Es gibt Rockplatten, die wie eine Momentaufnahme ihrer Zeit wirken, und es gibt solche, die man heute auflegt und die immer noch absolut frisch klingen. Queens of the Stone Age – Songs for the Deaf gehört zur zweiten Sorte. Das dritte Album der Queens of the Stone Age kam im August 2002 raus und war als Konzeptalbum über eine nächtliche Autofahrt durch die kalifornische Wüste angelegt. Es brachte der Band den weltweiten Durchbruch, aber für Schlagzeuger ist es weit mehr: Es ist das Album, auf dem Songwriting, Sound und das Spiel von Dave Grohl perfekt ineinandergreifen.
Dave Grohl als Motor der Band
Dave Grohl war hier kein gewöhnlicher Gastmusiker, sondern der entscheidende Antrieb. Wenn man auf die Entstehungszeit zurückblickt, merkt man, dass die Phase bei den Queens für ihn viel mehr als ein kurzes Projekt war. Nach dem ersten gemeinsamen Auftritt blieb er dabei, spielte Touren und nannte die Erfahrung später eine der besten seines Lebens. Das hört man der Platte an. Er spielt hier nicht wie ein Rockstar, der kurz seinen Stempel aufdrückt, sondern wie ein Drummer, der in dieser Band genau das Umfeld gefunden hat, das er brauchte.
Der Sound
Dass das Album aus Schlagzeugsicht heute noch so modern wirkt, liegt vor allem an der Produktion von Eric Valentine. Er betonte immer wieder, wie präzise und konstant Grohls Spiel war. Auf Samples wurde komplett verzichtet. Der massive Sound entstand durch Grohls Kraft und eine spezielle Aufnahmetechnik: Die Trommeln wurden in einer extrem trockenen Kabine aufgenommen, während die Becken separat eingespielt wurden. So klingen Kick, Snare und Toms fokussiert und körperlich, während die Becken den Mix nicht mit Rauschen überlagern. Diese Klarheit sorgt dafür, dass die Drums auch nach über 20 Jahren noch so unmittelbar klingen.
Ein Konzept statt nur Riffs
Das Album funktioniert auch deshalb so gut, weil es eine Geschichte erzählt. Josh Homme verband die Songs durch fingierte Radioschnipsel zu einer fiktiven Fahrt von Los Angeles nach Joshua Tree. Das gibt der Platte eine Struktur, die über eine bloße Songsammlung hinausgeht. Die unterschiedlichen Gesangsstimmen von Homme, Nick Oliveri und Mark Lanegan sorgen zudem für Abwechslung. Dave Grohl passt sich diesen Stimmungen an, er spielt nicht stur durch, sondern reagiert auf die Atmosphäre des jeweiligen Songs.
No One Knows
Der bekannteste Song ist ohne Frage „No One Knows“. Das Stück wurde zum Riesenerfolg und ist für Drummer ein Paradebeispiel für gute Phrasierung. Eric Valentine erklärte einmal, dass Grohl auf der HiHat die Länge der Gitarrennoten exakt mitformt. Das ist das Geheimnis hinter diesem Groove: Er ist schwer, wirkt aber nie plump. Im Refrain bricht der Song aus, doch Grohl behält den Puls und die Kontrolle über die Dynamik. Wer wissen will, wie man ein Riff am Schlagzeug wirklich unterstützt, sollte sich diesen Track genau anhören. Das Hoghlight sind die tirolischen Fills, die bis heute jedem Drummer im Ohr geblieben sind.
First It Giveth
„First It Giveth“ zeigt eine andere Seite von Grohls Stil. Hier agiert er eher wie ein Arrangeur. Es geht nicht um Effekthascherei, sondern darum, den Song konstant anzuschieben. Die Toms wirken wie arbeitende Kolben, der Backbeat ist hart, und der Groove hat diesen typischen QOTSA-Drive, der immer leicht nach vorne drängt. Weil der Part nicht mit unnötigen Fills überladen ist, wird hier deutlich, warum Grohl so geschätzt wird: Er erzeugt Druck durch Entschlossenheit, nicht durch Komplexität.
Song for the Dead: Das ultimative Statement
Für viele Schlagzeuger ist „Song for the Dead“ das Highlight der Platte. Das Intro ist längst legendär. Grohl spielt hier nicht einfach nur schnell und laut; er baut mit den Toms und der Bassdrum eine Spannung auf, die sich im Verlauf des Songs entlädt. Das Geniale ist, dass dieser Part zwar spektakulär klingt, aber nie zum Selbstzweck verkommt. Alles treibt den Song voran. Selbst bei den schnellen Single-Strokes und wilden Fills bleibt das Timing unerschütterlich. Der Song gilt bis heute als Härtetest für Rockdrummer, weniger wegen der Geschwindigkeit, sondern wegen der Autorität, die in jedem Schlag steckt.
Disziplin als Erfolgsrezept
Das Besondere an Songs for the Deaf ist Grohls Disziplin. Er nimmt sich nie wichtiger als den Song. Man erkennt seinen Stil sofort an der Wucht, den offenen HiHats und den typischen Übergängen, aber jeder Schlag erfüllt eine Funktion. Das Album ist nicht gealtert, weil es auf zeitlose Produktion statt auf kurzlebige Effekte setzt. Die Aufnahmen klingen organisch und lebendig, während die Songs selbst stark genug sind, um dauerhaft zu bestehen. Hier haben die Queens of the Stone Age ihre endgültige Form gefunden.
Fazit: Queens of the Stone Age – Songs for the Deaf
In einer Liste der legendärsten Drummer-Alben darf diese Platte nicht fehlen. Nicht, weil Dave Grohl hier zeigt, wie viele Noten er spielen kann, sondern weil er zeigt, worauf es ankommt: Sound, Groove und Konsequenz. „Song for the Dead“ liefert eines der ikonischsten Intros der Rockgeschichte, „No One Knows“ zeigt, wie man einen Groove zum Hit macht, und das gesamte Album beweist, dass wahre Größe am Schlagzeug darin liegt, der Musik genau die Wucht zu geben, die sie verlangt.
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