Fame Kiddy Cajon im Tabaluga Design

das Fame Kiddy Cajon ist ein tolles Instrument für Kinder ab dem vierten Lebensjahr. Die Größe ist das einzige, das für einen baulichen Unterschied sorgt zum großen Modell. Mit einer Höhe von 36cm lässt sich das Cajon auch noch bis zum 10. Lebensjahr spielen und ist somit eine tolle Anschaffung für mehrere Jahre. Klanglich steht das Kiddy Cajon dem normalen Cajon in nichts nach. Die verbauten Gitarrensaiten in traditioneller Bauweise, sorgen für eine wertige Klangcharakteristik und der sauber-verarbeitete Holzkorpus für ein angenehmes Sitzen beim Spielen.

Das Cajon kommt mit einem passenden Sitzpolster und mit bereits montierten Gummifüßen daher. Das Sitzpolster ist für den Anfang erstmal ausreichend, kann aber auch gegen ein Kissen von zu Hause oder ein hochwertiges Cajon Pad getauscht werden. Die Optik im Tabaluga-Design ist in Zusammenarbeit mit Peter Maffay entstanden und ein echter Hingucker für alle Fans. 49,00€ ist wirklich fairer Preis und das Cajon für mich deswegen ein toller Einstieg in die Rhythmuswelt.

Fame Bongo Beginner Set 6″+7″

Etwas kleiner, aber nicht weniger spannend sind Bongos. Die zwei kleinen, mit Fellen bespannten Kessel bieten klangliche Vielfalt und eine schöne Möglichkeit Songs zu begleiten. Auch Percussions sind einfach zum Reinkommen und Mitspielen von Songs. Die Fame Beginner Bongos kommen mit den gängigen Größen in 6″ und 7″ daher. Dadurch lassen sich die Felle problemlos austauschen und im Falle eines Risses ist das Reparieren schnell und einfach möglich. Mittels der Stimmschrauben lassen sich die Bongos nach Belieben passend zum gewünschten Klang stimmen. Hierfür wird ein handelsüblicher Maulschlüssel benötigt, der leider nicht im Lieferumfang enthalten ist. Das schicke Holz sorgt nicht nur für einen warmen Klang, sondern auch zusammen mit der robusten Hardware für zeitloses Design.

Ich finde das man hier für gerade mal 39,90€ wirklich tolles Einsteiger Bongos bekommt, die sich mit dem richtigen Tuning in ein richtiges Instrument verwandeln und für eine Menge Spielspaß sorgen. Viele Kinder haben auch Spaß mit Sticks auf Bongos zu spielen. Hiervon möchte ich jedoch abraten. Erstmal ist das keinesfalls die traditionelle Spielweise, und des weiteren sorgt es für einen erheblichen Verschleiß, da die dünnen Nappafelle unter hoher Spannung großen Kräften nicht lange Stand halten können.

Fame Steel Tongue Drum 8 – Pentatonic F

Als letztes möchte ich ein relativ neues Instrument für den Einstieg vorstellen; die Steel Tongue Drumm, zu deutsch Metall-Zungen Trommel. Das tolle hieran ist, dass die Rhythmik und das Harmonieverständnis gleichzeitig erlernt werden können. Denn jede Metallzunge ist in einem Ton gestimmt, der zur entsprechenden Stimmung passt. Man kann sich theoretisch nie verspielen, weil jede Zunge zur anderen passt. Mit den mitgelieferten Schlägeln lässt sich die Steel Tongue Drum prima spielen. Aber auch mit den Fingern kann man wunderbar warme Klänge erzeugen. Die Tongue Drum ist sehr pflegeleicht, da das massive Metallgehäuse unzerstörbar wirkt. Dennoch sollte man die Metall-Zungen nicht zu hart anschlagen, da sie dadurch verstimmt werden können und dann nicht mehr harmonisch klingen. Das bedarf natürlich viel Kraft, nur muss man auch wissen, dass sich die Stimmung danach nicht mehr so einfach wieder herstellen lässt. Also; nicht fallen lassen und – wie jedes Instrument – mit dem angemessenen Respekt behandeln.

Jetzt wird es etwas spannender, als bei einem reinen Schlaginstrument. Der Hersteller Fame bietet mehrere Modelle in unterschiedlichen Stimmungen und Farben an. Außerdem sind diese Tongue Drums kein reines Einsteiger-Instrument. Sie werden auch für Meditationszwecke verwendet und auch in etwas hochpreisigen Varianten von anderen Herstellern verfügbar. Dieses Modell habe ich rausgesucht, weil es sowohl in Sachen Größe, Klang und Preis sehr vertretbar ist. Für 55,00€ bekommt euer Kind nicht nur ein tolles Rhythmusinstrument, sondern auch den ersten Einblick in die Welt der Töne, was vielen danach noch ganz andere Türen öffnen kann.

Fazit

Ich finde, dass es noch mehr tolle Wege gibt mit dem Musikmachen anzufangen. Aber hiermit habe ich euch meine drei Favoriten vorgestellt, die nicht nur sehr einfach zu Spielen sind und wenig Platz im Kinderzimmer einnehmen, sondern auch günstig und nicht so laut wie ein richtiges Schlagzeug sind, was den Kontakt zu den umliegenden Nachbarn deutlich friedlicher gestaltet. Alle Instrumente kann man hervorragend transportieren und zum Vorspielen und gemeinsamen Üben mitnehmen. Taschen sind entweder separat erhältlich oder sogar schon im Lieferumfang enthalten. Ich hoffe, dass dieser Ratgeber die Entscheidung erleichtern konnte. Schreibt eure Fragen und Anregungen doch gerne unten in die Kommentare – und jetzt; Viel Spaß beim Musizieren!

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• Sonor AQ2
• PDP Concept Maple CM7
• Gretsch Renown Maple
• Tama Starclassic Performer
• Mapex Saturn VI.

Dabei ist die Wertung bewusst persönlich. Alle fünf Sets gehören zu meinen Favoriten. Die Punktzahl beschreibt deshalb nicht, ob ein Schlagzeug „gut“ oder „schlecht“ ist, sondern wie stark mich das jeweilige Set innerhalb dieses Vergleichs überzeugt. Die Skala reicht von 1 bis 5 Punkten.

Sonor AQ2

Das Sonor AQ2 vermittelt bereits beim ersten Kontakt einen sehr soliden Eindruck. Genau diese massive und stabile Anmutung gehört für mich zu den größten Stärken des Sets. Die Ahornkessel liefern einen warmen, ausgewogenen und vollen Klang mit ordentlich Fundament. Auch die Verarbeitung macht einen hochwertigen Eindruck. Das AQ2 vermittelt genau das Gefühl, das ich mit Sonor verbinde: massiv, präzise und auf Langlebigkeit ausgelegt.

Trotzdem landet das AQ2 in diesem Vergleich auf dem letzten Platz. Das liegt nicht daran, dass es ein schlechtes Schlagzeug wäre. Im Gegenteil: Das AQ2 ist ein sehr gutes und zuverlässiges Instrument. Aber die vier anderen Sets bieten für mich jeweils einen noch stärkeren besonderen Reiz – sei es bei Ausstattung, Optik, Klang oder dem Gesamtpaket.

PDP Concept Maple CM7

Beim PDP Concept Maple CM7 fällt zunächst die Ausstattung auf. Die große Anzahl an Kesseln macht das Set für den Preis zu einem echten Hingucker. Wer gerne mit unterschiedlichen Tom-Konfigurationen arbeitet oder einfach möglichst viel Schlagzeug für sein Geld bekommen möchte, findet hier ein ausgesprochen attraktives Paket. Besonders beeindruckend ist für mich die Bassdrum. Sie gehört zu den stärksten Bassdrums dieses Vergleichs und entwickelt enorm viel Druck. Gerade bei modernen Rock-, Pop- und härteren Stilrichtungen kann das richtig Spaß machen. Auch optisch hat das PDP einiges zu bieten. Nicht nur die Farbauswahl gefällt mir. Die Finishes vermittelt eine deutlich hochwertigere Anmutung, als man in dieser Preisklasse vielleicht erwarten würde.

Das CM7 ist deshalb ein echtes Preis-Leistungs-Statement. Es ist bei Ausstattung und Bassdrum außergewöhnlich stark, aber beim Sound und bei der gesamten Wertigkeit liegt das Saturn VI für mich noch vorne.

Gretsch Renown Maple

Das Gretsch Renown Maple spielt seine Stärken vor allem bei der Verarbeitung und der Optik aus. Schon beim ersten Blick vermittelt das Set eine sehr edle Anmutung. Die Verarbeitung wirkt hochwertig und sorgfältig, und genau diese Eleganz macht das Renown für mich besonders interessant. Auch klanglich besitzt das Gretsch Charakter. Der Maple-Sound bringt Wärme und Fundament mit, ohne auf Attack und Durchsetzungsfähigkeit zu verzichten. Das Renown ist damit ein Set, das nicht unbedingt durch die größte Ausstattung beeindrucken muss. Es überzeugt vielmehr durch das eigentliche Instrument.

Gerade diese Kombination aus edler Verarbeitung und musikalischem Sound gefällt mir ausgesprochen gut. Für die Plätze ganz oben reicht es in diesem Vergleich trotzdem nicht. Das PDP bietet mir mehr Ausstattung fürs Geld und das Tama beziehungsweise Mapex überzeugen mich beim Gesamtpaket noch stärker.

Tama Starclassic Performer

Das Tama Starclassic Performer ist ein Set, das bereits optisch eine Menge Eindruck macht. Die Farben und Finishes sind für mich herausragend. Das Set besitzt eine sehr hochwertige Bühnenpräsenz und wirkt ausgesprochen edel. Auch bei der Verarbeitung der Kessel spielt Tama seine Stärken aus. Sie wirken präzise gefertigt und die Hardware vermittelt Stabilität und Professionalität. Klanglich liefert das Starclassic Performer einen modernen, kräftigen und gleichzeitig ausgewogenen Sound. Besonders gefällt mir die Kombination aus Optik und Verarbeitung. Das Starclassic Performer fühlt sich nach einem ernsthaften Instrument an und sieht gleichzeitig spektakulär aus.

Warum landet es trotzdem nicht auf Platz eins? Klanglich und beim Preis-Leistungs-Verhältnis geht es noch Stufe nach oben. Das Tama ist in Sachen Verarbeitung und Finish herausragend, aber das Saturn VI bietet für mich klanglich einen nahezu perfekten Auftritt.

Mapex Saturn VI

Und damit kommen wir zu meinem persönlichen Gewinner: dem Mapex Saturn VI.

Das Saturn VI ist für mich das Set, bei dem einfach alles zusammenpasst. Schon der Sound überzeugt. Das Set klingt modern, druckvoll und gleichzeitig kontrolliert. Es besitzt ein kräftiges Fundament, genügend Attack und eine Klangästhetik, die hervorragend zu modernen Produktionen passt. Noch wichtiger ist für mich aber die Kombination aus Sound und Verarbeitung. Das Saturn VI wirkt unglaublich hochwertig. Die Hardware an den Kesseln vermittelt eine massive Wertigkeit und auch die gesamte Verarbeitung hinterlässt einen sehr überzeugenden Eindruck.

Und genau hier kommt für mich der entscheidende Punkt ins Spiel: Das Preis-Leistungs-Verhältnis ist unfassbar gut. Man bekommt eine Qualität, die sich meiner Meinung nach deutlich teurer anfühlt. Dazu kommen die moderne Klangästhetik, die hochwertige Verarbeitung und eine Optik, die dem Anspruch gerecht wird. Das Saturn VI ist für mich deshalb nicht einfach nur ein gutes Mittelklasse-Schlagzeug. Es ist ein Set, bei dem ich mich frage, wie viel mehr Schlagzeug man tatsächlich braucht. Dazu kommt der Punkt, dass das Saturn VI mit der stärksten Bassdrum daherkommt und wirklich alle Sets in den Schatten stellen kann, wenn sogar nur schon die Werksfelle einmal richtig gestimmt sind.

Fazit

Fünf Schlagzeuge, fünf unterschiedliche Charaktere. Das Sonor AQ2 steht für massive Bauweise, Stabilität und Zuverlässigkeit. Das PDP CM7 überzeugt mit einer unglaublichen Ausstattung für den Preis, einer beeindruckenden Bassdrum und einer Lackqualität, die in dieser Klasse Maßstäbe setzt. Das Gretsch Renown Maple bringt eine besondere Eleganz in den Vergleich und überzeugt mit seiner hochwertigen Verarbeitung und seinem charaktervollen Klang. Das Tama Starclassic Performer punktet mit herausragenden Farben, einer sehr hochwertigen Verarbeitung und einem modernen, kraftvollen Sound.

Doch für mich gibt es einen klaren Sieger: das Mapex Saturn VI.

Die Kombination aus modernem Sound, perfekter Verarbeitung, massiver Hardware am Kessel und einem außergewöhnlichen Preis-Leistungs-Verhältnis macht für mich den entscheidenden Unterschied. Es ist genau diese Mischung, die das Saturn VI so interessant macht. Man bekommt ein Schlagzeug, das sich hochwertig anfühlt, professionell klingt und optisch einiges hermacht – ohne dafür in Preisregionen vorstoßen zu müssen, in denen man sich normalerweise nach Oberklasse-Instrumenten umsieht.

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Wer Anderson .Paak auf der Bühne erlebt, merkt schnell, dass das Schlagzeug für ihn kein Instrument im Hintergrund ist. Es ist ein Teil seiner Persönlichkeit. Er singt, rappt, tanzt und trommelt, häufig gleichzeitig. Dabei verbindet er Hip-Hop, Soul, Funk, R&B und Gospel zu einem Sound, der gleichzeitig retro und ausgesprochen modern wirkt. Seine Geschichte ist dabei alles andere als eine klassische Erfolgsgeschichte. .Paak musste sich seinen Platz in der Musik über viele Jahre erarbeiten. Es gab Phasen des Zweifelns, finanzielle Schwierigkeiten und berufliche Rückschläge. Gerade diese Erfahrungen haben vermutlich dazu beigetragen, dass aus dem talentierten Drummer aus Oxnard, Kalifornien, einer der vielseitigsten Musiker seiner Generation wurde.

Von Oxnard in die Kirche – die ersten Schritte am Schlagzeug

Anderson .Paak wurde 1986 als Brandon Paak Anderson in Oxnard, Kalifornien, geboren. Seine Mutter ist koreanischer Herkunft, sein Vater afroamerikanischer Herkunft. Musikalisch wuchs er mit einer ungewöhnlich breiten Mischung auf. Seine Mutter hörte viel Soul aus den 1960er- und 1970er-Jahren. Curtis Mayfield und Al Green gehörten zu den Künstlern, deren Musik ihn früh prägte. Gleichzeitig war .Paak als Kind ein typischer MTV-Kid und begeisterte sich für Hip-Hop. Dr. Dre, Snoop Dogg, A Tribe Called Quest und Nas gehörten ebenso zu seiner musikalischen Welt. Das Schlagzeug kam zunächst eher zufällig ins Spiel. Mit etwa zwölf Jahren begann er in der Schule Schlagzeug zu spielen, eigentlich hatte er sich für Saxofon interessiert. Doch die vorhandenen Saxofonplätze waren bereits vergeben.

Zu Hause stand außerdem ein Schlagzeug seines Stiefvaters. Als .Paak sich daran setzte, machte es offenbar sofort Klick. Er beschrieb später, dass sich das Instrument für ihn ungewöhnlich natürlich angefühlt habe.
Die entscheidende musikalische Schule wurde anschließend die Kirche. .Paak spielte viele Jahre in einer baptistischen Gemeinde Schlagzeug. Dort lernte er etwas, das seine spätere Karriere entscheidend prägen sollte: Groove ist nicht nur eine Frage von Technik und Noten, sondern vor allem von Gefühl, Dynamik und Kommunikation. Gerade Gospel-Schlagzeuger müssen auf Sänger, Chor, Bass und die Stimmung des gesamten Raumes reagieren. Das Spiel ist häufig spontan und körperlich. Für einen späteren Hip-Hop- und R&B-Drummer ist das eine hervorragende Grundlage.

Zwischen Gospel, Hip-Hop und Soul

Die Liste seiner musikalischen Vorbilder zeigt, wie weit .Paaks musikalischer Horizont schon früh war. Er nennt unter anderem Stevie Wonder, The Beatles, Radiohead, Beck, J Dilla, Jay-Z, Kanye West und The Neptunes als wichtige Einflüsse. Dazu kommen die Soul-Klassiker seiner Kindheit und natürlich die Hip Hop-Kultur der West Coast. Besonders interessant ist dabei die Verbindung von J Dilla und Gospel. J Dillas Produktionen waren berühmt für ihre ungewöhnliche Rhythmik. Seine Beats wirkten oft bewusst „unperfekt“ und verschoben sich leicht gegen das Raster. Genau dieses Gefühl für Timing – die Spannung zwischen einem starren Beat und einem lebendigen menschlichen Groove – findet man auch bei .Paak. Auf der anderen Seite steht seine Gospel-Erfahrung. Sie liefert ihm ein starkes rhythmisches Fundament und ein Gespür für Dynamik. Hinzu kommt der Einfluss von Funk und Soul. .Paak denkt Rhythmus nicht isoliert. Bass, Drums, Gesang und Melodie gehören bei ihm zusammen. Das erklärt auch, warum sein Schlagzeugspiel selten nach klassischem „Drummer-Show-off“ klingt. Er spielt nicht möglichst viele Noten, sondern versucht, den Song größer zu machen.

Der lange Weg zum Durchbruch

In seinen Zwanzigern trat .Paak zunächst unter dem Namen Breezy Lovejoy auf. Er veröffentlichte eigene Musik, produzierte und arbeitete als Musiker. Gleichzeitig spielte er Schlagzeug für andere Künstler. Unter anderem war er als Tour-Drummer für die Sängerin Haley Reinhart unterwegs. Diese Phase ist für die Entwicklung des späteren Anderson .Paak enorm wichtig. Denn während seine eigene Künstlerkarriere noch nicht richtig Fahrt aufgenommen hatte, sammelte er als Drummer wertvolle Live-Erfahrung.

Dann folgte ein besonders schwieriger Abschnitt. Nachdem er einen Job auf einer Farm verloren hatte, geriet seine Familie in finanzielle Schwierigkeiten und wurde zeitweise obdachlos. Ausgerechnet in dieser Situation ergab sich eine wichtige berufliche Chance. Der Produzent Shafiq Husayn nahm ihn unter seine Fittiche und beschäftigte ihn zunächst als Assistenten. .Paak arbeitete dort unter anderem als Videograf und Produzent und bekam Zugang zu professionellen Studios. Er konnte dadurch weiter Musik aufnehmen – und begann, seine unterschiedlichen Fähigkeiten miteinander zu verbinden.

Schlagzeuger. Sänger. Rapper. Produzent.

Aus diesen einzelnen Rollen entstand langsam die Figur Anderson .Paak.

„Venice“ und „Malibu“ – Anderson .Paak findet seine Stimme

2014 erschien das Album Venice, erstmals unter dem Namen Anderson .Paak. Es war ein wichtiger Schritt weg vom früheren Künstlernamen und hin zu einer eigenständigen musikalischen Identität. Der große Durchbruch folgte jedoch mit Malibu im Jahr 2016. Das Album verband Soul, Funk, Hip-Hop, R&B und elektronische Einflüsse. Vor allem aber zeigte es, dass .Paak nicht in eine einzige Schublade passte. Ein entscheidender Karriere-Moment war bereits zuvor die Zusammenarbeit mit Dr. Dre. Dr. Dre hatte .Paak zunächst über seine Musik kennengelernt und nahm ihn schließlich in die Arbeit an seinem Album Compton auf. .Paak war auf mehreren Songs des Albums zu hören und plötzlich befand er sich mitten in einer der wichtigsten Produktionen des zeitgenössischen Hip-Hop. Für einen Musiker aus Oxnard, der Jahre zuvor noch darum kämpfen musste, überhaupt von seiner Musik leben zu können, war das ein gewaltiger Schritt.

Der Drummer im Mittelpunkt

Was Anderson .Paak als Drummer besonders macht, wird deutlich, wenn man ihn live betrachtet. Er sitzt nicht einfach hinter einem Drumset und begleitet einen Sänger. Er ist der Sänger. Und gleichzeitig der Drummer. Diese Kombination ist sein Markenzeichen. Während er singt oder rappt, spielt er häufig mit enormer körperlicher Präsenz. Seine Bewegungen sind groß, seine Hi-Hat-Arbeit präzise, die Snare sitzt selbstbewusst auf dem Backbeat und die Grooves besitzen eine deutliche Funk- und Gospel-DNA. Dabei wirkt sein Spiel häufig locker und spontan. Genau das ist jedoch eine der schwierigsten Eigenschaften eines guten Drummers: Lockerheit kontrolliert aussehen zu lassen. .Paak besitzt ein ausgeprägtes Gespür für Pocket. Seine Grooves wirken nicht steril quantisiert, sondern lebendig. Er weiß, wann eine Note exakt sitzen muss und wann ein leichtes Vor- oder Hinter-dem-Beat-Spielen dem Song mehr Charakter gibt. Das ist eine Fähigkeit, die sich nicht allein aus Schlagzeugunterricht entwickeln lässt. Sie entsteht durch jahrelanges Spielen mit anderen Musikern. Und genau hier zeigt sich die Bedeutung seiner Gospel-Vergangenheit.

Nicht der schnellste Drummer – aber der richtige Drummer

.Paaks Schlagzeugspiel ist kein Zirkus. Er versucht nicht, durch möglichst komplizierte Fills zu beweisen, wie gut er Schlagzeug spielen kann. Seine Stärke liegt vielmehr darin, den richtigen Groove für den jeweiligen Moment zu finden. Das kann ein trockener Hip-Hop-Beat sein, ein funkiger Shuffle, ein Gospel-Groove oder ein soulige Backbeat. Entscheidend ist immer die musikalische Funktion. Dabei besitzt er ein bemerkenswertes Timing. Besonders seine Snare-Platzierung und sein Umgang mit der Hi-Hat verleihen seinen Grooves Charakter. Sein Spiel erinnert dadurch weniger an einen klassischen Rock-Drummer als an eine Mischung aus Hip-Hop-Beatmaker, Gospel-Drummer und Funk-Musiker. Und genau darin liegt seine Besonderheit.
.Paak hat verstanden, wie moderne Musikproduktion und klassisches Drumming keine Gegensätze sein müssen.

NxWorries – Beats, Samples und Live-Drums

Ein weiterer wichtiger Baustein seiner Karriere ist NxWorries, das Duo mit dem Produzenten Knxwledge. Hier treffen .Paaks Gesang und Drumming auf die stark sampleorientierte Produktionsweise von Knxwledge. Das Ergebnis bewegt sich zwischen Soul, R&B, Hip-Hop und experimenteller Beatmusik. Besonders interessant für Drummer ist dabei das Verhältnis zwischen programmierten Beats und echten Drums. .Paak versteht, wie ein Beat funktionieren muss, weil er ihn nicht nur als Sänger hört, sondern als Schlagzeuger fühlt. Das hört man auch in seiner Zusammenarbeit mit Produzenten. Er denkt in rhythmischen Mustern und kann elektronische oder gesampelte Elemente so interpretieren, dass sie auf der Bühne organisch wirken.

Silk Sonic: Der Retro-Groove wird zum Welterfolg

2021 folgte dann ein weiterer Höhepunkt: Gemeinsam mit Bruno Mars gründete .Paak Silk Sonic. Das Album An Evening with Silk Sonic war eine bewusste Reise zurück in die Soul- und Funk-Ästhetik der 1970er-Jahre. Und auch hier spielte das Schlagzeug eine zentrale Rolle. Die Produktionen sind bewusst organisch angelegt. Statt maximaler moderner Produktion steht der Eindruck einer echten Band im Vordergrund. Bass, Schlagzeug, Percussion, Bläser und Streicher verschmelzen zu einem großen, analogen Klangbild. Der Erfolg war enorm.

„Leave the Door Open“ wurde zum weltweiten Hit, Silk Sonic gewann mehrere Grammys und .Paak erreichte damit ein Publikum, das weit über die Hip-Hop- und Alternative-R&B-Szene hinausging. Für Schlagzeuger ist Silk Sonic außerdem ein schönes Beispiel dafür, dass Vintage-Sound nicht automatisch Vintage-Denken bedeutet. .Paak und Mars kopieren die Vergangenheit nicht einfach. Sie nehmen deren musikalische Sprache und übersetzen sie in die Gegenwart.

Mehr als nur ein Drummer

Nach seinen Erfolgen als Solokünstler und mit Silk Sonic hätte .Paak problemlos den klassischen Weg zum Popstar einschlagen können. Stattdessen blieb er musikalisch neugierig. Er arbeitete weiterhin als Produzent und Musiker, veröffentlichte Musik mit NxWorries und übernahm zunehmend auch Aufgaben außerhalb der klassischen Musikerrolle. 2024 schrieb, inszenierte und spielte er beispielsweise in dem Film K-Pops!, in dem auch sein Sohn Soul eine Rolle übernahm. Seine Karriere zeigt damit etwas Entscheidendes: Anderson .Paak betrachtet sich offenbar nicht als Musiker, der sich auf eine einzige Funktion reduzieren möchte. Er ist Künstler und das Schlagzeug ist eines seiner wichtigsten Ausdrucksmittel.

Anderson .Paak heute

Auch 2026 ist .Paak alles andere als aus dem Musikgeschehen verschwunden. Mit Bruno Mars ist er weiterhin als Silk Sonic aktiv und begleitet Mars auf dessen großer The Romantic Tour. Dabei tritt .Paak nicht nur als Teil von Silk Sonic auf, sondern übernimmt mit seinem DJ-Alter-Ego DJ Pee .Wee auch eine eigene Rolle innerhalb der Shows. Gleichzeitig bleibt NxWorries ein wichtiger Bestandteil seiner musikalischen Arbeit. Das 2024 erschienene Album Why Lawd? mit Knxwledge brachte dem Duo einen weiteren Grammy und zeigte, dass .Paak auch nach dem gigantischen Silk-Sonic-Erfolg nicht auf Nummer sicher gehen wollte. Seine Karriere bewegt sich damit weiterhin zwischen verschiedenen Welten: Solo-Künstler, Produzent, Schauspieler, DJ, Sänger – und Drummer.

Was Drummer von Anderson .Paak lernen können

Vielleicht liegt genau hier die wichtigste Lektion seiner Karriere. Anderson .Paak zeigt, dass ein Drummer nicht zwangsläufig der technisch spektakulärste Musiker im Raum sein muss.
Er muss wissen, was ein Song braucht. .Paaks Spiel basiert auf Groove, Timing, Dynamik und Persönlichkeit. Er verbindet die Präzision eines Studiomusikers mit der Spontaneität eines Gospel-Drummers und der rhythmischen Sprache des Hip-Hop. Vor allem aber spielt er mit einer unglaublichen Selbstverständlichkeit. Wenn er hinter seinem Drumset sitzt, wirkt es nicht so, als würde er „gleichzeitig noch Schlagzeug spielen“. Es wirkt vielmehr so, als wären Gesang, Bewegung und Schlagzeug für ihn ein einziger musikalischer Ausdruck. Und vielleicht ist genau das sein größtes Talent. Anderson .Paak hat das Schlagzeug nicht benutzt, um sich vom Rest der Band abzuheben. Er hat es benutzt, um seine gesamte musikalische Identität zusammenzuhalten.

Vom zwölfjährigen Jungen, der eher zufällig am Schlagzeug landete, über den Kirchenmusiker und Tour-Drummer bis hin zum Grammy-prämierten Weltstar zieht sich deshalb ein roter Faden durch seine Karriere:
Der Groove war immer zuerst da. Und Anderson .Paak hat gelernt, ihn überall hin mitzunehmen.

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Die Wurzeln liegen in der Kirche

Um Gospel Chops zu verstehen, muss man zunächst einen Schritt zurückgehen. Die Wurzeln liegen im zeitgenössischen afroamerikanischen Gospel-Drumming, insbesondere in Kirchen in den USA. Dort entwickelte sich über Jahrzehnte eine sehr eigenständige Schlagzeugkultur. Der Drummer hat in vielen dieser musikalischen Situationen eine besondere Aufgabe: Er begleitet nicht einfach ein feststehendes Arrangement, sondern reagiert unmittelbar auf Sänger, Chor, Band und häufig auch auf den Verlauf des Gottesdienstes. Musik kann spontan verlängert werden, ein Sänger kann eine Phrase wiederholen oder ein musikalischer Abschnitt kann plötzlich in eine andere Dynamik wechseln. Der Schlagzeuger muss zuhören, reagieren und gleichzeitig den Groove halten.

Genau diese Umgebung wurde für viele spätere Gospel- und R&B-Schlagzeuger zu einer enorm wichtigen Schule. Eine wissenschaftliche Untersuchung zur Entwicklung des zeitgenössischen Gospel-Drummings beschreibt die Kirche entsprechend als einen prägenden Ausbildungsort, an dem Drummer neben technischen Fähigkeiten vor allem musikalische Anpassungsfähigkeit entwickelten.

Dabei ist wichtig: Gospel Chops sind nicht plötzlich Anfang der 2000er entstanden. Die technischen und musikalischen Grundlagen reichen deutlich weiter zurück. Neu war vor allem die enorme Sichtbarkeit, die diese Spielweise durch Videos, DVDs und später das Internet bekam.

Von der Kirche ins Internet

Eine entscheidende Rolle spielte dabei die Plattform GospelChops. Gerald Forrest gründete die Website 2004 mit dem Ziel, Gospel-Musiker und ihre Musik stärker sichtbar zu machen. Aus dieser Plattform entwickelte sich eine Bewegung, die die bis dahin vor allem innerhalb der Kirchen bekannte Spielweise einem weltweiten Schlagzeugpublikum zugänglich machte. Besonders wichtig waren die sogenannten „Shed Sessionz“. In diesen Videos trafen sich herausragende Drummer zu gemeinsamen Sessions und zeigten, was technisch und musikalisch möglich war. Die erste Ausgabe präsentierte unter anderem Tony Royster Jr. und Thomas Pridgen und wurde zu einem großen Erfolg in der Schlagzeugwelt. Damit bekamen Gospel Chops einen Namen und ein Gesicht. Was zuvor eine spezielle Spielkultur innerhalb der Gospel-Szene gewesen war, wurde nun von Schlagzeugern auf der ganzen Welt analysiert, nachgespielt und weiterentwickelt.

Die Drummer hinter dem Sound

Wenn man über Gospel Chops spricht, kommt man an einigen Namen kaum vorbei.

Gerald Heyward gilt als einer der wichtigen Wegbereiter des modernen Gospel- und R&B-Drummings. Sein kraftvoller, aggressiver und gleichzeitig musikalischer Ansatz prägte eine ganze Generation. Besonders charakteristisch ist die Verbindung aus einem extrem starken Groove, markanten Akzenten und komplexen Fills.

Eric Moore wurde international vor allem durch seine extrem schnelle und technisch anspruchsvolle Spielweise bekannt. Er war einer der Drummer, deren Videos dazu beitrugen, die Ästhetik der Gospel Chops einem breiten Publikum zu vermitteln.

Tony Royster Jr. wiederum verband technische Virtuosität mit einem hohen Maß an Showmanship und musikalischer Präzision. Seine Auftritte und die „Shed Sessionz“ machten ihn zu einem der bekanntesten Gesichter der Bewegung. Sein Gospel-beeinflusstes Vokabular fand schließlich auch seinen Weg in Pop- und Hip-Hop-Produktionen.
Auch Aaron Spears, Brian Frasier-Moore, Larnell Lewis und viele weitere Drummer haben Gospel-Drumming und seine technischen Konzepte in ihre eigene Sprache integriert. Viele von ihnen haben ihre musikalische Ausbildung in der Kirche begonnen. Dabei sollte man Gospel Chops allerdings nicht auf einzelne Stars reduzieren. Die eigentliche Entwicklung entstand aus einer großen Community von Musikern, die diese Spielweise über Jahre innerhalb der Gospel-Szene weitergegeben und verändert haben.

Wie klingen Gospel Chops eigentlich?

Die vielleicht einfachste Antwort lautet: extrem dicht, dynamisch und überraschend.
Typisch sind schnelle Figuren, bei denen Hände und Füße miteinander kombiniert werden. Ein Fill kann beispielsweise mit der Snare beginnen, auf die Toms wandern, durch eine Bassdrum-Note unterbrochen werden und anschließend mit einem Akzent auf dem Crash enden. All das innerhalb eines einzigen Taktes. Dabei geht es aber nicht ausschließlich um Geschwindigkeit. Ein wichtiges Merkmal ist die Linearität. Bei einem linearen Pattern werden die einzelnen Schläge so verteilt, dass nicht mehrere Gliedmaßen gleichzeitig spielen. Statt beispielsweise einen klassischen Snare-Bassdrum-Unisono-Schlag zu spielen, wandern die Noten nacheinander durch Hände und Füße. Das erzeugt diesen sehr flüssigen, beinahe „perlenden“ Eindruck.

Dazu kommen Akzentverschiebungen, Rudiments, Ghost Notes, Double Strokes, Paradiddles, Flams, Hertas und ungewöhnliche Gruppierungen. Viele dieser Elemente sind für sich genommen keineswegs neu. Das Besondere liegt vielmehr darin, wie sie miteinander kombiniert und über das gesamte Drumset verteilt werden.
Ein weiterer wichtiger Bestandteil ist das Spiel mit Dynamik. Ein Gospel-Fill besteht nicht zwangsläufig aus einer Wand gleich lauter Schläge. Gerade der Wechsel zwischen leisen Ghost Notes und extrem kräftigen Akzenten sorgt für den charakteristischen musikalischen Effekt.

Und schließlich spielt der Groove eine entscheidende Rolle. Ein Gospel-Chops-Fill funktioniert nicht deshalb gut, weil möglichst viele Noten darin vorkommen. Er funktioniert, wenn er rhythmisch präzise sitzt und musikalisch auf den Groove reagiert.

Was bringt mir das als Schlagzeuger?

Gospel Chops zu lernen, hat einen großen Vorteil: Sie erweitern das technische und rhythmische Vokabular.
Wer sich mit solchen Figuren beschäftigt, trainiert unter anderem:

• Hand-Fuß-Koordination
• Unabhängigkeit der Gliedmaßen
• Geschwindigkeit und Kontrolle
• Dynamik
• Akzentuierung
• Rudiment-Anwendung am gesamten Drumset
• rhythmische Präzision
• lineares Spiel
• Flüssigkeit bei Fill-ins

Besonders interessant ist, dass viele dieser Fähigkeiten nicht auf Gospel-Musik beschränkt sind. Ein gut kontrolliertes lineares Fill kann genauso gut in Funk, Pop, R&B, Fusion oder sogar Rock funktionieren.
Gospel Chops können außerdem dabei helfen, aus dem klassischen Denken in „einem Fill pro Takt“ auszubrechen. Statt eine vorgefertigte Phrase abzuspulen, lernt man, kleine rhythmische Bausteine miteinander zu verbinden und spontan über das Set zu bewegen. Das macht die Technik auch für Improvisation interessant.

Aber: Gospel Chops sind mehr als „möglichst viele Noten“ Gerade hier liegt eine Gefahr. Wer zum ersten Mal spektakuläre Gospel-Fills sieht, könnte den Eindruck bekommen, es gehe hauptsächlich darum, möglichst schnell und möglichst kompliziert zu spielen. Genau das wäre jedoch eine sehr oberflächliche Betrachtung. Die technische Seite ist nur ein Teil des Konzepts. Die eigentliche Stärke des Gospel-Drummings liegt in der Verbindung von Technik und musikalischer Reaktion. Ein Fill muss einen musikalischen Sinn ergeben. Er muss zum Sänger, zum Groove und zur Dynamik der Band passen.

Aaron Spears hat den Begriff „Gospel Chops“ deshalb selbst eher als Ausdrucksmittel verstanden und nicht als festgelegten Stil oder eine bestimmte Spielweise. Das ist ein wichtiger Punkt: Gospel Chops sind kein Wettbewerb darum, wer die meisten Schläge in eine Sekunde bekommt.

Wie werden Gospel Chops notiert?

Auf dem Papier sehen Gospel Chops zunächst gar nicht so spektakulär aus. Grundsätzlich werden sie mit ganz normaler Schlagzeugnotation notiert.
Die Herausforderung liegt vielmehr in der rhythmischen Genauigkeit und der Zuordnung der einzelnen Instrumente.
Eine typische Figur kann beispielsweise aus einer Kombination von Snare, Toms, Hi-Hat und Bassdrum bestehen. Zusätzlich können Akzente und Ghost Notes markiert werden. Bei komplizierteren Figuren kommen Triolen, Sechzehntel, Sextolen oder noch feinere Unterteilungen zum Einsatz.

Besonders hilfreich ist es, bei anspruchsvollen Figuren zusätzlich die Sticking-Angaben zu notieren. Also beispielsweise:

R L R L R F L F

oder

R L K R K L R L

Dabei stehen R und L für rechte und linke Hand, K beziehungsweise F für den Fuß. So wird sichtbar, welche Bewegung hinter der Notenfolge steckt. Zwei rhythmisch identische Figuren können nämlich völlig unterschiedlich gespielt werden, wenn man das Sticking verändert. Auch die lineare Spielweise lässt sich in der Notation gut erkennen: Die einzelnen Instrumente werden nacheinander notiert, anstatt dass mehrere Stimmen gleichzeitig erklingen.

Für eine Lernnotation kann es deshalb sinnvoll sein, drei Informationen gleichzeitig zu betrachten:

Rhythmus – Instrument – Sticking

Hat man diese drei Ebenen verstanden, wird aus einem zunächst völlig verrückt aussehenden Gospel-Fill plötzlich eine nachvollziehbare Abfolge von Bewegungen. Vom „Chop“ zur eigenen Sprache.

Das vielleicht größte Missverständnis besteht darin, Gospel Chops mit bestimmten Licks gleichzusetzen. Natürlich gibt es unzählige typische Patterns, die man lernen kann. Wer aber nur bekannte Licks auswendig lernt, besitzt am Ende eine Sammlung von Phrasen und noch keine eigene musikalische Sprache. Sinnvoller ist es, die dahinterliegenden Konzepte zu verstehen. Was passiert, wenn ich einen Paradiddle über Snare und Toms verteile, oder ich eine Bassdrum in die Figur integriere? Was passiert, wenn ich einen Akzent verschiebe, oder ich aus einer Sechzehntel-Figur eine Sextolenfigur mache? Und wie verändert sich der musikalische Effekt, wenn ich die gleiche Figur leise oder mit extremen Akzenten spiele? Genau an diesem Punkt werden Gospel Chops interessant: Aus einzelnen Übungen werden Bausteine für die eigene Sprache.

Fazit

Gospel Chops sind weit mehr als spektakuläre Drumfills. Ihre Wurzeln liegen im zeitgenössischen Gospel-Drumming afroamerikanischer Kirchen, wo Schlagzeuger über Jahrzehnte ein extrem reaktionsschnelles, dynamisches und technisch anspruchsvolles Vokabular entwickelten. Durch Drummer wie Gerald Heyward, Eric Moore, Tony Royster Jr. und Aaron Spears sowie durch Plattformen wie GospelChops wurde diese Spielweise schließlich weltweit bekannt. Technisch verbinden Gospel Chops unter anderem Rudiments, lineares Spiel, Hand-Fuß-Koordination, Akzentverschiebungen und dynamische Kontrolle. Für Schlagzeuger sind sie deshalb ein hervorragendes Werkzeug, um das eigene Vokabular zu erweitern. Aber vielleicht ist die wichtigste Erkenntnis eine andere: Gospel Chops sind nicht deshalb interessant, weil sie kompliziert sind, sondern weil sie zeigen, wie Technik zu musikalischem Ausdruck werden kann.

Wer sich darauf einlässt, sollte deshalb nicht nur versuchen, möglichst schnelle Licks zu lernen. Viel spannender ist es, die dahinterliegenden Konzepte zu verstehen und daraus irgendwann seine ganz eigenen „Chops“ zu entwickeln.

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Auch abseits seiner Social-Media-Kanäle hat sich in den vergangenen Monaten einiges getan. El Estepario Siberiano konzentriert sich verstärkt im vergangenen auf seine Solo-Projekte, Clinics und internationale Festivalauftritte. Erst vor rund zehn Tagen stand er beim Meinl Drum Festival auf der Bühne und begeisterte dort das Publikum mit seiner beeindruckenden Technik und seinem unverwechselbaren Stil. Gleichzeitig trennte er sich von dem spanischen Schlagzeug Hersteller Varus und setzt mittlerweile auf Pearl Drums. Somit spielt er mit einem Pearl Masters Maple Pure als auch einem Professional Maple Drumset, zwei hochwertige Sets, die seinen kraftvollen und zugleich extrem dynamischen Sound perfekt unterstützen.

Doch welches Equipment gehört eigentlich sonst noch zu seinem persönlichen Setup? Wir werfen einen Blick auf fünf der wichtigsten Komponenten seines Equipments.

Signature Drumsticks

Die Signature Drumsticks von El Estepario Siberiano wurden speziell auf seine außergewöhnliche Spielweise abgestimmt. Sie orientieren sich zwar an einer klassischen 5A-Größe, bieten jedoch einige entscheidende Anpassungen. Besonders auffällig ist die verlängerte Bauform, die zusätzliche Reichweite ermöglicht und gleichzeitig eine hohe Hebelwirkung erzeugt. Trotz ihrer Robustheit bleiben die Sticks angenehm ausgewogen und reagieren sehr direkt. Der spezielle Acorn-Tip sorgt für einen klaren Beckensound sowie eine präzise Ansprache auf Trommeln und Cymbals. Dank der hochwertigen Hickory-Konstruktion halten sie auch intensiven Sessions problemlos stand, was ein wichtiger Faktor bei einem Drummer, der seine Sticks regelmäßig an ihre Belastungsgrenze bringt, ist.

Meinl Signature Cajon

Nicht nur am Drumset beeindruckt El Estepario Siberiano mit seiner Technik. Auch auf der Cajon zeigt er außergewöhnliche Virtuosität. Seine Signature Cajon von Meinl wurde genau für diesen vielseitigen Einsatz entwickelt. Der Korpus ist auf der Basis von einem Artisan Cajon aufgebaut, besteht aus hochwertigem Baltic Birch und liefert einen kräftigen Bassbereich mit gleichzeitig prägnanten Slaps. Besonders flexibel macht sie das zweifach verstellbare Snare-System, das unterschiedliche Klangcharaktere ermöglicht. Die große Spielfläche bietet viel Dynamik und spricht sowohl bei feinen Ghost Notes als auch bei kraftvollen Schlägen hervorragend an. Damit eignet sich die Cajon sowohl für Akustik-Gigs als auch für moderne Percussion-Performances.

Pearl Sensitone Heritage Alloy Black/Brass Snare

Ein zentraler Bestandteil seines Drumsets ist die Pearl Sensitone Black Brass Snare. Der Messingkessel liefert genau die Mischung aus Druck, Wärme und brillanter Projektion, die perfekt zu El Esteparios explosivem Spiel passt. Rimshots entwickeln enorme Durchsetzungskraft, während Ghost Notes klar und sensibel wiedergegeben werden. Die schwarze Oberfläche verleiht der Snare zusätzlich einen modernen Look, ohne vom eigentlichen Highlight abzulenken: ihrem außergewöhnlich vielseitigen Sound. Egal ob Rock, Metal, Funk oder Fusion. Diese Snare fühlt sich nahezu überall zuhause.

Pearl Demon Drive Doppelpedal P-3002D

Wer El Estepario Siberiano einmal beim Spielen beobachtet hat, weiß, dass seine Fußtechnik genauso spektakulär ist wie sein Handspiel. Das Pearl Demon Drive Doppelpedal P-3002D gehört deshalb zu den wichtigsten Bausteinen seines Setups. Durch seinen Direct-Drive-Antrieb reagiert das Pedal extrem direkt und nahezu ohne Verzögerung. Umfangreiche Einstellmöglichkeiten erlauben eine individuelle Anpassung von Übersetzung, Beaterwinkel und Trittplattenposition. Das Ergebnis ist eine außergewöhnlich schnelle und präzise Ansprache. Ideale Voraussetzungen für die extremen Geschwindigkeiten und die beeindruckende Kontrolle, für die El Estepario weltweit bekannt ist.

Meinl 20″ Byzance Traditional Extra Thin Hammered Crash

Für seine dynamischen Akzente setzt El Estepario unter anderem auf sein absolutes Lieblingsbecken: Das Meinl 20″ Byzance Traditional Extra Thin Hammered Crash. Durch die aufwendige Hämmerung besitzt das Becken eine besonders schnelle Ansprache und entwickelt einen warmen, musikalischen Klang mit komplexen Obertönen. Trotz seiner Größe spricht es bereits bei geringer Anschlagstärke sehr leicht an und öffnet sich sofort mit einem breiten, rauschenden Sound. Gleichzeitig klingt es kontrolliert aus und eignet sich dadurch sowohl für kraftvolle Akzente als auch für feinste dynamische Nuancen. Gerade diese Vielseitigkeit macht es zu einer idealen Ergänzung seines modernen Drumsets.

Fazit

Die Auswahl seines Equipments zeigt deutlich, dass El Estepario Siberiano großen Wert auf Qualität, Präzision und Vielseitigkeit legt. Vom blitzschnellen Demon Drive Pedal über die charakterstarke Sensitone Black Brass Snare bis hin zu den fein abgestimmten Signature Sticks und den musikalischen Meinl Cymbals. Jedes einzelne Produkt erfüllt höchste Ansprüche und trägt zu seinem beeindruckenden Sound bei.

Dennoch sollte man nicht vergessen: Das Equipment allein macht keinen außergewöhnlichen Drummer. Die eigentliche Magie entsteht durch jahrelanges Üben, musikalisches Verständnis und eine ganz persönliche Spielweise. Genau das macht El Estepario Siberiano so einzigartig. Hochwertiges Gear kann die eigene Performance unterstützen, den Spielkomfort erhöhen und jede Menge Inspiration liefern. Den entscheidenden Unterschied macht am Ende aber immer der Musiker hinter dem Schlagzeug.

Foto: Pearl

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Ein Instrument mit vielen Namen

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Vom Nischeninstrument zum Social-Media-Hype

Warum der Hype so gut funktionierte

• Das Instrument ist günstig und leicht erhältlich.
• Es passt in jede Tasche.
• Die Grundidee ist sofort verständlich.
• Die Spieltechnik wirkt spektakulär.
• Kurze Performances funktionieren perfekt in sozialen Medien.
• Anfänger können schnell Fortschritte zeigen.

Wo begegnet man Thelevis heute?

• Percussion-Workshops
• Rhythmus-Trainings
• Weltmusik-Ensembles
• Akustischen Bands
• Drum-Camps und Musikschulen
• Social-Media-Content von Drummern

Fazit

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Fazit

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Der Headliner, den kein Drummer verpassen sollte

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Der Geheimtipp für Drum-Nerds

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Die Redaktion empfiehlt:

Wenn man als Schlagzeuger nur fünf Konzerte sehen könnte, wäre die Reihenfolge:

Fazit

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Keine Kopien, sondern eigenständige Soundentwicklung

Der Anspruch hinter dem neuen Paket war von Beginn an klar definiert: keine recycelten Standard-Samples und keine bekannten Library-Sounds unter neuem Namen. Stattdessen basiert das komplette Soundpack auf eigens produzierten und aufgenommenen Samples. Als Grundlage dienten hochwertige Aufnahmen eines Yamaha Studio Custom sowie eines DW Collectors Kits. Ergänzt wurden diese durch Cymbal-Sounds verschiedener Zildjian- und Paiste-Serien. Die Rohaufnahmen wurden anschließend in aufwendiger Detailarbeit elektronisch bearbeitet, geschnitten, komprimiert und mit analogen sowie digitalen Effekten veredelt. Das Ergebnis sind keine simplen Retro-Kopien, sondern moderne, eigenständige Sounds mit klarer Inspiration durch Klassiker wie die Roland TR-808, TR-909 oder die legendäre LinnDrum. Das Paket kommt mit 8 kompletten Kits und insgesamt 156 One Shot Samples bestehend aus Cabasas, Claps, Cowbells, Congas, Jingels, Kicks, Snares, Shaker, Rimshots und ein paar experimentellen Sounds, mit denen man sehr coole Rythmen und Effekte erzeugen kann.

Elektronischer Charakter statt natürlicher Dynamik

Während klassische Drum-Sample-Packs oft versuchen, möglichst viel Natürlichkeit und Dynamik einzufangen, verfolgt dieses Soundpack bewusst einen anderen Ansatz. Die stärksten One-Shots wurden gezielt stark komprimiert und gekürzt, um den typischen konstanten und druckvollen Charakter klassischer Drum Machines zu erzeugen. Pitch-Shifting, Reverb- und Delay-Effekte sowie gezielte Klangfärbungen sorgen dafür, dass die Kits bereits „ready to use“ aus dem Modul kommen. Viele Presets erinnern dabei unmittelbar an ikonische Produktionen aus Synthwave, Pop, Funk, Electronic oder modernem Retrowave. Besonders interessant: Trotz des klar elektronischen Fokus bleibt genügend Spielraum für eigene Anpassungen im Modul. Dadurch lassen sich die Sounds sowohl subtil in moderne Produktionen integrieren als auch kompromisslos retro einsetzen.

Für wen lohnt sich das Soundpack?

Das Soundpack richtet sich exklusiv an Nutzer der Fame Hybrid Pro und Hybrid Pro XT Module. Besitzer der Module können den Download direkt über die Produktseite des Herstellers beziehen und über die Import Funktion, des kostenlosen Editor Programms auf das Modul übertragen werden. Die Einsatzmöglichkeiten sind dabei erstaunlich vielseitig. Cover-Drummer erhalten schnell zugängliche Sounds für authentische 80s- und 90s-Produktionen, Produzenten profitieren von sofort einsetzbaren elektronischen Drumkits und Live-Drummer erweitern ihr Soundrepertoire deutlich über klassische Akustik-Emulationen hinaus. Gerade in Genres wie Synthpop, Electronic, Dance, Funk oder modernem Pop können die neuen Kits ihre Stärken voll ausspielen.

Fazit

Mit dem neuen 80s/90s Soundpack verlässt Fame bewusst den klassischen Weg vieler E-Drum-Erweiterungen. Statt möglichst realistischer Schlagzeug-Simulationen steht hier Charakter, Direktheit und musikalischer Wiedererkennungswert im Vordergrund. Besonders positiv fällt auf, dass Fame nicht auf bereits bekannte Samples zurückgreift, sondern eine eigenständige Soundbasis geschaffen hat. Die Kombination aus hochwertigen Akustik-Aufnahmen und konsequenter elektronischer Nachbearbeitung sorgt für moderne Kits mit starkem Retro-Charme. Für Nutzer der Fame Hybrid Pro Serie ist das Soundpack deshalb weit mehr als nur eine weitere Preset-Erweiterung. Es ist eine kreative Klangbibliothek für alle, die elektronische Drum-Sounds mit direktem Spielgefühl kombinieren möchten.

Hier könnt ihr euch anhand der drei Demo-Tracks selbst einen Eindruck vom Soundpack verschaffen.

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Vollausstattung für Anfänger

Das fünfteilige Drumset besteht aus einer 20″x16″ Bass Drum, zwei Rack Toms, einem 14″ Floor Tom sowie einer 14″x5,5″ Holzsnare. Hinzu kommen ein Hardware-Paket inklusive Hi-Hat-Ständer, Pedal, Hocker sowie ein simples Cymbal-Setup mit 14″ Hi-Hat und 18″ Crash-Ride. Selbst Drumsticks liegen bereits bei. Gerade für Anfänger oder Eltern, die ihrem Kind den Einstieg ins Schlagzeugspielen ermöglichen möchten, ist dieser Komplettansatz attraktiv: Auspacken, aufbauen, losspielen.

Überraschend solide Verarbeitung

Natürlich darf man in dieser Preisklasse keine Profi-Hardware erwarten. Dennoch hinterlässt das Fame First Step auf den ersten Blick einen ordentlichen Eindruck. Die Aluminium-Böckchen sorgen nicht nur für eine moderne Optik, sondern reduzieren auch das Gewicht des Kits. Allerdings sind sie weniger massiv und lassen auch im Punkt Stabilität etwas Luft nach oben. Die Doppelstrebige Stative und rutschfeste Gummifüße hingegen erhöhen zusätzlich die Standfestigkeit. Positiv fällt außerdem auf, dass Fame eine Holzsnare mit anbietet, was in diesem Preisbereich keineswegs selbstverständlich ist. Während viele Billigsets auf harsche Metallsnares setzen, liefert die Holzsnare einen wärmeren und kontrollierteren Grundsound.

Klang: Erwartbar einfach, aber brauchbar

Klanglich bewegt sich das Set klar im Anfängersegment. Die Mischholz-Kessel erzeugen einen ausgewogenen Grundsound mit akzeptablem Sustain und ausreichend Bassanteil. Das vorgedämpfte Bassdrum-Fell hilft dabei, einen kontrollierten Kick-Sound zu erzeugen, ohne dass Einsteiger sofort zusätzliche Dämpfung benötigen. Die mitgelieferten Becken erfüllen ihren Zweck als Übungsbecken, wirken klanglich jedoch recht limitiert. Für erste Unterrichtsstunden oder das heimische Üben reicht das Setup vollkommen aus. Ambitionierte Spieler werden hier allerdings früher oder später upgraden wollen. Das ist aber problemlos umsetzbar. Ich würde hier einen Beckensatz von Paiste (beispielsweise aus der 101 Serie) und Satz Felle aus der Remo Encore Serie (beispielsweise Pinstripe) zu einem kleinen Aufpreis empfehlen. Dieses Upgrade lohnt sich auch direkt am Anfang, finde ich.

Zielgruppe klar definiert

Das Fame First Step richtet sich eindeutig nicht an Fortgeschrittene oder Recording-Enthusiasten. Seine Stärke liegt vielmehr darin, möglichst unkompliziert den Zugang zum Instrument zu ermöglichen. Gerade Musikschulen, Jugendzentren oder Eltern profitieren davon, dass wirklich alles im Paket enthalten ist. Laut Hersteller ist das Set sogar robust genug für den dauerhaften Einsatz im Unterrichtsbetrieb. Interessant: Beim Kauf erhalten Käufer zusätzlich einen kostenlosen Zugang zu „Drumstown Premium“, einer Online-Lernplattform für Schlagzeuger.

Fazit

Das Fame FS20B First Step Studio Set Black ist kein Drumset, das mit Boutique-Sounds oder High-End-Komponenten glänzen möchte. Stattdessen erfüllt es seinen Zweck als günstiges Rundum-sorglos-Paket erstaunlich ordentlich. Verarbeitung, Lieferumfang und Spielbarkeit gehen für diese Preisklasse absolut in Ordnung. Wer ein erstes Schlagzeug für Zuhause sucht, bekommt hier ein sofort spielbereites Komplettset mit fairer Ausstattung und sinnvoller Anfängerorientierung. Klangliche Grenzen und einfache Becken muss man in diesem Preisbereich allerdings akzeptieren.

Für den Einstieg ins Drumming ist das Fame First Step dennoch ein bemerkenswert attraktives Angebot.

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