eigenes Werk, CC BY-SA 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=13409500

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So eindeutig ist die Sache jedoch nicht. Moongel kann ein nützliches Werkzeug sein, ist aber keine Pflicht und schon gar keine universelle Lösung. Ob Dämpfung sinnvoll ist, hängt immer vom Instrument, von der Stimmung, vom Raum und vom musikalischen Kontext ab. Wer zu früh zum Gel greift, behandelt oft nur ein Symptom und nicht die eigentliche Ursache.

Woher der Mythos kommt

Der Mythos hat einen einfachen Grund. Moongel wirkt sofort. Ein Pad auf das Fell, und schon wird der Ton kürzer, Obertöne werden reduziert und das Spielgefühl verändert sich hörbar. Gerade bei der Snare oder bei hoch gestimmten Toms ist dieser Effekt deutlich. Das macht Moongel im Alltag praktisch und beliebt.

Hinzu kommt, dass viele Drummer kontrollierte, kurze und aufgeräumte Sounds aus Produktionen kennen. Im Studio entsteht dieser Eindruck jedoch nicht nur durch Dämpfung am Instrument, sondern auch durch Mikrofonierung, Bearbeitung, Raumakustik und Mischung. Wer diesen Sound allein mit einem Gel-Pad nachbilden will, greift oft zu kurz.

Auch im Live-Betrieb hat sich Moongel etabliert, weil es schnell auf wechselnde Bedingungen reagiert. Das hat dazu geführt, dass viele Drummer es nicht mehr als Option, sondern als Standard betrachten. Genau hier beginnt der Mythos.

Was Moongel eigentlich macht

Moongel verändert die Schwingung des Fells. Das Pad nimmt dem Fell einen Teil seiner freien Bewegung, wodurch Sustain und Obertöne reduziert werden. Je nach Position und Menge fällt dieser Effekt stärker oder schwächer aus.

Das ist zunächst weder richtig noch falsch. Dämpfung ist ein Eingriff in den Klang, und jeder Eingriff hat einen Zweck. Ein offener, lang ausklingender Tom-Sound kann musikalisch genauso passend sein wie eine kurze, trockene Snare. Moongel ist deshalb kein Qualitätsmerkmal, sondern ein Werkzeug zur Klangformung.

Wichtig ist außerdem, dass Moongel nicht zwischen guten und schlechten Obertönen unterscheidet. Es reduziert ganz allgemein Resonanzanteile. Das kann hilfreich sein, kann aber auch Lebendigkeit und Projektion kosten, wenn das Instrument eigentlich gut gestimmt ist.

Warum Moongel nicht immer die richtige Lösung ist

In vielen Fällen liegt das eigentliche Problem nicht an zu viel Sustain, sondern an der Stimmung. Eine unsaubere Fellspannung, ein schlecht abgestimmtes Resonanzfell oder ein unausgewogenes Verhältnis zwischen Schlag und Resonanzfell erzeugen oft den Eindruck, dass ein Kessel unangenehm klingt. Dann wird gedämpft, obwohl zuerst sauber gestimmt werden müsste. Auch der Raum spielt eine große Rolle. Was direkt am Set schrill oder lang wirkt, kann vor dem Instrument ausgewogen klingen. Umgekehrt kann ein kleiner, harter Raum bestimmte Frequenzen unangenehm betonen. In solchen Fällen reagiert man schnell mit Moongel, obwohl die Ursache im Raum liegt und nicht am Drumset.

Ein weiterer Punkt ist die Dynamik. Zu viel Dämpfung nimmt einem Instrument oft Ansprache und Offenheit. Besonders bei leiserem Spiel kann eine stark gedämpfte Trommel schnell flach wirken. Der Sound wird kürzer, aber nicht automatisch besser.

Wann Moongel sinnvoll ist

Trotzdem gibt es viele Situationen, in denen Moongel sinnvoll eingesetzt werden kann. Im Studio kann es helfen, den Ausklang einer Trommel gezielt zu kontrollieren und störende Resonanzen im Mikrofonbild zu reduzieren. Live kann es nützlich sein, wenn ein Raum problematische Frequenzen verstärkt oder wenn ein sehr offener Trommelsound im Bandkontext zu viel Platz einnimmt. Auch bei bestimmten Stilistiken ist ein trockenerer Sound ausdrücklich gewünscht. Kurze Snares, kompakte Toms oder stark kontrollierte Backbeats sind kein Fehler, sondern Teil einer ästhetischen Entscheidung. In solchen Fällen kann Moongel schnell und effektiv zum Ziel führen.

Entscheidend ist die Dosierung. Oft reicht bereits ein kleines Stück in einer unauffälligen Position am Fellrand. Mehr Dämpfung ist nicht automatisch besser. Wer gezielt arbeitet, erhält Kontrolle, ohne dem Instrument seinen Charakter zu nehmen.

Typische Fehler im Umgang mit Moongel

Ein häufiger Fehler besteht darin, sofort zu dämpfen, ohne das Instrument vorher sauber zu stimmen. Damit wird das Ohr daran gewöhnt, Probleme zu überdecken statt sie zu lösen. Gerade für die eigene Entwicklung ist das ungünstig, weil ein wichtiger Teil der Klangkontrolle verloren geht. Ebenso problematisch ist der reflexhafte Einsatz auf jeder Trommel. Nicht jede Snare braucht Dämpfung, nicht jedes Tom muss kürzer gemacht werden. Manche Sets klingen offen einfach besser und tragen gerade deshalb im Raum oder in der Band.

Ein weiterer Fehler ist zu starke Dämpfung. Mehrere Pads oder große Gel-Flächen nehmen dem Fell oft so viel Bewegung, dass nur noch ein kurzer, lebloser Ton übrig bleibt. Das kann im Einzelfall funktionieren, sollte aber eine bewusste Entscheidung sein und keine Gewohnheit.

Was vor Moongel kommen sollte

Bevor gedämpft wird, lohnt sich ein Blick auf die Grundlagen. An erster Stelle steht die Stimmung. Sind Schlag und Resonanzfell sauber aufeinander abgestimmt, löst sich ein großer Teil vermeintlicher Klangprobleme oft bereits von selbst. Ebenso wichtig ist die Fellwahl. Einlagige Felle reagieren offener und resonanter, mehrlagige Felle oft kontrollierter. Wer dauerhaft einen kurzen, kompakten Sound sucht, ist mit einem anderen Fell unter Umständen besser bedient als mit zusätzlicher Dämpfung.

Auch die Spielweise beeinflusst den Klang stärker, als oft angenommen wird. Anschlagpunkt, Stockhöhe und Dynamik verändern Obertöne, Attack und Sustain. Ein kontrollierter Sound beginnt also nicht erst beim Zubehör, sondern bereits in den Händen des Drummers.

Praxis-Tipps

Wer mit Moongel arbeitet, sollte schrittweise vorgehen. Erst stimmen, dann hören, dann gezielt dämpfen. Am besten beginnt man mit einem kleinen Pad und verändert dessen Position, statt sofort mehrere Stücke auf das Fell zu legen. Hilfreich ist auch, den Sound aus etwas Entfernung zu beurteilen oder das Set aufzunehmen. Direkt am Instrument wirken Obertöne oft stärker, als sie im Raum tatsächlich sind. Eine kurze Aufnahme liefert meist ein realistischeres Bild.

Sinnvoll ist es außerdem, den Sound im musikalischen Zusammenhang zu prüfen. Eine Snare, die solo sehr offen erscheint, kann sich in der Band perfekt einfügen. Umgekehrt kann ein stark gedämpfter Sound allein angenehm wirken, im Mix aber zu klein und kraftlos erscheinen.

Fazit

Moongel ist kein Pflichtzubehör, sondern ein Werkzeug. Es kann helfen, den Klang schnell und gezielt zu kontrollieren, ersetzt aber weder gutes Stimmen noch ein Verständnis für Raum, Fellwahl und Spielweise. Wer bei jedem Soundproblem sofort zum Gel greift, verkürzt den Blick auf das Instrument. Der bessere Ansatz ist einfach: erst die Ursache prüfen, dann die passende Lösung wählen. Manchmal ist Moongel genau richtig. Manchmal reicht sauberes Tuning. Und manchmal klingt eine Trommel gerade dann am besten, wenn sie offen bleiben darf.

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Gerade im mittleren Preisbereich ist das spannend, weil viele E-Drums entweder beim Look oder bei der Ausstattung Kompromisse machen. Hier wirkt es so, als wolle Fame ziemlich viele Wünsche auf einmal erfüllen. Nach allem, was bisher bekannt ist, könnte das DD-ONE Akoustic eines der interessantesten neuen E-Drum-Sets für Drummer werden, die ein „richtiges“ Set-Gefühl wollen, aber auf die Vorteile moderner Elektronik nicht verzichten möchten.

Akustischer Look, modernes Konzept

Der erste große Pluspunkt ist die klare Ausrichtung auf ein akustisches Erscheinungsbild. Das DD-ONE Akoustic will nicht wie ein typisches Kompakt-E-Drum wirken, sondern wie ein vollwertiges Drumset mit moderner Technik im Inneren. Das ist nicht nur eine optische Frage. Viele Drummer spielen automatisch anders, wenn das Set vor ihnen eher nach echtem Kit aussieht und sich auch so anfühlt.

Dazu passen die Mesh-Felle auf allen Trommelpads, die ein natürliches Rebound-Verhalten liefern und dynamisch fein auflösen sollen. Gerade wer von akustischen Drums kommt, weiß, wie wichtig das ist. Ein E-Drum kann noch so viele Sounds haben, wenn sich das Spielgefühl nicht richtig anfühlt, nutzt man das System auf Dauer oft nicht aus. Genau deshalb finde ich den Grundgedanken des DD-ONE Akoustic sehr gelungen.

Spielgefühl

Besonders spannend ist die Ausstattung im Detail. Die Snare mit Positionserkennung ist ein echtes Highlight, weil sie den Klang abhängig vom Anschlagspunkt verändert. Das ist für mich einer der Punkte, an denen ein E-Drum-Set plötzlich erwachsener wirkt. Es geht dann nicht mehr nur darum, dass ein Schlag „ausgelöst“ wird, sondern dass sich Spielweise und Sound tatsächlich beeinflussen.

Auch das restliche Pad-Setup liest sich sehr sinnvoll. 2-Zonen-Toms, 2-Zonen-Crashes mit Choke-Funktion, ein 3-Zonen-Ride und vor allem eine echte HiHat mit separatem Ständer und Pedal-Positionserkennung sind genau die Features, die im Alltag zählen. Denn spätestens bei HiHat und Ride trennt sich oft Übungsgerät von Instrument. Wenn eine HiHat sauber auf Öffnungsgrade reagiert und ein Ride Bell, Bow und Edge überzeugend umsetzt, fühlt sich das ganze Set deutlich echter an.

PURE DRUM 2.0

Natürlich springen bei den Specs zuerst die 1.576 Sounds und 142 Kits ins Auge. Solche Zahlen lesen sich immer gut, sind aber nur dann wirklich relevant, wenn die Grundqualität stimmt und die Bearbeitung sinnvoll umgesetzt ist. Genau hier macht das DD-ONE Akoustic einen interessanten Eindruck, weil es nicht nur viele Sounds bietet, sondern offenbar auch tief in die Editierung geht.

Mit der PURE DRUM 2.0 Soundengine lassen sich Parameter wie Pitch, Decay, Resonanz, Snare-Buzz, Cymbal-Sustain oder Größe detailliert anpassen. Das gefällt mir, weil man dadurch nicht auf starre Werkssounds reduziert bleibt. Wer sein Set wirklich an den eigenen Stil anpassen will, bekommt hier offenbar genug Spielraum.

Dazu kommt die Möglichkeit, eigene WAV-Samples per SD-Karte zu laden und mit internen Sounds zu layern. Genau das ist heute für viele Drummer enorm wichtig, weil sich Akustik- und E-Drum-Welt immer stärker vermischen. Wer eigene Snare-Layer, elektronische Kicks oder One-Shots einbauen will, bekommt hier ein Werkzeug, das über klassisches E-Drum-Denken hinausgeht.

Effekte, Outputs und Konnektivität

Was das DD-ONE Akoustic für mich besonders attraktiv macht, ist der Blick über das reine Spielgefühl hinaus. Das Modul bietet 13 Insert-Effekte, Kit-EQ, Kit-Kompressor und damit genug Werkzeuge, um Sounds nicht nur auszuwählen, sondern aktiv zu formen. Gerade für Recording, Hybrid-Setups oder Live-Anwendungen ist das ein echter Vorteil.

Sehr stark finde ich auch die acht Einzelausgänge. Das ist ein Feature, das man in dieser Klasse nicht immer selbstverständlich bekommt und das das Set sofort interessanter für Bühne und Studio macht. Wer Kick, Snare, Toms oder elektronische Layer getrennt ausspielen will, hat damit deutlich mehr Möglichkeiten im Mix.

Auch die restliche Konnektivität wirkt sehr zeitgemäß. USB Audio, USB-MIDI, Bluetooth Audio und Bluetooth MIDI sprechen klar dafür, dass das Set nicht nur als Standalone-Instrument gedacht ist, sondern sich problemlos in moderne Produktions- und Übeumgebungen einfügen soll. Dazu kommen Recording-Funktionen, Coach-Modus, Song-Features und Metronom mit Tap-Tempo. Das ist sinnvoll, weil ein E-Drum heute eben oft gleichzeitig Instrument, Übezentrum und Interface ist.

Für wen ist das Fame DD-ONE Akoustic interessant?

Aus meiner Sicht richtet sich das Set an mehrere Zielgruppen gleichzeitig. Anfänger bekommen ein E-Drum mit akustischem Look, großem Funktionsumfang und guten Lernhilfen. Fortgeschrittene und Umsteiger von akustischen Drums dürften vor allem das authentischere Setup, die echte HiHat und die Mehrzonen-Pads schätzen. Und für Drummer, die zu Hause üben, aber im Studio oder auf der Bühne mehr wollen als nur Standard-Kits, ist die Kombination aus Einzelausgängen, Sample-Import und Effekten besonders reizvoll.

Genau diese Breite finde ich an dem Konzept so überzeugend. Das DD-ONE Akoustic wirkt nicht wie ein reines Anfänger-Produkt, sondern wie ein Set, das auch dann noch Spaß machen kann, wenn man schon länger spielt und klare Ansprüche an Feeling und Sound hat.

Mein Eindruck

Ich finde, Fame trifft mit dem DD-ONE Akoustic einen sehr zeitgemäßen Nerv. Viele Drummer wollen heute ein E-Drum, das nicht nur leise ist, sondern sich ernsthaft nach Instrument anfühlt. Die Kombination aus akustischem Design, echter Hi-Hat, Snare-Positionserkennung, vielen editierbaren Sounds und starker Konnektivität wirkt auf mich durchdacht und musikalisch. Gerade die Möglichkeit, interne Sounds mit eigenen Samples zu kombinieren, macht das Set für mich besonders spannend.

Wenn die Umsetzung in der Praxis hält, was die Ausstattung verspricht, dann könnte hier im Frühsommer wirklich ein sehr attraktives E-Drum-Set aufschlagen. Nicht als Spielerei, sondern als ernstzunehmende Lösung für Drummer, die modernes E-Drumming mit echtem Set-Gefühl verbinden wollen.

Fazit

Das Fame DD-ONE Akoustic macht schon auf dem Papier vieles richtig. Akustische Optik, Mesh-Felle, echte Hi-Hat, Mehrzonen-Pads, starke Soundengine, Sample-Import, acht Einzelausgänge und moderne Anschlussvielfalt ergeben zusammen ein E-Drum-Set, das deutlich über das hinausgeht, was man von vielen klassischen Einsteigerlösungen kennt.

Für mich ist genau das der spannende Punkt: Das Set will nicht nur Schlagzeug simulieren, sondern ein musikalisch ernstzunehmendes Werkzeug sein. Und das ist in dieser Form definitiv einen genaueren Blick wert, sobald das DD-ONE Akoustic im Frühsommer verfügbar ist

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Die Renown Maple Serie steht seit Jahren für genau diesen Spagat. Einerseits bekommt man den typischen Gretsch-Charakter mit warmem Grundton, klarer Ansprache und musikalischem Sustain, andererseits ist die Serie modern genug aufgestellt, um im Proberaum, im Studio und live ohne Umwege zu funktionieren. Die Special Edition in Turquoise Sparkle setzt diesem Konzept jetzt noch eine sehr starke optische Klammer auf.

Was die Serie besonders macht

Das Besondere an der Renown Maple Reihe ist für mich schon immer gewesen, dass sie nicht versucht, künstlich Vintage oder maximal modern zu sein. Sie liegt genau dazwischen. Der Ahornkessel liefert einen ausgewogenen, offenen Sound mit genug Tiefe und Druck, ohne dabei träge zu wirken. Das macht die Serie für viele Stilistiken interessant, von Pop und Rock bis hin zu Funk, Indie und modernerem Mainstream.

Bei dieser limitierten Special Edition kommt dazu, dass das Turquoise Sparkle Finish nicht einfach nur „eine neue Farbe“ ist, sondern dem Set einen ziemlich eigenständigen Charakter gibt. Gerade unter Licht wirkt das Finish lebendig und hochwertig. Es ist eines dieser Sets, das auf Fotos schon gut aussieht, live aber vermutlich noch einmal deutlich stärker rüberkommt.

Zwei Konfigurationen, zwei klare Einsatzbereiche

Gretsch bietet die Sonderedition in zwei Konfigurationen an, und genau das macht die Serie auch praktisch interessant.

Die erste Variante mit 12″x8″ Tom, 14″x14″ Floor Tom, 16″x16″ Floor Tom und 22″x18″ Bassdrum ist für mich die klassischere und druckvollere Auslegung. Das ist das Setup für Drummer, die ein großes Fundament wollen, viel Luft nach unten brauchen und live ein Set spielen möchten, das optisch und klanglich nach „vollwertigem Rock- und Allround-Kit“ aussieht. Die 22er Bassdrum bringt das erwartete Volumen, während die Kombination aus 14er- und 16er-Floor-Tom viel Tiefe und Bewegung in Fills und Grooves bringt. Gerade für Rock, Alternative, Pop und alles, was nach etwas mehr Körper verlangt, ist das eine sehr starke Konfiguration.

Die zweite Variante mit 10″x7″ Tom, 14″x14″ Floor Tom, 16″x16″ Floor Tom und 20″x16″ Bassdrum wirkt etwas kompakter und moderner. Die 20er Bassdrum bringt meist einen direkteren, schnelleren Punch mit, ohne dass man auf ernsthaften Tiefgang verzichten muss. In Kombination mit dem 10er Tom entsteht ein Setup, das sich etwas wendiger und tighter anfühlen dürfte. Für Drummer, die ein reaktionsschnelles Set mit etwas kompakterem Footprint suchen, ist das vermutlich die spannendere Wahl. Gerade in kleineren Clubs, bei funkigeren Sachen oder überall dort, wo ein Set etwas fokussierter und agiler reagieren soll, sehe ich diese Konfiguration klar vorn.

Warum diese Konfigurationen clever gewählt sind

Was mir an den beiden Setups gefällt, ist, dass Gretsch nicht einfach nur wahllos Größen kombiniert hat. Beide Varianten ergeben musikalisch Sinn. Die 22er-Version deckt die eher klassische, große Bühne ab, während die 20er-Version den moderneren, kompakteren Zugang bietet. In beiden Fällen bleibt mit zwei Floor Toms genug klangliche Tiefe im Setup, was dem Ganzen trotz unterschiedlicher Bassdrum-Größe eine gewisse Autorität verleiht.

Genau das macht die Serie interessant: Du bekommst nicht nur ein schönes Sondermodell, sondern ein Set, das auch in der Praxis durchdacht wirkt.

Fazit

Die Gretsch Renown Maple Special Edition in Turquoise Sparkle ist mehr als nur ein hübsches Limited Finish. Sie verbindet die bekannten Stärken der Renown-Serie mit einer auffälligen, aber geschmackvollen Optik und zwei Konfigurationen, die unterschiedliche Drummer-Typen gezielt abholen. Die 22er-Version ist das klassisch große Arbeitstier mit viel Fundament, die 20er-Version die etwas straffere, modernere Alternative mit kompakterem Charakter.

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