18 Zoll: Schnell, kontrolliert, ideal für leise Bühnen und Jazz

Eine 18er Bassdrum reagiert sehr direkt. Der Ton ist definierter, der Bauch ist kleiner, dafür sitzt der Attack oft sofort. In Jazz, Akustik Pop, Singer Songwriter oder in sehr kleinen Clubs ist das goldrichtig, weil du nicht dauernd Energie aus dem Raum rausnehmen musst.

Meine Einschätzung:

Wenn du viel dynamisch spielst und der Bassdrum Sound eher atmen soll, ist 18 Zoll ein Traum. Für laute Rockbands fehlt mir hier oft das Körpergefühl im Bauch, außer die PA macht wirklich alles.

20 Zoll: Der unterschätzte Allrounder mit viel Praxisnutzen

20 Zoll ist für viele Setups die Größe, die ohne Stress funktioniert. Du bekommst mehr Tiefe als bei 18 Zoll, aber behältst die schnelle Ansprache. Gerade live ist das angenehm, weil du einen soliden Grundton hast, ohne dass die Bassdrum gleich den ganzen Raum dominiert.

Für welche Stile: Pop, Funk, Indie, Alternative, moderner Worship, Studiojobs, Coverbands.

Meine Einschätzung:

20 Zoll ist die Größe, bei der ich selten Probleme bekomme. Sie lässt sich fast immer gut mikrofonnieren und sitzt im Mix schnell an der richtigen Stelle.

22 Zoll: Der Standard für Rock, Pop und jede Bühne

22 Zoll ist nicht ohne Grund der Klassiker. Du bekommst ein ordentliches Fundament, genug Druck für laute Bands und trotzdem noch genug Kontrolle, um im Studio sauber zu arbeiten. Viele Drummer fühlen sich hier sofort zuhause, weil fast jedes Backline Set so aufgebaut ist.

Für welche Stile: Rock, Pop, Punk, Alternative, Blues, moderne Allround Jobs.

Meine Einschätzung:

Wenn du nicht genau weißt, was du brauchst, bist du mit 22 Zoll fast nie falsch. Sie verzeiht viel, besonders live. Du kannst sie offen und groß klingen lassen oder mit Dämpfung sehr kontrolliert machen.

24 Zoll: Groß und tief, aber nicht einfach

24 Zoll macht Spaß, weil der Ton groß wirkt und der Raum spürbar bewegt wird. Das kann in Rock, Stoner, Metal, Classic Rock oder großen Live Produktionen genau der Sound sein, den man erwartet. Gleichzeitig kann eine 24er im falschen Raum schnell zu viel werden, besonders ohne gute Kontrolle durch Stimmung und Dämpfung.

Für welche Stile: laute Gitarrenmusik, große Bühnen, Sound mit viel Low End.

Meine Einschätzung:

Ich liebe 24 Zoll, wenn die Band Platz im Frequenzbild lässt und der FOH weiß, was er tut. In engen Clubs oder bei sehr dichten Arrangements kann sie anstrengend werden. Dann kämpfst du eher um Definition.

26 Zoll: Nische mit Charakter

26 Zoll ist selten, aber in bestimmten Szenen legendär. Viel Fundament, viel Tiefe, viel Luft. Das fühlt sich riesig an und klingt auch so. Praktisch bedeutet es aber auch mehr Gewicht, mehr Transportaufwand und mehr Sensibilität bei der Mikrofonierung.

Meine Einschätzung: Wenn du genau diesen Vintage Bauch willst und die Bühne das hergibt, ist das eine tolle Ansage. Für Alltagsjobs ist es mir zu unflexibel.

Welche Größe ist die Allroundgröße für alles?

Wenn ich eine Größe nennen soll, die für fast alles geht, dann ist es 22 Zoll. Sie deckt die meisten Genres ab, ist überall kompatibel, funktioniert im Proberaum, im Studio und live. Du bekommst genug Tiefgang, aber kannst mit Fellwahl und Dämpfung stark steuern, wie modern, trocken oder offen sie wirkt.

Wenn du sehr viel leise spielst oder häufig ohne Mikrofon unterwegs bist, kann 20 Zoll die praktischere Allround Alternative sein. Sie lässt sich super kontrollieren und fühlt sich in kleinen Räumen oft besser an.

Drei schnelle Praxisregeln aus Drummer Sicht

Wenn du häufig ohne Mikro spielst

Nimm eher 20 oder 22 Zoll. Die setzen sich akustisch sinnvoll durch, ohne dass du ständig zu laut wirst.

Wenn du oft auf kleinen Bühnen stehst

20 Zoll ist häufig die entspanntere Wahl. Weniger Stress mit Raumresonanzen, schnelleres Fußgefühl, leichteres Stimmen.

Wenn du auf große Rock Sounds stehst

24 Zoll liefert das Gefühl sofort. Dann solltest du aber bereit sein, an Dämpfung, Fellen und Stimmung zu arbeiten, damit der Attack nicht untergeht.

Fazit: Welche Bassdrum Größe passt zu dir

Die Bassdrum Größe ist kein Statussymbol, sondern ein Werkzeug. 18 Zoll ist schnell und kontrolliert, 20 Zoll ist flexibel und sehr praxisnah, 22 Zoll ist der bewährte Standard und 24 Zoll ist groß und beeindruckend, aber nicht immer unkompliziert.

Meine klare Empfehlung für die meisten Drummer ist 22 Zoll als Allroundgröße. Wenn dein Alltag eher aus kleineren Bühnen, leiseren Bands und viel Dynamik besteht, würde ich ernsthaft 20 Zoll in Betracht ziehen. Am Ende zählt, dass sich dein Fuß wohlfühlt und der Sound im Bandmix ohne Kampf funktioniert.

Foto von Giuseppe Di Maria : https://www.pexels.com/de-de/foto/34577466/

Auch interessant:

Ratgeber: Welche Bassdrum Größe passt zu deinem Stil?

Die Bassdrum ist das Fundament deines Sets. Mit dem Durchmesser legst du fest, wie tief [...]

> WEITERLESEN

Warum das „Wurst-Mic“ deinem Drum-Sound mehr Charakter geben kann

Warum plötzlich alle vom Wurst-Mic sprechen Wer sich in den letzten Jahren etwas intensiver mit [...]

> WEITERLESEN

In-Ear Monitoring für Drummer: Drei Basic Set-Ups im Vergleich

Wer einmal ein wirklich gut funktionierendes In-Ear-Monitoring am Schlagzeug erlebt hat, will nur ungern wieder [...]

> WEITERLESEN

Schlagzeug spielen wie Anika Nilles? So meisterst du Quintolen am Drumset

©️ Foto: Meinl Cymbals  Quintolen sind für viele Drummer ein kleiner Knoten im Kopf. Man [...]

> WEITERLESEN

Ratgeber: Warum Dein Snaredrum Sound live NICHT funktioniert!

Eine Snare kann im Proberaum fantastisch klingen. Fett, knallig und voller Charakter. Auf der Bühne [...]

> WEITERLESEN

Diese fünf Drum Warm-Up Übungen RETTEN Dich vorm Gig

Du kennst das Szenario: Du kommst gerade vom Catering oder vom Imbisswagen vor der Tür, [...]

> WEITERLESEN

Welche Stickhaltung passt zu mir – Matched Grip vs. Traditonal Grip

Die Stickhaltung gehört zu den grundlegenden technischen Entscheidungen am Schlagzeug. Sie beeinflusst Bewegungsabläufe, Dynamik, Klangentwicklung [...]

> WEITERLESEN

Tutorial zum Toms stimmen: So klingen deine Toms fett

Fette, tiefe Toms sind selten ein Zufall. Meist sind es ein paar saubere Basics plus [...]

> WEITERLESEN

Die fünf besten Übungen zum Schlagzeug lernen – inklusive Gear-Tipps

Wer mit dem Schlagzeug lernen anfängt, will meist schnell Songs spielen. Verstehe ich. Trotzdem lohnt [...]

> WEITERLESEN

Drumfelle verstehen: Coated vs. Clear, einlagig vs. zweilagig

Wer sein Kit „modern“ oder „vintage“, offen oder kontrolliert, fett oder knallig klingen lassen will, [...]

> WEITERLESEN

Effektiv Schlagzeug üben, auch wenn du wenig Zeit hast

Viele von euch kennen das Gefühl, zu wenig Zeit für regelmäßiges Schlagzeug Üben zu haben. [...]

> WEITERLESEN

Moderner Drum-Sound: Mit diesen Tricks klingt dein Drumset wieder zeitgemäß

Ich kenne das: Im Proberaum klingt das Set eigentlich fett, aber sobald die Band loslegt, [...]

> WEITERLESEN

Deinen Groove auf das nächste Level heben: So meisterst du Ghost Notes!

Ghost Notes sind diese scheinbar „unsichtbaren“ Schläge, die man eher fühlt als hört. Und genau [...]

> WEITERLESEN

So setzt du den Groove an den Drums um: Radiohead – Let Down

Für Drummerinnen und Drummer ist der Titel Let Down von Radiohead nicht nur musikalisch interessant, [...]

> WEITERLESEN

Arctic Monkeys – When The Sun Goes Down auf dem Drumset spielen (mit Noten)

Matt Helders ist der Schlagzeuger der Arctic Monkeys, einer der einflussreichsten Rock und Indie Acts [...]

> WEITERLESEN

„Blink-182 – I Miss You“ am Drumset lernen: Was macht den Beat besonders? (Mit Noten)

Es gibt Songs, die einen sofort packen, nicht nur wegen der Melodie, sondern wegen des [...]

> WEITERLESEN

Coldplay – Fix You: Warum der Groove Songdienlichkeit perfekt verkörpert

„Fix You“ erschien im September 2005 als zweite Single aus Coldplays Album X&Y. Der Song [...]

> WEITERLESEN

Roland SPD-SX: Backingtracks und Click live abfeuern – so klappt’s!

Das Roland SPD-SX ist seit Jahren der Live-Standard für Backingtracks. Der Trick: Backing zum FOH, [...]

> WEITERLESEN

Mikkey Dee: Der ikonische Beat hinter Motörheads Sacrifice

Als Motörhead 1995 ihr Album Sacrifice veröffentlichten, stand das Schlagzeug erneut im Zentrum der Band: [...]

> WEITERLESEN

Drums mit Backing Tracks spielen: Von Low-Budget bis Profi-Setup

Immer mehr Bands setzen im Live-Kontext auf Drums mit Backing Tracks: zusätzliche Instrumente, Synthesizer-Spuren, Samples [...]

> WEITERLESEN

Kick vs. Click: Schlagzeug auf Click Spielen?

Wie das Metronom dein bester Freund (oder größter Feind) wird Kaum ein Tool wird unter [...]

> WEITERLESEN

Song 2: Ist der Drumbeat der eigentliche Star des Blur-Hits?

Wenn es um ikonische Drums in der Pop- und Rockwelt geht, denken viele zuerst an [...]

> WEITERLESEN

Wie „Owner of a Lonely Heart“ von YES mit einem revolutionären Groove zum Hit wurde

Als YES 1983 mit Owner of a Lonely Heart einen radikalen musikalischen Kurswechsel wagten, waren [...]

> WEITERLESEN

Travis Barker – Feeling This: Mehr als nur ein Pop-Punk-Beat

Pop-Punk? Ja. Standard-Groove? Nein. Wenn man an Travis Barker denkt, denkt man an Energie, Präzision [...]

> WEITERLESEN

Wie liest man Schlagzeug-Noten?

1. Das Schlagzeug-System – Noten ohne Tonhöhe Im Gegensatz zu Melodie-Instrumenten zeigt dir eine Drum-Notation [...]

> WEITERLESEN

Erster Gig am Drumset – So meisterst du dein erstes Live-Konzert

Erster Gig am Drumset steht vor der Tür – Hände schwitzig, Hirn voller Fragen: Hab [...]

> WEITERLESEN

Tutorial: Snare Drum richtig stimmen

D u willst deine Snare Drum richtig stimmen? Es gibt diesen Moment: Du setzt den [...]

> WEITERLESEN

Drum Live-Setup optimieren: So stellst du dein Drumkit für die Bühne perfekt auf

Der Moment, wenn die Lichter angehen und das Publikum aufhorcht – und dein Drumset nicht [...]

> WEITERLESEN

Elektronische Pads ins akustische Set integrieren: Hybrid-Drumming für Einsteiger

Hybrid Drumming für Einsteiger ist längst kein Nischenthema mehr – ob im Pop, Metal oder [...]

> WEITERLESEN

E-Drum-Aufbau für Einsteiger erklärt – So einfach war’s noch nie

Du hast dir dein erstes elektronisches Schlagzeug gekauft – und jetzt? Der Aufbau kann im [...]

> WEITERLESEN

Der Beitrag Ratgeber: Welche Bassdrum Größe passt zu deinem Stil? erschien zuerst auf Drums & Percussion.

Version 2.0 macht das Roland SPD-SX PRO noch attraktiver

Mit dem neuen 2.0-Upgrade erweitert Roland das ohnehin schon vielseitige Sampling Pad jetzt noch einmal deutlich. Besonders wichtig für bestehende SPD-SX Nutzer: Ab sofort lassen sich Backups aus dem SPD-SX direkt in das SPD-SX PRO importieren. Der Umstieg auf das aktuelle Modell wird damit deutlich einfacher und bereits aufgebaute Setups können schneller übernommen werden.

Darüber hinaus bringt Version 2.0 weitere praxisnahe Workflow-Verbesserungen. Neu sind unter anderem Timestretching für nahtlose Tempowechsel, eine kreative Mute-Steuerung für Tracks und externe Trigger sowie eine automatische BPM-Erkennung. Diese Funktionen erweitern die Einsatzmöglichkeiten im Live- und Studioalltag spürbar und machen das SPD-SX PRO zu einer noch flexibleren Performance-Zentrale.

HOL DIR DIE NEUE SPD-SX PRO SOFTWARE

Das neue Flaggschiff der SPD-Serie

Das Roland SPD-SX PRO richtet sich an Live-Drummer, Hybrid-Performer und kreative Musiker, die Samples, Loops und One-Shots zuverlässig und intuitiv in ihre Performance integrieren möchten. Als neues Topmodell der Serie bietet es zahlreiche Weiterentwicklungen, die direkt aus der Praxis stammen. Dazu zählen unter anderem individuell anpassbare Trigger-LEDs, mehr Audioausgänge und Triggereingänge, ein großer interner Speicher und eine nochmals optimierte Bedienoberfläche für den schnellen Zugriff im Bühnenalltag.

Neun Pads, präzise Sensorik und bessere Übersicht auf der Bühne

Im Zentrum des SPD-SX PRO stehen neun strapazierfähige Pads auf Basis der neuesten Roland Sensor-Technologie. Besonders die drei Schulter-Pads wurden mit weiterentwickelten Sensoren ausgestattet, um auch bei flacheren Montagewinkeln eine höhere Anschlagempfindlichkeit zu gewährleisten. Gleichzeitig reduziert ein verbesserter Schutz vor Übersprechen das versehentliche Auslösen benachbarter Pads – ein wichtiger Vorteil im intensiven Live-Einsatz.

Für zusätzliche Orientierung sorgen die Trigger-LEDs zwischen den Pads, die vor allem auf dunklen Bühnen ihre Stärken ausspielen. Horizontale und vertikale LEDs lassen sich individuell mit Farben belegen, um bestimmte Sounds oder Gruppen wie Kickdrums, Snares oder Backingtracks schneller zuzuordnen. Darüber hinaus können Farben umbenannt und mit Tags versehen werden. Auch die horizontale Beleuchtung lässt sich passend zur jeweiligen Performance konfigurieren.

Direktzugriff und moderne Bedienung für Live-Performer

Die Nutzeroberfläche des SPD-SX PRO ist klar auf den Bühneneinsatz ausgelegt. Ein 4,3 Zoll großes LC-Display bietet schnellen Zugriff auf Detailparameter und zentrale Live-Funktionen. Ergänzt wird es durch zahlreiche hintergrundbeleuchtete Hands-On-Bedienelemente, die auch in dunkler Umgebung sicher bedient werden können.

Zu den direkt zugänglichen Funktionen zählen unter anderem A/B-Layer, die Benennung von WAV-Samples, die Anzeige des Wiedergabefortschritts sowie weitere Performance-relevante Parameter. Damit wird das SPD-SX PRO nicht nur leistungsfähiger, sondern auch deutlich intuitiver im täglichen Einsatz.

Großer Speicher, viele Sounds und flexible Sample-Verwaltung

Mit 32 GB internem Speicher bietet das SPD-SX PRO Platz für rund 44 Stunden Stereo-Audio in 48 kHz / 16 Bit. Das schafft genügend Reserven für mehrere Shows, komplexe Setups und umfangreiche Sample-Bibliotheken. Unterstützt werden WAV-Dateien in 48/44,1 kHz, außerdem AIFF- und MP3-Dateien mit unterschiedlichen Bitraten. Alle Formate werden intern in das native 48 kHz / 16 Bit Audioformat umgewandelt, was den Importprozess spürbar vereinfacht.

Zusätzlich stehen 1.550 hochwertige Sounds und 200 User-Kits bereit, darunter 43 vorinstallierte Preset-Kits. Auch das direkte Sampeln über ein extern angeschlossenes Gerät mit Line-Pegel ist möglich. Dank der hohen Prozessorleistung lassen sich Kits wechseln, ohne dass laufende Sounds abrupt abgeschnitten werden. Wer sein Soundangebot weiter ausbauen möchte, erhält über eine Roland Cloud Mitgliedschaft Zugriff auf eine stetig wachsende Auswahl an zusätzlichen Sample-Bibliotheken und Sounds.

Mehr Klangkontrolle im Detail

Für die kreative Soundgestaltung bietet das SPD-SX PRO zahlreiche professionelle Werkzeuge. Anwender können A/B-Layer erstellen und Lautstärke, Tonhöhe sowie Transienten schnell über eigene Regler auf der Bedienoberfläche anpassen. Ergänzt wird das durch einen Waveform-Editor und weitere Bearbeitungswerkzeuge, mit denen sich Sounds gezielt verfeinern lassen.

Zur Klangfärbung einzelner Sounds und zur Optimierung des Gesamtsounds stehen außerdem mehrere hochwertige Effektprozessoren bereit. Damit eignet sich das SPD-SX PRO nicht nur zum Triggern von Samples, sondern auch als umfassendes Performance-Werkzeug für moderne Hybrid-Setups.

Umfangreiche Anschlüsse für komplexe Setups

Auch in puncto Konnektivität ist das SPD-SX PRO klar auf professionelle Anwendungen ausgerichtet. Das Sampling Pad verfügt über symmetrische Stereo-Masterausgänge, vier zuweisbare Monoausgänge sowie einen zuweisbaren Kopfhörerausgang. Dadurch lässt es sich flexibel in unterschiedlichste Bühnen- und Monitor-Setups integrieren.

Hinzu kommen vier Dual-Triggereingänge, über die sich bis zu acht externe Roland Pads anschließen lassen. Zudem können zwei Fußschalter für das Auslösen von Sounds eingebunden werden. Ein separater Steuereingang steht darüber hinaus für einen Roland Hi-Hat-Controller oder ein Expression-Pedal zur Echtzeitsteuerung von Effekten zur Verfügung.

App-Anbindung und DAW-Integration

Mit der SPD-SX PRO App aus der Roland Cloud können Anwender Sounds bequem per USB über Mac oder Windows importieren, bearbeiten und verwalten. Darüber hinaus lässt sich das SPD-SX PRO per USB direkt in eine DAW integrieren. So können MIDI-Daten sowie bis zu acht digitale Audiokanäle in hoher Auflösung übertragen werden. Das macht das Sampling Pad auch für Studio- und Produktionsumgebungen zu einer spannenden Lösung.

Auch interessant:

Roland SPD-SX PRO: Diese neuen Funktionen stecken im 2.0-Upgrade

Mit dem SPD-SX PRO hat Roland das Topmodell seiner erfolgreichen SPD-Serie auf den Markt gebracht [...]

> WEITERLESEN

E-Drum Sensation im Anmarsch: Fame DD-ONE Akoustic

Es gibt E-Drum-Sets, die klar nach Übungswerkzeug aussehen. Und es gibt Sets, die schon auf [...]

> WEITERLESEN

Neuer DW Showroom in London eröffnet

London – Drum Workshop (DW) baut seine Präsenz in Großbritannien deutlich aus und eröffnet erstmals [...]

> WEITERLESEN

afk -audio DRUMBEAM: Was kann der MIDI-Controller für Drums?

Elektronische Drumpads waren lange Zeit ein ziemlich klar definiertes Konzept: Feste Pad-Anordnung, starres Raster, dazu [...]

> WEITERLESEN

Drum-Trigger im Test: Roland RT-30HR vs. Yamaha DT50S

Drum-Trigger sind aus modernen Hybrid-Setups kaum noch wegzudenken. Sie ermöglichen es, akustische Schlagzeuge mit elektronischen [...]

> WEITERLESEN

Die Sensation auf der NAMM 2026: Ludwig veröffentlicht das Total Percussion Pad

Mit dem Total Percussion Pad (TPP) sorgt Ludwig auf der NAMM 2026 für eine echte [...]

> WEITERLESEN

NAMM 2026: Was erwartet uns beim neuen Pearl eRoadshow E-Drum Set?

Mit dem eRoadshow zeigt Pearl auf der NAMM 2026, wie ein zeitgemäßes Einsteiger-E-Drumset aussehen kann: [...]

> WEITERLESEN

Die Top 5 Neuerscheinungen 2025: Diese Drum-Highlights haben uns wirklich überzeugt

2025 war bisher ein starkes Jahr für die Drummer-Szene. Selten hatte ich das Gefühl, dass [...]

> WEITERLESEN

Meine Top 3 E-Drum Sets zu Weihnachten: Fame, Roland oder Yamaha?

In diesem Ratgeber möchte ich Euch meine Top 3 E-Drum-Sets präsentieren, mit denen Ihr dieses [...]

> WEITERLESEN

Roland V-Drums Workshop mit Steffi Sachsenmeier am 13.12.25 im Music Store

Am 13. Dezember 2025 erwartet Drum-Fans im Music Store Köln ein besonderes Highlight: Die renommierte [...]

> WEITERLESEN

Test: Roland V31 – Was können die neuen Roland V-Drums?

Heute habe ich meinen ausführlichen Test mit drei Soundbeispielen von meinen Kit-Favoriten zum neuen Roland [...]

> WEITERLESEN

Was kann das Aerodrums 2 und für wen ist es gemacht?

Air-Drumming gibt es nicht erst seit gestern, aber Aerodrums 2 hebt das Konzept technisch auf [...]

> WEITERLESEN

Test: Alesis Nitro Ultimate E-Drum Set

Das Alesis Nitro Ultimate hat mich ehrlich gesagt positiv überrascht. Klar, es bleibt ein Set [...]

> WEITERLESEN

Roland SPD-SX: Backingtracks und Click live abfeuern – so klappt’s!

Das Roland SPD-SX ist seit Jahren der Live-Standard für Backingtracks. Der Trick: Backing zum FOH, [...]

> WEITERLESEN

Roland V-Drums 5 Serie: Drei Kits, ein Herzstück

Roland bündelt seine aktuelle E-Drum-Technologie in der V-Drums 5 Serie mit einem gemeinsamen Herzstück, dem [...]

> WEITERLESEN

Die Roland V-Drums 3 Serie: Wie unterscheiden sich die neuen Roland E-Drums?

Roland bündelt seine aktuellen E-Drum-Technologien in der V-Drums 3 Serie mit einem gemeinsamen Herzstück, dem [...]

> WEITERLESEN

Ratgeber zum Einstieg: Was macht ein gutes elektronisches Schlagzeug aus?

Ein elektronisches Schlagzeug – kurz E-Drum – sieht auf den ersten Blick aus wie eine [...]

> WEITERLESEN

Test: Yamaha DTX6K5-M E-Drum Set

Preisbewusstes Mesh-Set mit starken Sounds und cleverem Modul Mit dem Yamaha DTX6K5-M E-Drum Set kommt [...]

> WEITERLESEN

E-Drum Sets für kleine Wohnungen: Platz sparen ohne Spielspaß zu verlieren

Wer in der Stadt lebt oder in den eigenen vier Wänden nicht zu viel Lärm [...]

> WEITERLESEN

E-Drums: Echte Hi-Hat oder reicht ein Fußtaster?

Echte Hi-Hat vs. Fußtaster: Auf den ersten Blick sehen viele E-Drumsets sehr ähnlich aus: Pads, [...]

> WEITERLESEN

Der Samplepad Vergleich: Fame Hybrid vs. Roland SPD-SX vs. Alesis Strike

Drei Samplepads – ein Ziel: maximale Kreativität für Drummer & Performer. Doch welches passt zu [...]

> WEITERLESEN

Test: Fame SPD Hybrid Wave Sample Pad

Samplepad, Hybrid-Drumstation, Bühnenzentrale zum kleinen Preis? Ja, bitte! Für Drummer sind Samplepads längst kein Geheimtipp [...]

> WEITERLESEN

Ein E-Drum Monster-Set? Fame Hybrid Pro XT Monster Bundle

Na klar – wenn schon, denn schon! Während akustische Drumsets auf der Bühne oft die [...]

> WEITERLESEN

Test: Roland MN-10 Mood Pan – Digitale Handpan für Alle

Was aussieht wie ein UFO, klingt wie Meditation auf Knopfdruck Mit der MN-10 Mood Pan [...]

> WEITERLESEN

Elektronische Pads ins akustische Set integrieren: Hybrid-Drumming für Einsteiger

Hybrid Drumming für Einsteiger ist längst kein Nischenthema mehr – ob im Pop, Metal oder [...]

> WEITERLESEN

Roland 4CY-4WT-01 DrumLink Cymbal Pack für DWe Drumsets

Roland 4CY-4WT-01 DrumLink Cymbal Pack für DWe Drumsets Mit dem 4CY-4WT-01 DrumLink Cymbal Pack präsentiert [...]

> WEITERLESEN

Roland WT-10 Wireless Trigger Adapter: Kabellose Trigger

Wireless Trigger Adapter – Kabellose Trigger für V-Drums und DWe Moderne E-Drums leben von Flexibilität [...]

> WEITERLESEN

Roland DH-10 DrumLink Hub – Drahtloses Triggern

Revolution am Drumrack: Der Roland DH-10 DrumLink Hub bringt die Freiheit kabelloser Trigger-Verbindungen für V-Drums [...]

> WEITERLESEN

Fame MJ Add-On Pack Part 2 für Hybrid Pro & Hybrid Pro XT!

Gute Nachrichten für alle User des Fame Hybrid Pro und Hybrid Pro XT: Ab sofort [...]

> WEITERLESEN

Der Beitrag Roland SPD-SX PRO: Diese neuen Funktionen stecken im 2.0-Upgrade erschien zuerst auf Drums & Percussion.

Wir waren vor kurzer Zeit in Bad Berleburg vor Ort, und Produktmanager Jannis hat uns den kompletten Produktionsprozess gezeigt: MOMENTUM ist nicht einfach ein neues Set. Diese Serie vereint die besten Features aller in Deutschland gefertigten SONOR-Schlagzeuge und verbindet die beliebteste SONOR Kesselkonstruktion mit unterschiedlichen Kesselmaterialien, smarten Hardware-Features und Oberflächen, die sowohl modern als auch zeitlos wirken. Basierend auf 150 Jahren Erfahrung, aber entwickelt mit Blick auf die Anforderungen des heutigen Marktes, soll MOMENTUM den Grundstein für das nächste Kapitel in SONORs Serienfertigung „Made in Germany“ legen.

Mit dabei war das Filmteam von Sticks & Tricks. Moderator Lukas und Jannis gehen im Video jeden Schritt der Fertigung durch, vom Furnierlager bis zur Qualitätskontrolle.

Überblick: Was die SONOR MOMENTUM Serie ausmacht

Im Zentrum stehen die Kessel: MOMENTUM ist in Ahorn, Birke oder Buche erhältlich und setzt konsequent auf SONORs meist nachgefragte 9-lagige (6 mm) Kesselkonstruktion, die bei allen Trommeln zum Einsatz kommt. Diese Einheitlichkeit ist kein Detail, sondern Programm: klare Serie, klarer Standard, verlässlich reproduzierbar.

Dazu kommen vier Oberflächen, die bewusst den Spagat aus Wiedererkennung und frischer Inspiration schaffen:

• Red Pearl (Delmar-Folie)
• Satin Pure White (matte Lackierung)
• GT Black (matte Lackierung)
• California Burl (seidenmattes Furnier)

Gerade California Burl ist hier der Blickfang, ein völlig neues Furnier, das mit MOMENTUM sein Debüt feiert und exklusiv in dieser Serie auf den Markt kommt. Je nach Holzart ist MOMENTUM außerdem in elegant seidenmattem Furnier, zwei edlen Mattlackierungen oder einer hochwertigen Delmar-Folierung erhältlich, entwickelt, um optischen und akustischen Ansprüchen gleichermaßen gerecht zu werden.

Auch bei der Hardware zieht SONOR die stärksten Karten aus dem eigenen Portfolio: MOMENTUM kombiniert bewährte Innovationen wie die renommierte T.A.R. Tom-Aufhängung (bekannt aus der ProLite Serie) und die fortschrittlichen Sound Sustainer an den Floor Toms (bekannt aus der SQ1 Serie).

So wird MOMENTUM gebaut – die Produktion in Bad Berleburg (Kapitel aus dem Video)

Das Furnierlager: Die Basis für den Sound

Schon am Anfang wird deutlich, wie sehr MOMENTUM auf Konsistenz setzt. Im Furnierlager geht es nicht nur um Material, sondern um die Grundlage dessen, was später als Klangcharakter wahrgenommen wird. Jannis erklärt, warum Auswahl und Kontrolle der Furniere so entscheidend sind, gerade wenn eine Serie wie MOMENTUM mit unterschiedlichen Hölzern (Ahorn, Birke, Buche) arbeitet, aber dennoch eine klare, wiedererkennbare Handschrift behalten soll.

Kesselfertigung: Zuschneiden & „Ausbacken“

Hier wird aus Holz wirklich ein Kessel: Zuschnitt, Aufbau, Formgebung – nd dann das „Ausbacken“, das Stabilität und Formtreue absichert. Dass MOMENTUM auf die 9-lagige (6 mm) Konstruktion setzt, ist in diesem Abschnitt nicht bloß eine technische Angabe: Man spürt, dass diese Konstruktion bewusst gewählt wurde, weil sie SONORs meist nachgefragter Standard ist und damit perfekt zu einer Serie passt, die die besten Features aus dem deutschen SONOR-Programm bündeln soll.

Feinschliff und die perfekte Kesselgratung

Als Drummer weiß man: Gratungen sind der Punkt, an dem ein Kessel anfängt zu sprechen. Im Werk wird das nicht romantisiert, sondern präzise gelebt. Der Feinschliff und die Kesselgratung sind bei MOMENTUM der Schlüssel dafür, dass die Trommeln in der Praxis gut stimmen, sauber ansprechen und in unterschiedlichen Situationen funktionieren, genau das, was man von einer modernen Made-in-Germany-Serie erwartet, die mit Blick auf heutige Marktanforderungen entwickelt wurde.

Die Lackiererei: Satin Matt vs. High Gloss

In der Lackiererei wird MOMENTUM visuell greifbar und gleichzeitig wird klar, dass Oberfläche bei SONOR nie nur Look ist. MOMENTUM bietet seidenmattes Furnier, Mattlackierungen und Delmar-Folienoberflächen, bewusst als Mix aus frischer Inspiration und zeitlosen Optionen. Lukas und Jannis machen im Video den Unterschied zwischen Satin und Gloss anschaulich, während man parallel versteht: Die Serie will optisch breit aufgestellt sein, ohne beliebig zu werden. Die vier Finishes – Red Pearl, Satin Pure White, GT Black und das exklusive California Burl – stehen genau für diese Balance.

CNC-Präzision: Bohrungen & Badge-Montage

Jetzt kommt der Moment, in dem Serienfertigung ihre Stärke zeigen muss: Bohrungen, Passungen, Ausrichtung, alles, was später über saubere Montage, Hardware-Sitz und Langlebigkeit entscheidet. In diesem Abschnitt wird deutlich, wie MOMENTUM als Zukunftsschritt gedacht ist: Tradition im Material und Handwerk. Fortschritt in Präzision und Prozesssicherheit.

Endmontage: Wenn Holz auf Metall trifft

In der Endmontage wird der MOMENTUM-Gedanke am praktischsten: Hier treffen Kessel und Hardware aufeinander und genau hier zahlen die gewählten Features ein. Dass MOMENTUM etwa die T.A.R. Tom-Aufhängung aus ProLite übernimmt, ist in der Montage sofort plausibel: Es geht um stabile, musikalische Aufhängung und um das, was Drummer im Alltag wirklich merken. Dazu kommen die Sound Sustainer an den Floor Toms (aus der SQ1-Welt bekannt), die zeigen: MOMENTUM ist keine abgespeckte Serie, sondern eine bewusste Bündelung der besten Lösungen.

Qualitätskontrolle: 3.800 Einzelteile im Blick

Zum Schluss wird es beeindruckend und sehr SONOR: Qualitätskontrolle mit dem Blick auf 3.800 Einzelteile. Diese Zahl wirkt erst einmal fast absurd, bis man vor Ort realisiert, wie viele Schnittstellen ein Drumset tatsächlich hat. Für MOMENTUM ist dieser Schritt der entscheidende: Sonor Mitarbeiter Sebastian hat uns zudem erklärt, wie er die Produkte vor Ort prüft.

Fazit: MOMENTUM

Nach dem Rundgang bleibt ein Eindruck: Die MOMENTUM Serie ist nicht einfach neu, weil sie einen neuen Namen trägt. Sie ist neu, weil Sonor hier sichtbar versucht, Prozess und Produkt eng zu verzahnen, dass am Ende ein Drumset entsteht, das uns alle nachhaltig beenidruckt hat. 

Der Beitrag Zu Besuch bei Sonor: So wird die neue Sonor MOMENTUM Serie gebaut (Mit Video) erschien zuerst auf Drums & Percussion.

Die Cajon (spanisch für „Kiste“) ist ein Perkussionsinstrument, das auf den ersten Blick unscheinbar wirkt: eine einfache Holzkiste, auf der man sitzt und spielt. Doch hinter dieser scheinbaren Einfachheit verbirgt sich eines der vielseitigsten Rhythmusinstrumente der modernen Musik. Gespielt wird die Cajon mit den Händen, indem die Frontplatte, die sogenannte Schlagfläche, an verschiedenen Stellen angeschlagen wird. So lassen sich sowohl tiefe Bassklänge als auch snare-ähnliche, knackige Sounds erzeugen. Genau diese Kombination macht sie, besonders in akustischen Settings, zu einer beliebten Alternative zum Schlagzeug.

Herkunft und Entstehung des Cajons

Die Ursprünge der Cajon liegen in Peru und reichen bis in die Kolonialzeit zurück. Dort entwickelten afrikanische Sklaven das Instrument aus einer Notsituation heraus: Ihnen war das Spielen traditioneller Trommeln verboten. Um dennoch musizieren zu können, begannen sie auf einfachen Transportkisten aus Holz für Fisch, Früchte und Bananen zu trommeln. Diese improvisierten Rhythmuswerkzeuge entwickelten sich mit der Zeit zu einem eigenständigen Instrument. Die Cajon ist damit ein eindrucksvolles Beispiel dafür, wie Kreativität und kultureller Ausdruck selbst unter schwierigen Bedingungen weiterleben können.

Wie sah die erste Cajon aus?

Die ersten Cajones waren denkbar schlicht und eher aus der Not heraus geboren: einfache, oft grob zusammengezimmerte Transportkisten, die keinerlei spezielle Klangtechnik besaßen. Weder gab es ein Snare-System noch wurden gezielt ausgewählte oder abgestimmte Hölzer verwendet. Der Klang entstand ausschließlich durch die natürliche Resonanz des hohlen Korpus. Entsprechend präsentierte sich der Sound trocken, holzig und sehr direkt. Genau dieser ursprüngliche Charakter wird bis heute geschätzt und findet sich vor allem in traditionellen peruanischen Cajones wieder.

Vom Straßeninstrument zur Weltkarriere

Den Sprung auf die internationalen Bühnen schaffte die Cajon erst in den 1970er Jahren. Eine entscheidende Rolle spielte dabei der Flamenco-Gitarrist Paco de Lucía, der das Instrument in sein Ensemble integrierte und damit in Europa populär machte. In der Folge wurde die Cajon weiterentwickelt, verbessert und industriell gefertigt. Besonders spanische Instrumentenbauer und Percussionisten trugen dazu bei, die Cajon „markttauglich“ zu machen – etwa durch die Integration von Snare-Mechaniken im Inneren. Heute ist sie aus Genres wie Pop, Rock, Unplugged, Singer-Songwriter oder Flamenco kaum noch wegzudenken.

Was macht eine Cajon aus?

Typische Merkmale einer Cajon sind:

• Holzkorpus (Resonanzkörper)
• Schlagfläche (Tapa) – meist dünneres Holz für sensible Ansprache
• Schallloch auf der Rückseite
• optional: Snare-Mechanik für den typischen „Teppich“-Sound

Durch unterschiedliche Anschlagtechniken kann ein Spieler ein komplettes Schlagzeug imitieren: Bassdrum, Snare und sogar Hi-Hat-ähnliche Sounds.

Die drei bekanntesten Bauweisen

1. Peruanische Cajon

2. Flamenco-Cajon (mit Snare)

3. Moderne Hybrid- und Spezial-Cajons

Empfehlung für Einsteiger: Fame Cajon „Black Birch“

Für alle, die in die Welt der Cajon einsteigen möchten, ist die Fame Black Birch Cajon eine besonders interessante Wahl.

Kurzinfos:

• Korpus aus Birkenholz für einen ausgewogenen Klang
• integriertes Snare-System für vielseitige Sounds
• moderne Bauweise mit klarer Bass- und Snare-Trennung
• geeignet für Anfänger und Fortgeschrittene

Die Cajon überzeugt vor allem durch ihr gutes Preis-Leistungs-Verhältnis und ihre Vielseitigkeit. Sie bietet sowohl satte Bassfrequenzen als auch knackige Snare-Sounds – ideal für Akustik-Sessions, kleine Gigs oder den Einstieg ins Percussion-Spiel.

Fazit

Die Cajon ist weit mehr als nur eine Holzkiste: Sie ist ein Instrument mit bewegender Geschichte, großer Ausdruckskraft und erstaunlicher Vielseitigkeit. Vom improvisierten Rhythmuswerkzeug bis hin zum festen Bestandteil moderner Musik. Die Cajon hat einen einzigartigen Weg zurückgelegt. Gerade für Einsteiger bietet sie einen unkomplizierten Zugang zur Welt der Rhythmik.

Foto: https://www.schlagwerk.com/de/produkte/

Der Beitrag Was sind eigentlich? – Cajons erschien zuerst auf Drums & Percussion.

So eindeutig ist die Sache jedoch nicht. Moongel kann ein nützliches Werkzeug sein, ist aber keine Pflicht und schon gar keine universelle Lösung. Ob Dämpfung sinnvoll ist, hängt immer vom Instrument, von der Stimmung, vom Raum und vom musikalischen Kontext ab. Wer zu früh zum Gel greift, behandelt oft nur ein Symptom und nicht die eigentliche Ursache.

Woher der Mythos kommt

Der Mythos hat einen einfachen Grund. Moongel wirkt sofort. Ein Pad auf das Fell, und schon wird der Ton kürzer, Obertöne werden reduziert und das Spielgefühl verändert sich hörbar. Gerade bei der Snare oder bei hoch gestimmten Toms ist dieser Effekt deutlich. Das macht Moongel im Alltag praktisch und beliebt.

Hinzu kommt, dass viele Drummer kontrollierte, kurze und aufgeräumte Sounds aus Produktionen kennen. Im Studio entsteht dieser Eindruck jedoch nicht nur durch Dämpfung am Instrument, sondern auch durch Mikrofonierung, Bearbeitung, Raumakustik und Mischung. Wer diesen Sound allein mit einem Gel-Pad nachbilden will, greift oft zu kurz.

Auch im Live-Betrieb hat sich Moongel etabliert, weil es schnell auf wechselnde Bedingungen reagiert. Das hat dazu geführt, dass viele Drummer es nicht mehr als Option, sondern als Standard betrachten. Genau hier beginnt der Mythos.

Was Moongel eigentlich macht

Moongel verändert die Schwingung des Fells. Das Pad nimmt dem Fell einen Teil seiner freien Bewegung, wodurch Sustain und Obertöne reduziert werden. Je nach Position und Menge fällt dieser Effekt stärker oder schwächer aus.

Das ist zunächst weder richtig noch falsch. Dämpfung ist ein Eingriff in den Klang, und jeder Eingriff hat einen Zweck. Ein offener, lang ausklingender Tom-Sound kann musikalisch genauso passend sein wie eine kurze, trockene Snare. Moongel ist deshalb kein Qualitätsmerkmal, sondern ein Werkzeug zur Klangformung.

Wichtig ist außerdem, dass Moongel nicht zwischen guten und schlechten Obertönen unterscheidet. Es reduziert ganz allgemein Resonanzanteile. Das kann hilfreich sein, kann aber auch Lebendigkeit und Projektion kosten, wenn das Instrument eigentlich gut gestimmt ist.

Warum Moongel nicht immer die richtige Lösung ist

In vielen Fällen liegt das eigentliche Problem nicht an zu viel Sustain, sondern an der Stimmung. Eine unsaubere Fellspannung, ein schlecht abgestimmtes Resonanzfell oder ein unausgewogenes Verhältnis zwischen Schlag und Resonanzfell erzeugen oft den Eindruck, dass ein Kessel unangenehm klingt. Dann wird gedämpft, obwohl zuerst sauber gestimmt werden müsste. Auch der Raum spielt eine große Rolle. Was direkt am Set schrill oder lang wirkt, kann vor dem Instrument ausgewogen klingen. Umgekehrt kann ein kleiner, harter Raum bestimmte Frequenzen unangenehm betonen. In solchen Fällen reagiert man schnell mit Moongel, obwohl die Ursache im Raum liegt und nicht am Drumset.

Ein weiterer Punkt ist die Dynamik. Zu viel Dämpfung nimmt einem Instrument oft Ansprache und Offenheit. Besonders bei leiserem Spiel kann eine stark gedämpfte Trommel schnell flach wirken. Der Sound wird kürzer, aber nicht automatisch besser.

Wann Moongel sinnvoll ist

Trotzdem gibt es viele Situationen, in denen Moongel sinnvoll eingesetzt werden kann. Im Studio kann es helfen, den Ausklang einer Trommel gezielt zu kontrollieren und störende Resonanzen im Mikrofonbild zu reduzieren. Live kann es nützlich sein, wenn ein Raum problematische Frequenzen verstärkt oder wenn ein sehr offener Trommelsound im Bandkontext zu viel Platz einnimmt. Auch bei bestimmten Stilistiken ist ein trockenerer Sound ausdrücklich gewünscht. Kurze Snares, kompakte Toms oder stark kontrollierte Backbeats sind kein Fehler, sondern Teil einer ästhetischen Entscheidung. In solchen Fällen kann Moongel schnell und effektiv zum Ziel führen.

Entscheidend ist die Dosierung. Oft reicht bereits ein kleines Stück in einer unauffälligen Position am Fellrand. Mehr Dämpfung ist nicht automatisch besser. Wer gezielt arbeitet, erhält Kontrolle, ohne dem Instrument seinen Charakter zu nehmen.

Typische Fehler im Umgang mit Moongel

Ein häufiger Fehler besteht darin, sofort zu dämpfen, ohne das Instrument vorher sauber zu stimmen. Damit wird das Ohr daran gewöhnt, Probleme zu überdecken statt sie zu lösen. Gerade für die eigene Entwicklung ist das ungünstig, weil ein wichtiger Teil der Klangkontrolle verloren geht. Ebenso problematisch ist der reflexhafte Einsatz auf jeder Trommel. Nicht jede Snare braucht Dämpfung, nicht jedes Tom muss kürzer gemacht werden. Manche Sets klingen offen einfach besser und tragen gerade deshalb im Raum oder in der Band.

Ein weiterer Fehler ist zu starke Dämpfung. Mehrere Pads oder große Gel-Flächen nehmen dem Fell oft so viel Bewegung, dass nur noch ein kurzer, lebloser Ton übrig bleibt. Das kann im Einzelfall funktionieren, sollte aber eine bewusste Entscheidung sein und keine Gewohnheit.

Was vor Moongel kommen sollte

Bevor gedämpft wird, lohnt sich ein Blick auf die Grundlagen. An erster Stelle steht die Stimmung. Sind Schlag und Resonanzfell sauber aufeinander abgestimmt, löst sich ein großer Teil vermeintlicher Klangprobleme oft bereits von selbst. Ebenso wichtig ist die Fellwahl. Einlagige Felle reagieren offener und resonanter, mehrlagige Felle oft kontrollierter. Wer dauerhaft einen kurzen, kompakten Sound sucht, ist mit einem anderen Fell unter Umständen besser bedient als mit zusätzlicher Dämpfung.

Auch die Spielweise beeinflusst den Klang stärker, als oft angenommen wird. Anschlagpunkt, Stockhöhe und Dynamik verändern Obertöne, Attack und Sustain. Ein kontrollierter Sound beginnt also nicht erst beim Zubehör, sondern bereits in den Händen des Drummers.

Praxis-Tipps

Wer mit Moongel arbeitet, sollte schrittweise vorgehen. Erst stimmen, dann hören, dann gezielt dämpfen. Am besten beginnt man mit einem kleinen Pad und verändert dessen Position, statt sofort mehrere Stücke auf das Fell zu legen. Hilfreich ist auch, den Sound aus etwas Entfernung zu beurteilen oder das Set aufzunehmen. Direkt am Instrument wirken Obertöne oft stärker, als sie im Raum tatsächlich sind. Eine kurze Aufnahme liefert meist ein realistischeres Bild.

Sinnvoll ist es außerdem, den Sound im musikalischen Zusammenhang zu prüfen. Eine Snare, die solo sehr offen erscheint, kann sich in der Band perfekt einfügen. Umgekehrt kann ein stark gedämpfter Sound allein angenehm wirken, im Mix aber zu klein und kraftlos erscheinen.

Fazit

Moongel ist kein Pflichtzubehör, sondern ein Werkzeug. Es kann helfen, den Klang schnell und gezielt zu kontrollieren, ersetzt aber weder gutes Stimmen noch ein Verständnis für Raum, Fellwahl und Spielweise. Wer bei jedem Soundproblem sofort zum Gel greift, verkürzt den Blick auf das Instrument. Der bessere Ansatz ist einfach: erst die Ursache prüfen, dann die passende Lösung wählen. Manchmal ist Moongel genau richtig. Manchmal reicht sauberes Tuning. Und manchmal klingt eine Trommel gerade dann am besten, wenn sie offen bleiben darf.

Auch interessant:

Drummer-Mythen: „Das Metronom macht dich unmusikalisch“

Kaum ein Satz taucht unter Drummern so zuverlässig auf wie dieser: „Wenn du zu viel [...]

> WEITERLESEN

Bassdrum-Patches von Fame im Test: Was taugt die günstige Alternative?

Bassdrum-Patches sind so ein typisches „kleines Teil mit großer Wirkung“. Sie schützen das Fell an [...]

> WEITERLESEN

Remo Encore vs. USA: Das Pinstripe im Direktvergleich

Die Pinstripe-Serie gehört seit Jahrzehnten zu den Klassikern unter den Tomfellen. Der Grund ist einfach: [...]

> WEITERLESEN

Der Beitrag Drummer-Mythen: Moongel ist Pflicht erschien zuerst auf Drums & Percussion.

Gerade im mittleren Preisbereich ist das spannend, weil viele E-Drums entweder beim Look oder bei der Ausstattung Kompromisse machen. Hier wirkt es so, als wolle Fame ziemlich viele Wünsche auf einmal erfüllen. Nach allem, was bisher bekannt ist, könnte das DD-ONE Akoustic eines der interessantesten neuen E-Drum-Sets für Drummer werden, die ein „richtiges“ Set-Gefühl wollen, aber auf die Vorteile moderner Elektronik nicht verzichten möchten.

Akustischer Look, modernes Konzept

Der erste große Pluspunkt ist die klare Ausrichtung auf ein akustisches Erscheinungsbild. Das DD-ONE Akoustic will nicht wie ein typisches Kompakt-E-Drum wirken, sondern wie ein vollwertiges Drumset mit moderner Technik im Inneren. Das ist nicht nur eine optische Frage. Viele Drummer spielen automatisch anders, wenn das Set vor ihnen eher nach echtem Kit aussieht und sich auch so anfühlt.

Dazu passen die Mesh-Felle auf allen Trommelpads, die ein natürliches Rebound-Verhalten liefern und dynamisch fein auflösen sollen. Gerade wer von akustischen Drums kommt, weiß, wie wichtig das ist. Ein E-Drum kann noch so viele Sounds haben, wenn sich das Spielgefühl nicht richtig anfühlt, nutzt man das System auf Dauer oft nicht aus. Genau deshalb finde ich den Grundgedanken des DD-ONE Akoustic sehr gelungen.

Spielgefühl

Besonders spannend ist die Ausstattung im Detail. Die Snare mit Positionserkennung ist ein echtes Highlight, weil sie den Klang abhängig vom Anschlagspunkt verändert. Das ist für mich einer der Punkte, an denen ein E-Drum-Set plötzlich erwachsener wirkt. Es geht dann nicht mehr nur darum, dass ein Schlag „ausgelöst“ wird, sondern dass sich Spielweise und Sound tatsächlich beeinflussen.

Auch das restliche Pad-Setup liest sich sehr sinnvoll. 2-Zonen-Toms, 2-Zonen-Crashes mit Choke-Funktion, ein 3-Zonen-Ride und vor allem eine echte HiHat mit separatem Ständer und Pedal-Positionserkennung sind genau die Features, die im Alltag zählen. Denn spätestens bei HiHat und Ride trennt sich oft Übungsgerät von Instrument. Wenn eine HiHat sauber auf Öffnungsgrade reagiert und ein Ride Bell, Bow und Edge überzeugend umsetzt, fühlt sich das ganze Set deutlich echter an.

PURE DRUM 2.0

Natürlich springen bei den Specs zuerst die 1.576 Sounds und 142 Kits ins Auge. Solche Zahlen lesen sich immer gut, sind aber nur dann wirklich relevant, wenn die Grundqualität stimmt und die Bearbeitung sinnvoll umgesetzt ist. Genau hier macht das DD-ONE Akoustic einen interessanten Eindruck, weil es nicht nur viele Sounds bietet, sondern offenbar auch tief in die Editierung geht.

Mit der PURE DRUM 2.0 Soundengine lassen sich Parameter wie Pitch, Decay, Resonanz, Snare-Buzz, Cymbal-Sustain oder Größe detailliert anpassen. Das gefällt mir, weil man dadurch nicht auf starre Werkssounds reduziert bleibt. Wer sein Set wirklich an den eigenen Stil anpassen will, bekommt hier offenbar genug Spielraum.

Dazu kommt die Möglichkeit, eigene WAV-Samples per SD-Karte zu laden und mit internen Sounds zu layern. Genau das ist heute für viele Drummer enorm wichtig, weil sich Akustik- und E-Drum-Welt immer stärker vermischen. Wer eigene Snare-Layer, elektronische Kicks oder One-Shots einbauen will, bekommt hier ein Werkzeug, das über klassisches E-Drum-Denken hinausgeht.

Effekte, Outputs und Konnektivität

Was das DD-ONE Akoustic für mich besonders attraktiv macht, ist der Blick über das reine Spielgefühl hinaus. Das Modul bietet 13 Insert-Effekte, Kit-EQ, Kit-Kompressor und damit genug Werkzeuge, um Sounds nicht nur auszuwählen, sondern aktiv zu formen. Gerade für Recording, Hybrid-Setups oder Live-Anwendungen ist das ein echter Vorteil.

Sehr stark finde ich auch die acht Einzelausgänge. Das ist ein Feature, das man in dieser Klasse nicht immer selbstverständlich bekommt und das das Set sofort interessanter für Bühne und Studio macht. Wer Kick, Snare, Toms oder elektronische Layer getrennt ausspielen will, hat damit deutlich mehr Möglichkeiten im Mix.

Auch die restliche Konnektivität wirkt sehr zeitgemäß. USB Audio, USB-MIDI, Bluetooth Audio und Bluetooth MIDI sprechen klar dafür, dass das Set nicht nur als Standalone-Instrument gedacht ist, sondern sich problemlos in moderne Produktions- und Übeumgebungen einfügen soll. Dazu kommen Recording-Funktionen, Coach-Modus, Song-Features und Metronom mit Tap-Tempo. Das ist sinnvoll, weil ein E-Drum heute eben oft gleichzeitig Instrument, Übezentrum und Interface ist.

Für wen ist das Fame DD-ONE Akoustic interessant?

Aus meiner Sicht richtet sich das Set an mehrere Zielgruppen gleichzeitig. Anfänger bekommen ein E-Drum mit akustischem Look, großem Funktionsumfang und guten Lernhilfen. Fortgeschrittene und Umsteiger von akustischen Drums dürften vor allem das authentischere Setup, die echte HiHat und die Mehrzonen-Pads schätzen. Und für Drummer, die zu Hause üben, aber im Studio oder auf der Bühne mehr wollen als nur Standard-Kits, ist die Kombination aus Einzelausgängen, Sample-Import und Effekten besonders reizvoll.

Genau diese Breite finde ich an dem Konzept so überzeugend. Das DD-ONE Akoustic wirkt nicht wie ein reines Anfänger-Produkt, sondern wie ein Set, das auch dann noch Spaß machen kann, wenn man schon länger spielt und klare Ansprüche an Feeling und Sound hat.

Mein Eindruck

Ich finde, Fame trifft mit dem DD-ONE Akoustic einen sehr zeitgemäßen Nerv. Viele Drummer wollen heute ein E-Drum, das nicht nur leise ist, sondern sich ernsthaft nach Instrument anfühlt. Die Kombination aus akustischem Design, echter Hi-Hat, Snare-Positionserkennung, vielen editierbaren Sounds und starker Konnektivität wirkt auf mich durchdacht und musikalisch. Gerade die Möglichkeit, interne Sounds mit eigenen Samples zu kombinieren, macht das Set für mich besonders spannend.

Wenn die Umsetzung in der Praxis hält, was die Ausstattung verspricht, dann könnte hier im Frühsommer wirklich ein sehr attraktives E-Drum-Set aufschlagen. Nicht als Spielerei, sondern als ernstzunehmende Lösung für Drummer, die modernes E-Drumming mit echtem Set-Gefühl verbinden wollen.

Fazit

Das Fame DD-ONE Akoustic macht schon auf dem Papier vieles richtig. Akustische Optik, Mesh-Felle, echte Hi-Hat, Mehrzonen-Pads, starke Soundengine, Sample-Import, acht Einzelausgänge und moderne Anschlussvielfalt ergeben zusammen ein E-Drum-Set, das deutlich über das hinausgeht, was man von vielen klassischen Einsteigerlösungen kennt.

Für mich ist genau das der spannende Punkt: Das Set will nicht nur Schlagzeug simulieren, sondern ein musikalisch ernstzunehmendes Werkzeug sein. Und das ist in dieser Form definitiv einen genaueren Blick wert, sobald das DD-ONE Akoustic im Frühsommer verfügbar ist

Der Beitrag E-Drum Sensation im Anmarsch: Fame DD-ONE Akoustic erschien zuerst auf Drums & Percussion.

Die Renown Maple Serie steht seit Jahren für genau diesen Spagat. Einerseits bekommt man den typischen Gretsch-Charakter mit warmem Grundton, klarer Ansprache und musikalischem Sustain, andererseits ist die Serie modern genug aufgestellt, um im Proberaum, im Studio und live ohne Umwege zu funktionieren. Die Special Edition in Turquoise Sparkle setzt diesem Konzept jetzt noch eine sehr starke optische Klammer auf.

Was die Serie besonders macht

Das Besondere an der Renown Maple Reihe ist für mich schon immer gewesen, dass sie nicht versucht, künstlich Vintage oder maximal modern zu sein. Sie liegt genau dazwischen. Der Ahornkessel liefert einen ausgewogenen, offenen Sound mit genug Tiefe und Druck, ohne dabei träge zu wirken. Das macht die Serie für viele Stilistiken interessant, von Pop und Rock bis hin zu Funk, Indie und modernerem Mainstream.

Bei dieser limitierten Special Edition kommt dazu, dass das Turquoise Sparkle Finish nicht einfach nur „eine neue Farbe“ ist, sondern dem Set einen ziemlich eigenständigen Charakter gibt. Gerade unter Licht wirkt das Finish lebendig und hochwertig. Es ist eines dieser Sets, das auf Fotos schon gut aussieht, live aber vermutlich noch einmal deutlich stärker rüberkommt.

Zwei Konfigurationen, zwei klare Einsatzbereiche

Gretsch bietet die Sonderedition in zwei Konfigurationen an, und genau das macht die Serie auch praktisch interessant.

Die erste Variante mit 12″x8″ Tom, 14″x14″ Floor Tom, 16″x16″ Floor Tom und 22″x18″ Bassdrum ist für mich die klassischere und druckvollere Auslegung. Das ist das Setup für Drummer, die ein großes Fundament wollen, viel Luft nach unten brauchen und live ein Set spielen möchten, das optisch und klanglich nach „vollwertigem Rock- und Allround-Kit“ aussieht. Die 22er Bassdrum bringt das erwartete Volumen, während die Kombination aus 14er- und 16er-Floor-Tom viel Tiefe und Bewegung in Fills und Grooves bringt. Gerade für Rock, Alternative, Pop und alles, was nach etwas mehr Körper verlangt, ist das eine sehr starke Konfiguration.

Die zweite Variante mit 10″x7″ Tom, 14″x14″ Floor Tom, 16″x16″ Floor Tom und 20″x16″ Bassdrum wirkt etwas kompakter und moderner. Die 20er Bassdrum bringt meist einen direkteren, schnelleren Punch mit, ohne dass man auf ernsthaften Tiefgang verzichten muss. In Kombination mit dem 10er Tom entsteht ein Setup, das sich etwas wendiger und tighter anfühlen dürfte. Für Drummer, die ein reaktionsschnelles Set mit etwas kompakterem Footprint suchen, ist das vermutlich die spannendere Wahl. Gerade in kleineren Clubs, bei funkigeren Sachen oder überall dort, wo ein Set etwas fokussierter und agiler reagieren soll, sehe ich diese Konfiguration klar vorn.

Warum diese Konfigurationen clever gewählt sind

Was mir an den beiden Setups gefällt, ist, dass Gretsch nicht einfach nur wahllos Größen kombiniert hat. Beide Varianten ergeben musikalisch Sinn. Die 22er-Version deckt die eher klassische, große Bühne ab, während die 20er-Version den moderneren, kompakteren Zugang bietet. In beiden Fällen bleibt mit zwei Floor Toms genug klangliche Tiefe im Setup, was dem Ganzen trotz unterschiedlicher Bassdrum-Größe eine gewisse Autorität verleiht.

Genau das macht die Serie interessant: Du bekommst nicht nur ein schönes Sondermodell, sondern ein Set, das auch in der Praxis durchdacht wirkt.

Fazit

Die Gretsch Renown Maple Special Edition in Turquoise Sparkle ist mehr als nur ein hübsches Limited Finish. Sie verbindet die bekannten Stärken der Renown-Serie mit einer auffälligen, aber geschmackvollen Optik und zwei Konfigurationen, die unterschiedliche Drummer-Typen gezielt abholen. Die 22er-Version ist das klassisch große Arbeitstier mit viel Fundament, die 20er-Version die etwas straffere, modernere Alternative mit kompakterem Charakter.

Der Beitrag Gretsch in Türkis? Diese limitierte Renown Maple Special Edition könnte schnell weg sein erschien zuerst auf Drums & Percussion.

Spannend wird es, seit es mit Remo Encore eine deutlich günstigere Pinstripe-Variante gibt, die im Handel als Made in Taiwan by Remo geführt wird. Händler beschreiben das Encore Pinstripe Clear ebenfalls als zweilagiges Mylar-Fell und ordnen es preislich klar unter der US-Version ein.

Genau diesen Vergleich wollte ich hören und nicht nur lesen. Deshalb habe ich mir die beiden 12″-Clear-Varianten vorgenommen und direkt gegeneinander gespielt.

Warum Pinstripes überhaupt so oft eingesetzt werden

Pinstripes sind für viele Drummer die schnelle Lösung, wenn Toms kontrolliert, fett und live-tauglich klingen sollen. Sie liefern meist einen kurzen bis mittleren Sustain, einen deutlichen Attack und genug Tiefmitten, um im Bandmix nicht unterzugehen. Genau deshalb sieht man sie so häufig auf Touring-Kits, in Proberäumen und auf Sets, die ohne viel Zusatzdämpfung funktionieren sollen. Das offizielle Remo Pinstripe wird von Remo selbst mit Midrange-Tones, Low-End und erhöhter Haltbarkeit beschrieben.

Konstruktion: Was steckt in den beiden Fellen?

Beim Remo USA Pinstripe Clear ist die Konstruktion sauber dokumentiert: zwei klare 7-mil-Lagen mit integriertem Obertone-Management zwischen den Schichten. Genau diese Bauweise erklärt auch, warum das Fell so kontrolliert und dennoch nicht komplett leblos klingt.

Beim Remo Encore Pinstripe Clear ist die Datenlage nicht ganz so komfortabel, weil Remo selbst die Encore-Serie online deutlich weniger detailliert dokumentiert. Händler und Produktbeschreibungen nennen das Fell aber ebenfalls als zweilagige Pinstripe-Variante von Remo, gefertigt in Taiwan.

Wichtig ist für mich an dieser Stelle: Der Grundgedanke ist bei beiden Fellen klar derselbe. Beide zielen auf kontrollierten, attackreichen Tom-Sound. Der Unterschied liegt weniger im Konzept als in der klanglichen Umsetzung.

Mein Test: Zwei gute Felle, aber klar hörbare Unterschiede

Ich habe beide Felle direkt verglichen, jeweils in 12″ Clear, und der Unterschied war für meine Ohren deutlich. Nicht riesig im Sinne von „komplett andere Welt“, aber klar genug, dass ich ihn im direkten A/B-Test sofort höre.

Das USA-Pinstripe klingt für mich offener, resonanter und lebendiger. Es hat mehr von diesen schimmernden, breiteren Frequenzen, die dem Ton Luft und Bewegung geben. Der Sound wirkt heller, klarer und insgesamt musikalischer aufgelöst. Das Sustain war in meinem Test nicht nennenswert länger als beim Encore, aber der Ton hatte mehr Leben im Obertonspektrum. Genau das macht das Fell für mich so attraktiv: kontrolliert, aber nicht stumpf.

Das Encore Pinstripe geht in eine andere Richtung. Es klingt deutlich dunkler, tiefer und erdiger. Ich würde es auch als dumpfer und kompakter beschreiben, wobei „dumpf“ hier nicht automatisch negativ gemeint ist. Es hat weniger von diesem offenen Schimmer und mehr direkten Attack. Dadurch wirkt es kontrollierter und ein Stück „trockener“, ohne dass das Sustain komplett weg wäre. In meinen Ohren ist es das Fell für Drummer, die schnell einen fokussierten Tom-Sound wollen, ohne lange am Set zu feilen.

Der Eindruck deckt sich übrigens ziemlich gut mit dem, was man auch aus Nutzerstimmen im Netz herauslesen kann. Dort wird das US-Pinstripe oft als offener und resonanter beschrieben, während die Encore-Variante im Vergleich dunkler und kontrollierter wirkt.

Wie wirkt sich das in der Praxis aus?

Im Bandkontext kann genau dieser Unterschied entscheidend sein. Das USA-Fell gibt dir mehr Ton, mehr Schimmer, mehr „sprechenden“ Kessel. Das ist klasse, wenn du moderne, lebendige Toms willst, die trotz Kontrolle noch etwas offen wirken.

Das Encore ist für mich eher das Fell, das sofort funktioniert, wenn es kompakt, tief und direkt sein soll. Gerade in lauteren Rock- oder Proberaum-Situationen kann das sogar ein Vorteil sein. Weniger Obertonspektrum bedeutet oft auch weniger Baustellen im Mix. Wenn du ein Fell suchst, das schnell auf „fertig“ steht, ist das Encore sehr attraktiv.

Preis-Leistung: Hier wird das Encore wirklich interessant

Der vielleicht wichtigste Punkt ist der Preis. Das Encore Pinstripe liegt deutlich unter dem US-Pendant und genau deshalb ist es für mich mehr als nur eine Billigvariante. Klanglich ist es kein 1:1-Klon, aber eben auch kein schlechter Abklatsch. Im Gegenteil: Es hat einen eigenständigen, brauchbaren Charakter und liefert für deutlich weniger Geld einen überzeugenden kontrollierten Tom-Sound. Händler und Nutzer beschreiben die Encore-Linie generell als günstige Alternative, die in der Praxis erstaunlich gut funktioniert.

Fazit

Der Direktvergleich zeigt für mich sehr klar: Beide Felle klingen gut, aber anders. Das Remo USA Pinstripe Clear ist das musikalisch offenere Fell. Es klingt heller, resonanter und hat mehr von diesen schimmernden Frequenzen, die Toms lebendig wirken lassen. Das Remo Encore Pinstripe Clear klingt dunkler, erdiger und kontrollierter, mit etwas weniger Ton, aber spürbar mehr direktem Attack.

Wenn Geld keine große Rolle spielt und du den „klassischen“ Pinstripe-Sound mit etwas mehr Offenheit willst, bleibt das USA-Modell für mich die rundere Wahl. Wenn du jedoch ein günstiges, funktionales und wirklich gut klingendes Pinstripe suchst, ist das Encore eine ernstzunehmende Alternative und definitiv mehr als nur ein Sparmodell.

Foto: https://remo.com/profile/joshua-dun

Der Beitrag Remo Encore vs. USA: Das Pinstripe im Direktvergleich erschien zuerst auf Drums & Percussion.

Horst Link und die Idee hinter der Signature-Serie

Horst Link war nicht nur ein Name auf dem Badge. In Sonors offizieller Kommunikation wird die Signature-Serie klar mit seiner Person verknüpft. In den Katalogen erklärt Sonor, dass die Drums seinen Namenszug tragen, weil er diese Linie persönlich verantwortete. Gleichzeitig wird die Serie als technologischer und klanglicher Durchbruch im Sonor-Programm beschrieben. Das ist mehr als Marketing-Rhetorik, denn die Signature-Serie markierte tatsächlich einen sehr eigenständigen Abschnitt in der Sonor-Geschichte, in dem Kesselbau, Hardware und Fertigungstiefe außergewöhnlich konsequent gedacht wurden.

Welche „Horst Link Snare“ ist gemeint?

Für Sammler und Spieler ist die HLD 580 die klassische Horst-Link-Snare: 14″x8″, Holzkessel, tiefe Bauweise, Parallelabhebung. Sonors Kataloge aus den 1980ern führen die HLD 580 als Signature-Snare in 14″ x 8″; zugleich gab es weitere Horst-Link-Modelle innerhalb der Serie, darunter kleinere Holzkessel sowie Metallsnares wie die HLD 588 aus nahtlos gezogenem Ferro-Mangan-Stahl und die HLD 590 aus gegossener Glockenbronze. Genau deshalb lohnt die Präzisierung: Wenn heute von der „Horst Link Signature“ als Ikone gesprochen wird, landet man in der Praxis meist bei der 14″x8″ Holzversion, historisch war der Name aber an die gesamte Signature-Oberklasse gebunden.

Konstruktion: Warum die HLD 580 so besonders ist

Offizielle Sonor-Unterlagen beschreiben die Holz-Signature-Snares als 12-schichtige Kesselkonstruktionen. Dabei unterschied Sonor zwischen Heavy und Lite: Die Heavy-Version hatte 12 mm Kesselstärke und wurde explizit als tief und warm klingend beschrieben, die Lite-Version war mit 7 mm dünner und sollte obertonreicher und brillanter ausfallen. Genau diese Heavy-Ausführung ist es, die im Sammler- und Spielerumfeld meist mit der HLD 580 in Verbindung gebracht wird. Händlerbeschreibungen und Vintage-Anbieter nennen bei erhaltenen Exemplaren durchgängig einen 12-lagigen, 12 mm starken Buchenkessel mit Bubinga-Furnieren innen und außen. Offizielle Sonor-Texte betonen zudem die für die Serie entwickelte Parallelabhebung, die außergewöhnlich feine Einstellmöglichkeiten bieten sollte.

Auch die Kesseltiefe ist kein Zufall. In Sonors damaliger Produktkommunikation wird die 8″-tiefe Holzsnare ausdrücklich als „besondere Neuheit“ der Signature-Serie hervorgehoben. Das ist aus heutiger Sicht interessant, weil tiefe 14″x8″ Snares zwar längst etabliert sind, Anfang der 1980er aber noch deutlich weniger selbstverständlich waren als heute.

Klang: Warum die Trommel bis heute so gesucht ist

Sonor selbst beschreibt die Heavy-Holz-Snares der Signature-Serie als tief und warm klingend. Diese Einschätzung deckt sich bemerkenswert gut mit dem Ruf, den die HLD 580 bis heute hat. Händler und Vintage-Spezialisten heben regelmäßig die Mischung aus Fokus, großem Volumen und weiter Stimmspanne hervor. Das ist plausibel: Ein dicker Buchenkessel mit Bubinga-Furnier, 14″x8″ Format und Parallelabhebung ergibt konstruktiv genau die Art von Snare, die nicht auf spitze Aggression setzt, sondern auf Gewicht, Körper und Artikulation.

Aus heutiger Drummer-Sicht ist genau das der Reiz. Die HLD 580 ist keine Snare, die sich über spektakuläre Exotik verkauft. Ihr Status kommt eher daher, dass sie enorm erwachsen klingt. Sie hat Substanz, ohne dumpf zu werden, und sie liefert Druck, ohne dass man ihr künstlich „Rock“ aufprägen muss. Die Parallelabhebung spielt dabei eine wichtige Rolle, weil sie den Teppich sehr gleichmäßig anlegt und die Snare auch bei feineren Dynamiken sauber reagieren lässt. Dass Sonor dieses System damals als besonders fein einstellbar bewarb, ist also nicht bloß Katalogsprache, sondern in der Konstruktion logisch angelegt.

Warum die Horst Link Signature heute eine Ikone ist

Der Ikonenstatus der Horst Link Signature beruht auf drei Dingen. Erstens auf ihrer historischen Rolle innerhalb der Sonor-Geschichte. Die Signature-Serie war Sonors kompromisslose Oberklasse und trug bewusst den Namenszug des Firmenchefs. Zweitens auf der Konstruktion, die auch nach heutigem Maßstab eigenständig wirkt: tiefer Heavy-Kessel, Parallelabhebung, massiver Fertigungsanspruch. Drittens auf der Tatsache, dass diese Trommeln längst nicht mehr regulär gebaut werden und am Gebrauchtmarkt entsprechend gesucht sind. Preislisten aus der Zeit zeigen bereits, dass die Signature-Snares im damaligen Sonor-Programm weit oben angesiedelt waren; heutige Gebrauchtpreise und das konstante Auftauchen bei Vintage-Händlern bestätigen ihren Sammler- und Spielerstatus.

Für mich ist die HLD 580 deshalb genau die Art Snare, die in eine Reihe wie „Snare Ikonen“ gehört. Nicht, weil sie unantastbar wäre, sondern weil sie einen bestimmten Sonor-Gedanken extrem klar verkörpert: Ingenieursdenken, Materialbewusstsein und Klangautorität ohne Schnelllebigkeit. Gerade für Drum-Nerds ist das die eigentliche Faszination. Man hält hier nicht nur eine gute Snare in der Hand, sondern ein Stück einer Ära, in der Hersteller sehr bewusst eigene Lösungen verfolgten, statt nur Markttrends hinterherzulaufen.

Fazit

Die Sonor Horst Link Signature Snare, insbesondere die HLD 580 in 14″ x 8″, ist mehr als ein gesuchter Vintage-Klassiker. Sie steht exemplarisch für die Signature-Serie, die Sonor in den 1980ern als kompromisslose Oberklasse positionierte und die Horst Links Namenszug bewusst als Qualitätsversprechen trug. Die offizielle Einordnung als Heavy-Holzsnare mit tiefem, warmem Sound, die technische Besonderheit der Parallelabhebung und die bis heute hohe Nachfrage machen sie zu einer echten Snare Ikone

Pro

• Historisch hochrelevantes Sonor-Modell mit klar dokumentierter Einordnung in die Signature-Oberklasse.
• Eigenständige Konstruktion mit 14″x8″ Format, Heavy-Kessel und Parallelabhebung.
• Ruf für warmen, tiefen und gleichzeitig sehr fokussierten Klang.
• Hoher Sammlerwert und bis heute starke Nachfrage auf dem Vintage-Markt.

Contra

• Historisch nicht ganz simpel, weil „Horst Link Signature“ streng genommen mehrere Modelle innerhalb der Serie umfasst.
• Gute Originale sind selten und preislich längst kein Geheimtipp mehr.
• Die Komplexität der Parallelabhebung macht Service und Ersatzteilfragen anspruchsvoller als bei einfachen Throw-offs. Das ist als technische Folgerung naheliegend, aber je nach Zustand individuell zu prüfen.

Auch interessant:

5 Grooves, die jeder Drummer können muss

Grooves sind die zentrale Aufgabe des Schlagzeugs. Unabhängig vom Stil sorgt der Drummer für Stabilität, [...]

> WEITERLESEN

Praxistest: Slingerland Radio King Snare und Studio King Set (mit Audio)

Slingerland ist zurück! Die 1912 von H.H. Slingerland gegründete Slingerland Drum Company ist eine legendäre [...]

> WEITERLESEN

Pearl Primal Snare Collective: Das hat es mit den neuen Snares auf sich!

Bereits zur NAMM 2026 nutzte Pearl das eigene 80. Firmenjubiläum nicht nur für große Gesten, [...]

> WEITERLESEN

Der Beitrag Snare Ikonen: Die Horst Link Signature Snare von Sonor erschien zuerst auf Drums & Percussion.

Ich habe mir das Fell in der Clear-Variante deshalb nicht nur theoretisch angesehen, sondern auf einer Acryl-Snare mit klarem Kessel ausprobiert, also auf einer Trommel, die von Haus aus nicht gerade für Mangel an Attack und bekannt ist. Genau dort fand ich den Test besonders spannend. Viele würden auf so einer Snare sofort sagen: „Powerstroke 77? Viel zu trocken.“ In der Praxis war mein Eindruck differenzierter. Ja, das Fell nimmt Obertöne spürbar zurück. Aber gerade live kann genau das Gold wert sein.

Konstruktion: Warum das Remo Powerstroke 77 so kontrolliert klingt

Das Powerstroke 77 ist kein klassisches offenes Fell, sondern klar als kontrolliertes Snare-Batter-Fell gedacht. Die Doppellagen-Konstruktion macht es stabiler und fokussierter als ein einlagiges Ambassador- oder Controlled-Sound-Konzept. Der zusätzliche Unterlagerring arbeitet ähnlich wie bei der Powerstroke-Serie für Bassdrums und nimmt dem Fell einen Teil der frei schwingenden Obertöne, bevor du überhaupt zu Gel, Tape oder Dämpfring greifen musst. Der Dot erhöht die Haltbarkeit zusätzlich und stabilisiert den Attack. Genau diese Kombination aus Lagen, Ring und Dot sorgt dafür, dass das Fell relativ schnell „fertig“ klingt.

Für Live-Situationen ist das ein klarer Vorteil. Wer regelmäßig spielt, weiß, dass ein Fell auf der Bühne nicht nur schön, sondern vor allem berechenbar klingen muss. Und genau da hat das Powerstroke 77 seine Stärke. Es klingt nicht super offen und schillernd, sondern kompakt, kontrolliert und sofort einsatzbereit.

Mein Praxistest auf Acryl-Snare: trocken im Raum, stark im Mix

Auf meiner Acryl-Snare war der erste Eindruck sehr fokussiert, relativ kurz, wenig „frei schwebender“ Ring. Wer nur im Raum direkt hinter dem Set sitzt, könnte das zunächst als etwas zu trocken empfinden. Ich konnte nachvollziehen, warum manche Drummer an dieser Stelle skeptisch werden. Aber genau hier zeigt sich oft der Unterschied zwischen Drummer-Perspektive und PA-Realität.

Im Bandkontext und über die Anlage war das Bild ein anderes. Der FOH-Mann war sofort begeistert, weil die Snare sich extrem leicht in den Mix setzen ließ. Kein wildes Geflatter in den oberen Mitten, keine unangenehmen Spitzen, sondern ein sehr organisch fetter und prägnanter Sound, der trotzdem nicht künstlich oder steril wirkte. Gerade auf einer Acryl-Snare, die schnell sehr „hart“ werden kann, war das für mich der eigentliche Aha-Moment. Das Fell hat den Sound nicht totgemacht, sondern in die richtige Richtung gelenkt.

Für mich ist das genau der Punkt, den man beim Powerstroke 77 verstehen muss: Es ist nicht in erster Linie ein Fell für maximale Offenheit, sondern für kontrollierte Durchsetzung.

Live-Tauglichkeit: warum so viele Drummer genau dieses Fell wählen

Im Netz wird das Powerstroke 77 oft als Fell beschrieben, das ohne viel Zusatzdämpfung einen kontrollierten, punchigen Snare-Sound liefert und gerade live oder bei härterer Spielweise überzeugt. Auch Reviews und Händlerbeschreibungen betonen immer wieder die Mischung aus kontrollierten Obertönen, Projektion und Haltbarkeit.

Das deckt sich sehr gut mit meinem Eindruck. Für Live-Konzerte ist es enorm angenehm, wenn man die Snare nicht erst mit Gel, Tape und halben Taschentuch-Bastellösungen in Form bringen muss. Das Powerstroke 77 liefert diesen kompakten, stabilen Grundsound von sich aus. Besonders bei lauter Rock-, Pop- oder Alternative-Musik hilft das enorm. Die Rimshots kommen klar und direkt, der Center-Sound bleibt fett und die Ghost Notes sind immer noch da, ohne dass sich das Fell in harschen Obertönen verliert.

Welche Drummer darauf setzen?

Das Fell ist keineswegs nur ein Geheimtipp. Auf Gear-Plattformen und in Artist-Setups taucht das Powerstroke 77 bei mehreren professionellen Drummern auf. Unter anderem wird es mit Andy Hurley von Fall Out Boy in Verbindung gebracht, ebenso mit Drummern wie Joel Amey von Wolf Alice oder Jamie Miller von Bad Religion, die alle einen modernen, kontrollierten Live-Snare-Sound fahren.

Das passt auch stilistisch. Wer in einer Band spielt, in der die Snare klar nach vorne muss, aber nicht nerven darf, ist mit dem Powerstroke 77 schnell in einem sehr praxisnahen Bereich.

Für wen ist das Remo Powerstroke 77 die richtige Wahl?

Aus meiner Sicht ist die Zielgruppe relativ klar. Das Fell eignet sich besonders für Drummer, die einen fetten, kontrollierten und live-tauglichen Snare-Sound suchen. Rock, Pop, Punk, Alternative, modernere Metal-Spielarten oder generell alle lauten Bühnenumgebungen sind ein natürliches Einsatzfeld. Wer viel und hart spielt, profitiert außerdem von der robusteren Konstruktion.

Weniger passend ist es für Spieler, die maximale Offenheit, langes Sustain und viel „Luft“ im Snare-Sound suchen. Im Jazz, in sehr offenen Singer-Songwriter-Kontexten oder bei Vintage-orientierten Sounds würde ich eher zu offeneren Fellen greifen. Das Powerstroke 77 will nicht besonders filigran oder schimmernd sein. Es will funktionieren.

Fazit

Ist das Remo Powerstroke 77 das beste Snare-Fell für Live-Konzerte? Das wäre pauschal zu groß formuliert. Aber es ist definitiv eines der sinnvollsten, wenn du einen fetten, kontrollierten und sofort brauchbaren Live-Snare-Sound suchst. Auf meiner Acryl-Snare hat es im Raum zunächst etwas trockener gewirkt, als ich es von offeneren Fellen gewohnt bin. Im Livesound war genau das aber der Vorteil. Die Snare klang groß, prägnant und organisch, ohne künstlich behandelt zu wirken.

Für mich ist das Powerstroke 77 deshalb kein „immer und überall“-Fell, aber ein sehr starkes Werkzeug für genau den Job, für den viele Drummer es kaufen: Live abliefern, ohne am Snare-Sound zu verzweifeln.

Foto: ©️ https://remo.com/profile/andy-hurley 

Auch interessant:

Ratgeber: Warum Dein Snaredrum Sound live NICHT funktioniert!

Eine Snare kann im Proberaum fantastisch klingen. Fett, knallig und voller Charakter. Auf der Bühne [...]

> WEITERLESEN

Welche Stickhaltung passt zu mir – Matched Grip vs. Traditonal Grip

Die Stickhaltung gehört zu den grundlegenden technischen Entscheidungen am Schlagzeug. Sie beeinflusst Bewegungsabläufe, Dynamik, Klangentwicklung [...]

> WEITERLESEN

5 Grooves, die jeder Drummer können muss

Grooves sind die zentrale Aufgabe des Schlagzeugs. Unabhängig vom Stil sorgt der Drummer für Stabilität, [...]

> WEITERLESEN

Der Beitrag Das beste Snare-Fell für Live-Konzerte? Remo Powerstroke 77 im Check erschien zuerst auf Drums & Percussion.