Acoustic Drums NEWS & STORIES

Legendäre Songs, die mit der Ludwig Supraphonic Snare recordet wurden (Teil 1)

Juni 24, 2026

Phil Collins – In the Air Tonight

Kein Drum-Fill der Popgeschichte ist so bekannt wie der große Einsatz in „In the Air Tonight“. Der Song baut sich lange auf, bleibt körperlos und lebt zunächst von Atmosphäre, Stimme und Spannung. Wenn die Drums schließlich einsetzen, ist es das Highlight des Songs.

Der Snare-Sound ist groß, trocken und stark vom Studio geprägt. Gated Reverb, Kompression und Raumanteil prägen die Snare-Schläge. Die Supraphonic liefert den hellen Attack und die klare Ansprache, die ein solcher Sound braucht. Der eigentliche Charakter entsteht zwar durch Produktion und Effektbearbeitung, aber die Grundlage muss stimmen.

Bei „In the Air Tonight“ hört man, warum eine gute Studio-Snare auf den Punkt reagieren und genug Ton liefern muss, damit Produzenten daraus einen unverwechselbaren Sound formen. Die Supraphonic ist für solche Situationen gemacht.

Green Day – American Idiot

„American Idiot“ ist ein gutes Beispiel für modernen Punkrock mit Radiosound. Tré Cool spielt den Song druckvoll und mit viel Energie. Die Snare sitzt weit vorne im Mix und treibt den Song gemeinsam mit den Gitarren nach vorne.

Der Sound ist fett, trocken und sehr kontrolliert. Es geht um einen Backbeat, der funktioniert. Das Stück zeigt, warum Snares aus dem Ludwig-Umfeld im Rockstudio so beliebt sind. Sie bringen Attack, Körper und Präsenz mit, ohne im Mix zu verschwimmen.

Auch wenn bei „American Idiot“ nicht immer eindeutig eine Supraphonic genannt wird, ist es überliefert, dass der Song mit der Snare recordet wurde. Jedenfalls passt der Sound sehr gut zu dem, was man mit einer LM402 erreichen kann. Tiefere Stimmung, etwas Dämpfung, kräftiger Anschlag und schon entsteht dieser große Rock-Crack, der zwischen Gitarrenwänden bestehen kann.

Queens of the Stone Age – No One Knows

„No One Knows“ lebt von Dave Grohls präzisem und druckvollem Spiel. Der Groove ist nicht kompliziert, aber die Ausführung macht ihn besonders. Jede Kick, jeder Akzent und jeder Snare-Schlag sitzen so kontrolliert, dass der Song gleichzeitig schwer und tanzbar wirkt.

Die Snare klingt trocken, kurz und aggressiv. Sie hat wenig Raumklang und eine direkte Studio-Präsenz. In einem Song mit viel Gitarrenmasse braucht die Snare kein langes Sustain.

Eine Supraphonic kann diesen Charakter liefern. Mit kontrollierter Dämpfung, mittlerer bis tiefer Stimmung und hartem Anschlag entsteht ein Sound, der sich perfekt in so einen Mix setzt. „No One Knows“ zeigt die rockige Seite dieses Snare-Typs.

Tame Impala – Lost in Yesterday

„Lost in Yesterday“ zeigt eine andere Seite moderner Drum-Produktion. Der Song klingt t nach einem stark geformten, retro-futuristischen Pop-Sound. Die Drums sind tight, trocken und grooven wie ein Loop, obwohl sie organisch wirken.

Die Snare ist kompakt und klar platziert. Sie sitzt im Zentrum des Grooves, lässt aber Synths, Bass und Vocals genug Platz. Eine Supraphonic klingt grundsätzlich offen und lebendi, lässt sich aber mit Dämpfung in einen trockenen Studioton bringen.

Bei „Lost in Yesterday“ geht es nicht um Konsistenz. Jeder Schlag sitzt gleichmäßig und schiebt den Song nach vorne. Das ist eine Qualität, die man bei der Supraphonic oft unterschätzt. Sie ist laut, aber eben auch reduziert, trocken und poptauglich.

Der Beitrag Legendäre Songs, die mit der Ludwig Supraphonic Snare recordet wurden (Teil 2) erschien zuerst auf Drums & Percussion.

Berman, der Q Drum Co. gegründet hatte, starb im Januar 2023 an Magenkrebs. Seitdem stehen sich Rubin und Bermans frühere Partnerin Brandi Booth in einer rechtlichen Auseinandersetzung gegenüber, die inzwischen vor kalifornischen Gerichten ausgetragen wird.

Streit um Besitzrechte und Firmenkontrolle

Q Drum Co. gehörte seit Jahren zu den spannendsten Namen im Boutique–Drumbau. Die Marke stand für eigenständige Kesselkonstruktionen, markante Designs und Custom-Drums, die vor allem in der Alternative-, Indie- und Rockszene einen guten Ruf genießen.

Der aktuelle Rechtsstreit dreht sich um die Frage, wer nach Bermans Tod rechtmäßig Kontrolle über das Unternehmen hatte. Booth macht geltend, sie sei über den Nachlass zur Nachfolgerin von Bermans Unternehmensanteil geworden. Laut ihrer Darstellung soll Rubin diese Position nicht anerkannt haben.

In ihrer Gegenklage wirft Booth Rubin unter anderem Verletzung treuhänderischer Pflichten, Betrug und zivile Verschwörung vor. Außerdem geht es um Firmenvermögen, Finanzunterlagen, mögliche Markenrechte und weitere Vermögenswerte des Unternehmens.

Wichtig ist dabei: Es handelt sich bislang um Vorwürfe in einem laufenden Verfahren. Eine gerichtliche Entscheidung über die inhaltlichen Anschuldigungen liegt nicht vor.

Sieh dir diesen Beitrag auf Instagram an

Ein Beitrag geteilt von Q Drum Co (@qdrumco)

Rubin äußert sich zur Auseinandersetzung

Ilan Rubin hat sich inzwischen öffentlich zu dem Fall geäußert und die Vorwürfe gegen ihn zurückgewiesen. In einer Erklärung betonte er seine lange persönliche und geschäftliche Verbindung zu Jeremy Berman.

„Ich kannte Jeremy seit etwa 32 Jahren und wir waren in den letzten 10 Jahren gemeinsam im Geschäft“.

Nach seiner Darstellung habe er zunächst über Monate versucht, die Angelegenheit privat zu klären. Erst nachdem diese Versuche gescheitert seien, habe er sich gezwungen gesehen, den Konflikt öffentlich zu machen. Rubin sagte sinngemäß, dass ihm nach fast sechs Monaten privater Bemühungen keine andere Option geblieben sei, als die Angelegenheit in den sozialen Medien öffentlich zu machen.

Auch den Vorwurf, er habe finanziell von der Situation profitiert, weist Rubin zurück.

„Ich habe über die Jahre Geld in Q investiert, ich habe nie auch nur einen Cent herausgezogen“,

erklärte der Drummer.

Damit stehen sich zwei sehr unterschiedliche Darstellungen gegenüber. Booth sieht sich als rechtmäßige Vertreterin von Bermans Interessen und erhebt schwere Vorwürfe gegen Rubin. Rubin wiederum stellt sich als langjähriger Geschäftspartner dar, der das Unternehmen mitgetragen und nach Bermans Tod versucht habe, eine private Lösung zu finden.

Auch Rubin hatte zuvor geklagt

Der Fall ist nicht einseitig entstanden. Bereits zuvor hatten Rubin, Elitist Enterprises Inc. und Q Drum Co. Klage gegen Booth eingereicht. Darin wurden Booth unter anderem Betrug, unerlaubte Aneignung, unlauterer Wettbewerb und die Störung wirtschaftlicher Geschäftsbeziehungen vorgeworfen.

Außerdem geht es um die Frage, ob Booth die ursprüngliche Q Drum Co. beendet und später eine neue Gesellschaft mit gleichem Namen gegründet haben soll. Auch dieser Punkt ist Teil der juristischen Auseinandersetzung und bislang nicht abschließend geklärt.

Damit geht es in dem Verfahren nicht nur um persönliche Vorwürfe, sondern um zentrale Fragen des Unternehmensrechts: Wer durfte nach Bermans Tod über Q Drum Co. entscheiden? Wem gehören Vermögenswerte, Markenrechte und Geschäftsunterlagen? Und wer war berechtigt, die Zukunft der Firma zu bestimmen?

Ilan Rubin: Neuer Foo-Fighters-Drummer

Für viele Rockfans ist Ilan Rubin aktuell vor allem als neuer Drummer der Foo Fighters präsent. Zuvor war er vor allem durch seine Arbeit mit Nine Inch Nails, Paramore, Angels & Airwaves und Danny Elfman bekannt geworden.

Rubinist ein technisch starker und vielseitiger Schlagzeuger, der weit mehr kann als klassisches Rock-Drumming. Seine Karriere begann außergewöhnlich früh. Als Mitglied von Nine Inch Nails wurde er in die Rock & Roll Hall of Fame aufgenommen und gehört damit zu den jüngeren Musikern, die diese Auszeichnung erhalten haben.

Ein Fall mit vielen offenen Fragen

Der Rechtsstreit zeigt, wie kompliziert die Nachfolge in kleinen Musikunternehmen werden kann. Gerade im Boutique-Bereich sind Firmen oft eng mit einzelnen Personen verbunden. Wenn Besitzverhältnisse, Nachlassfragen und operative Verantwortung nicht eindeutig geregelt sind, kann aus einem persönlichen Verlust schnell ein geschäftlicher und juristischer Konflikt entstehen.

Für Ilan Rubin kommt der Fall zu einem Zeitpunkt, an dem seine Rolle bei den Foo Fighters besonders im Fokus steht. Gleichzeitig bleibt festzuhalten: Die Vorwürfe gegen ihn sind bislang Anschuldigungen in einem laufenden Verfahren. Rubin selbst bestreitet die Darstellung und sagt, er habe über Jahre Geld in Q Drum Co. investiert, ohne daraus Gewinn gezogen zu haben.

D&P wird den Fall weiter beobachten, vor allem mit Blick auf Q Drum Co. und die Frage, wie es mit der Boutique-Marke weitergeht.

Foto: ©️https://zildjian.com/blogs/artist/ilan-rubin

Der Beitrag Rechtsstreit um Q Drum: Ilan Rubin weist Vorwürfe zurück erschien zuerst auf Drums & Percussion.

Acrylkessel klingen deutlich anders als klassische Holzkessel. Sie reagieren direkter, sind lauter und setzen sich im Bandgefüge sehr gut durch. Gleichzeitig fehlt ihnen die Wärme, die man etwa von Ahorn, Mahagoni oder Birke kennt.

Ich habe in den letzten Jahren einige Acrylsets gehört und gespielt. Mein Eindruck ist eindeutig: Es handelt sich um ein spannendes Instrument mit viel Charakter. Wer allerdings lediglich ein Allround-Set sucht, muss genau prüfen, ob Acryl wirklich zur eigenen Musik passt.

Was ist ein Acryl-Drumset?

Bei einem Acryl-Drumset bestehen die Kessel nicht aus Holz, sondern aus Acrylglas. Je nach Hersteller werden die Kessel aus gebogenem Acryl gefertigt oder nahtlos gegossen. Gerade die nahtlosen Varianten gelten als besonders hochwertig, weil keine sichtbare Verbindungsstelle vorhanden ist und die Kessel optisch sauber wirken.

Der auffälligste Unterschied zu einem Holzset ist natürlich die Optik. Acrylkessel sind transparent, rauchgrau, bernsteinfarben, blau, rot oder grün eingefärbt. In Verbindung mit Bühnenlicht entsteht ein Effekt, den ein klassisches Holzfinish nicht liefern kann. Besonders auf großen Bühnen, bei Videodrehs oder in Social-Media-Clips wirkt das sofort.

Technisch betrachtet ist Acryl allerdings sehr interessant. Die Kessel haben andere Schwingungseigenschaften als Holz. Dadurch entsteht ein Klangbild, das direkt, und fokussiert ist.

Der typische Acryl-Sound

Der Klang eines Acryl-Drumsets ist laut, direkt und attackreich. Die Toms sprechen schnell an, der Anschlag ist klar definiert und der Ton steht unmittelbar im Raum. Besonders bei mittleren und tieferen Stimmungen entsteht ein druckvoller, etwas glasiger Charakter, der sich gut durchsetzt.

Die Bassdrum ist einer der stärksten Plus-Punkte bei Acrylsets. Sie liefert viel Punch und Attack, was gerade in lauten Bands auf der Bühne sehr hilfreich ist. Mit klaren Fellen und etwas Dämpfung bekommt man einen modernen, druckvollen Bassdrum-Sound. Mit coated Fellen oder weniger Dämpfung lässt sich der Ton etwas runder gestalten, die Wärme eines Holzkessels erreicht man aber meist nicht.

Bei den Toms hängt viel von Stimmung und Fellwahl ab. Acryl-Toms können sehr offen und groß klingen, neigen aber bei unpassender Fellkombination auch zu präsenten Obertönen. Das ist nicht grundsätzlich negativ, erfordert aber etwas mehr Aufmerksamkeit beim Stimmen. Wer ein Acrylset einfach auspackt, schnell ein paar alte Felle aufzieht und erwartet, dass es sich wie ein Ahornset verhält, wird enttäuscht.

Was mir an guten Acrylsets gefällt, ist die Direktheit. Der Ton kommt sofort, setzt sich durch und verschwindet nicht im Bandsound. Gerade live ist das ein großer Vorteil.

Die Vorteile von Acryl-Drums

Der offensichtlichste Vorteil ist die Optik. Ein Acryl-Drumset sieht auf der Bühne einfach besonders aus. Unter Licht wirkt es wie ein eigenes Bühnenelement. Bei Rockshows, Tribute-Bands, Pop-Produktionen, Videodrehs oder modernen Live-Sessions ist das ein echter Pluspunkt.

Klanglich überzeugt Acryl durch Projektion. Die Drums wirken präsent, liefern viel Attack und setzen sich gut gegen laute Gitarren, Bass und Keyboards durch. Gerade in Rock, Punk, Alternative, Hard Rock und modernen Popproduktionen passt das sehr gut.

Ein weiterer Punkt ist die Ansprache. Gute Acrylkessel reagieren schnell und direkt. Natürlich hängt das auch stark von Fellen, Stimmung und Spielweise ab, aber der Grundcharakter ist klar: Acryl klingt nicht schüchtern.

Dazu kommt die Unempfindlichkeit gegenüber Luftfeuchtigkeit. Wer viel unterwegs ist, in wechselnden Räumen spielt oder sein Set öfter transportiert, profitiert davon. Das bedeutet nicht, dass Acryl unzerstörbar wäre. Im Gegenteil, Kratzer und Spannungsrisse sind ein Thema. Aber das Material reagiert nicht so stark auf Feuchtigkeitsschwankungen wie Holz.

Die Nachteile und Grenzen

So reizvoll Acrylsets sind, sie passen nicht zu jedem Drummer. Der größte klangliche Unterschied zu Holz liegt in der Wärme. Ein gutes Ahorn-, Mahagoni- oder Birken-Set hat eine organische Tiefe, die Acryl einfach nicht liefert. Acryl klingt direkter und weniger holzig. Es kann aber auch zu präsent wirken, wenn man eigentlich einen weichen, warmen und traditionellen Ton möchte.

Auch im Proberaum muss man aufpassen. In kleinen Räumen sind Acrylsets sehr dominant. Die Bassdrum schiebt ordentlich, die Toms springen einen förmlich an und die Trockenheit steht schnell im Raum. Mit der richtigen Fellwahl und etwas Dämpfung lässt sich das gut kontrollieren, aber ein Acrylset ist selten zurückhaltend.

Ein weiterer Punkt ist das Handling. Acrylkessel zeigen Fingerabdrücke, Staub und Kratzer schneller als folierte oder lackierte Holzkessel. Wer ein transparentes Set sauber halten möchte, muss es pflegen. Auch beim Transport sind gute Cases Pflicht. Eine Macke im Holzfinish kann manchmal noch charmant aussehen. Ein tiefer Kratzer im transparenten Acryl fällt sofort auf.

Für welche Musikstile eignet sich ein Acryl-Drumset?

Sehr gut passt Acryl zu Rock und Classic Rock in allen Formen. Hier muss ein Drumset laut und präsent klingen. Die Bassdrum liefert Druck, die Toms haben Attack und das gesamte Set wirkt optisch wie klanglich passend. Gerade in Verbindung mit offener Stimmung, etwas größeren Kesseln und kräftigem Spiel kommt dieser Charakter stark zur Geltung.

Auch Punk, Alternative und Indie Rock funktionieren sehr gut. Wenn der Drumsound direkt und energiegeladen sein soll, bringt Acryl die nötige Durchsetzung mit. Live ist das hilfreich, weil das Set auch ohne Mikrofonierung Präsenz besitzt.

Im Pop- und Showbereich ist die Optik ein starkes Argument. Ein transparentes oder farbiges Acrylset sieht auf Fotos, Videos und großen Bühnen hervorragend aus. Wenn dazu noch ein moderner Sound gefragt ist, ist Acryl die passende Wahl.

Weniger naheliegend ist Acryl für Jazz. Natürlich kann man auch ein Acrylset leise und musikalisch spielen. Das Material verbietet keine Stilistik. Aber wenn der Wunschklang weich, dunkel, erdig und dezent sein soll, führen Holzkessel schneller zum Ziel.

Acryl live

Live spielt Acryl seine Stärken besonders deutlich aus. Besonders bei Lichtshows wirkt ein Acrylset stärker als klassische Finishes. Rauchgraue, klare oder farbige Kessel bekommen unter LED-Licht eine Tiefe, die man mit Holz nicht nachstellen kann.

Auch klanglich ist Acryl live dankbar. Die Bassdrum liefert Punch, die Toms sprechen direkt an und das Set bleibt im Mix präsent. Für FOH-Techniker ist das angenehm, weil viel Attack und Definition bereits vom Instrument kommen. Natürlich muss man je nach Raum und Bandlautstärke kontrollieren, wie offen man die Toms stimmt und wie stark man dämpft.

Für Tourbands, Tribute-Projekte, Rockbands, Coverbands und Drummer, die auch visuell auffallen möchten, ist Acryl live eine tolle Option.

Worauf sollte man beim Kauf achten?

Bei Acrylsets ist die Verarbeitung besonders wichtig. Die Kessel sollten sauber gearbeitet sein, die Gratungen exakt verlaufen und die Bohrungen keine Spannungsrisse zeigen. Bei transparenten Kesseln sieht man schnell, ob sauber gearbeitet wurde. Auch die Hardware sollte solide montiert sein, denn Acryl reagiert empfindlicher auf unsaubere Spannungspunkte als Holzkessel.

Ein Blick auf die Kesselnaht lohnt sich ebenfalls. Bei gebogenen Acrylkesseln sollte die Verbindung sauber und stabil sein. Entscheidend ist nicht nur die Bauweise, sondern die gesamte Ausführung.

Die Fellwahl hat großen Einfluss auf den Sound. Klare Felle betonen Attack, Offenheit und Projektion. Coated Felle nehmen etwas Schärfe heraus und bringen mehr Kontrolle und Wärme. Vorgedämpfte Felle können sinnvoll sein, wenn das Set in kleinen Räumen zu dominant klingt oder im Studio schneller kontrollierbar sein soll. Bei der Bassdrum sind vorgedämpfte Felle oder ein kleines Kissen oft hilfreich, um den Druck zu bündeln.

Auch beim Transport sollte man nicht sparen. Gute Cases oder Bags mit ausreichender Polsterung sind Pflicht. Acryl sieht stark aus, aber es zeigt Gebrauchsspuren deutlicher als viele andere Materialien. Wer sein Set viel transportiert, sollte also nicht nur den Anschaffungspreis des Drumsets, sondern auch passende Transportlösungen einplanen.

Für wen lohnt sich ein Acryl-Drumset?

Ein Acryl-Drumset lohnt sich für Alle, die einen auffälligen Look, viel Projektion und einen direkten Sound suchen. Besonders Rockdrummer, Live-Drummer, Showbands, Tribute-Bands und Content-orientierte Musiker profitieren von den Stärken dieses Materials. Wer regelmäßig auf Bühnen spielt, Videos produziert oder ein Set sucht, das optisch sofort auffällt, bekommt mit Acryl ein starkes Werkzeug.

Auch als Zweitset kann Acryl sehr sinnvoll sein. Wer bereits ein klassisches Holzset besitzt und eine klanglich wie optisch andere Farbe sucht, erweitert mit Acryl seine Möglichkeiten deutlich. Es ist kein Set, das alles können muss. Es ist ein Set mit eigener Aufgabe.

Weniger geeignet ist Acryl für Drummer, die ein möglichst neutrales, warmes und universelles Set suchen. Wer viel Jazz, Singer-Songwriter, leise Akustikmusik oder traditionelle Studiosounds spielt, wird mit Holz wahrscheinlich glücklicher. Auch wer seine Drums gerne sehr dezent im Hintergrund sieht, sollte sich fragen, ob ein transparentes Set wirklich zum eigenen Auftritt passt.

Meine persönliche Einschätzung ist klar: Acryl lohnt sich dann, wenn man genau diesen Charakter will. Nicht als Kompromiss, nicht nur wegen der Optik, sondern als bewusst gewählte Alternative zu Holz. Dann bekommt man ein Drumset, das Spaß macht, sich durchsetzt und auf der Bühne einen starken Eindruck hinterlässt.

Auch interessant:

Für wen lohnt sich ein Acryl-Drumset?

Acryl-Drumsets erzeugen auf den ersten Blick Aufmerksamkeit. Transparente oder eingefärbte Kessel haben eine starke Wirkung [...]

> WEITERLESEN

Legendäre Songs, die mit der Ludwig Supraphonic Snare recordet wurden (Teil 1)

Die Ludwig Supraphonic gilt nicht ohne Grund als eine der meistverwendeten Recording-Snares überhaupt. Ich persönlich [...]

> WEITERLESEN

Günstige Marken-Snare im Direktvergleich: Gretsch, Tama oder Mapex?

Die Snare ist im Drumset nicht einfach nur eine Trommel. Sie ist der Mittelpunkt des [...]

> WEITERLESEN

DAS günstigste Schlagzeug im Test – Fame First Step

Mit dem „First Step Studio Set Black“ bietet die Hausmarke Fame ein komplettes Schlagzeugpaket für [...]

> WEITERLESEN

Slingerland Gene Krupa Radio King Snare: Die Rückkehr einer Ikone

Es gibt Namen, die im Schlagzeugkosmos nicht einfach nur historisch wichtig sind. Sie stehen für [...]

> WEITERLESEN

Rush: Drei Drummer, drei Epochen, ein gewaltiger Mythos

John Rutsey war der rohe Motor der Anfangstage, Neil Peart wurde zur unsterblichen Prog-Ikone – [...]

> WEITERLESEN

Klein, aber nicht kleinlaut: Fünf kompakte Drumsets im Vergleich

Die Schlagzeugwelt wird leiser, zumindest auf den ersten Blick. Wer sich aktuell auf Bühnen, in [...]

> WEITERLESEN

Pearl Miguel Lamas Snare: Herausragende Optik und clevere Features

Mit der neuen MM6C1455S/B-ML Masters 14″x5,5″ Miguel Lamas Signature erweitert Pearl seine Masters-Serie um ein [...]

> WEITERLESEN

Erstes Drumset kaufen: Diese Fehler solltest du vermeiden

Das erste eigene Drumset kaufen ist ein großer Schritt. Endlich nicht mehr nur auf dem [...]

> WEITERLESEN

SONOR MOMENTUM: Produktmanager Jannis im Video-Interview

Wenn SONOR eine neue Made in Germany Serie vorstellt, hört die Drumwelt genauer hin. Kaum [...]

> WEITERLESEN

Die drei besten Samplepads für Dein Hybrid-Setup

In der heutigen Musik sind Samplepads in hybriden Setups nicht mehr wegzudenken. Ob in der [...]

> WEITERLESEN

Die besten Drumsets für Anfänger unter 500 Euro

Schlagzeug für Anfänger unter 500 Euro: Die 5 besten Komplettsets! Wer ein Drumset für Anfänger [...]

> WEITERLESEN

Europe Drum Show: Wie Steve Jordan zeigt, worauf es als Drummer wirklich ankommt

Steve Jordan auf der Europe Drum Show: Ein minimales Setup, zwei Beats und eine Lektion [...]

> WEITERLESEN

Praxistest: Slingerland Radio King Set inklusive Radio King Artist Snaredrum (Mit Audio)

In diesem Test werden wir das neue Slingerland Radio King Set inklusive Artist Snaredrum unter [...]

> WEITERLESEN

Ratgeber: Welche Bassdrum Größe passt zu deinem Stil?

Die Bassdrum ist das Fundament deines Sets. Mit dem Durchmesser legst du fest, wie tief [...]

> WEITERLESEN

Zu Besuch bei Sonor: So wird die neue Sonor MOMENTUM Serie gebaut (Mit Video)

In der 150-jährigen Geschichte der Marke Sonor steht das Jahr 2025 sinnbildlich für das, was [...]

> WEITERLESEN

Gretsch in Türkis? Diese limitierte Renown Maple Special Edition könnte schnell weg sein

Mit der Gretsch Renown Maple Special Edition in Turquoise Sparkle bringt Gretsch eine Sonderauflage, die [...]

> WEITERLESEN

Snare Ikonen: Die Horst Link Signature Snare von Sonor

Wenn Sonor-Nerds von der „Horst Link“ sprechen, meinen sie meist nicht einfach irgendeine alte Signature-Snare, [...]

> WEITERLESEN

Drei Acryl-Drumsets im Vergleich: Ludwig, DW und Fame

Ein Acryl Drumset ist ein visuelles Highlight auf jeder Bühne – aber sie klingen auch [...]

> WEITERLESEN

Pearl Primal Snare Collective: Das hat es mit den neuen Snares auf sich!

Bereits zur NAMM 2026 nutzte Pearl das eigene 80. Firmenjubiläum nicht nur für große Gesten, [...]

> WEITERLESEN

Neuer DW Showroom in London eröffnet

London – Drum Workshop (DW) baut seine Präsenz in Großbritannien deutlich aus und eröffnet erstmals [...]

> WEITERLESEN

Praxistest: Slingerland Radio King Snare und Studio King Set (mit Audio)

Slingerland ist zurück! Die 1912 von H.H. Slingerland gegründete Slingerland Drum Company ist eine legendäre [...]

> WEITERLESEN

Test: Gretsch USA Custom Snare 14″x8″ Satin Natural

Eine 14″x8″ Snare ist für mich immer ein kleiner Reality-Check: Wenn eine Trommel in der [...]

> WEITERLESEN

Neue Slingerland Fertigung – Besuch im DW Werk in Oxnard/Kalifornien  

Die 1912 von H.H. Slingerland gegründete amerikanische Schlagzeugmarke Slingerland Drum Company ist bekanntermaßen eine Legende, [...]

> WEITERLESEN

Ludwig Copper BLK Hammered Snare 14″ x 6,5″ – Was können wir erwarten?

Often imitated, never duplicated – kaum ein Hersteller verkörpert diesen Leitspruch so konsequent wie Ludwig. [...]

> WEITERLESEN

Moderner Drum-Sound: Mit diesen Tricks klingt dein Drumset wieder zeitgemäß

Ich kenne das: Im Proberaum klingt das Set eigentlich fett, aber sobald die Band loslegt, [...]

> WEITERLESEN

TAMA stellt neue Mike Portnoy Signature Snare vor: Limited Edition 2026

Mit Mike Portnoy und seiner Rückkehr zu Dream Theater im Herbst 2023 rückte nicht nur [...]

> WEITERLESEN

Tama Acoustic Drums News 2026 im Vorab-Check

Ich war vor kurzem in Gutenstetten und habe mir die Tama News für 2026 aus [...]

> WEITERLESEN

Meinl Cymbals News 2026: Erste Eindrücke aus dem Headquarter

Für die Meinl Cymbal News 2026 war ich zu Gast im Headquarter von Meinl Cymbals [...]

> WEITERLESEN

Die Top 5 Neuerscheinungen 2025: Diese Drum-Highlights haben uns wirklich überzeugt

2025 war bisher ein starkes Jahr für die Drummer-Szene. Selten hatte ich das Gefühl, dass [...]

> WEITERLESEN

Clevere Drum Upgrades mit kleinem Budget: So holst du das Maximum aus deinem Schlagzeug

Vielleicht kennst du das Gefühl: Man sitzt am Set, ist eigentlich zufrieden, aber irgendetwas fehlt. [...]

> WEITERLESEN

d&p Praxistest: Fame Fortress und Crystallica Shellkits (Mit Klangbeispielen)

In diesem Praxistest geht es um die beiden Schlagzeug Neuerscheinungen mit Namen Fortress und Crystallica [...]

> WEITERLESEN

Das meistverkaufte Drumset der Welt – Das ist neu beim Pearl Export

Es gibt Drumsets, die kommen und gehen – und es gibt das Pearl Export. Seit [...]

> WEITERLESEN

Top 3 Signature Snares im Vergleich: Benny Greb, Joey Jordison und Carl Palmer

Signature-Snares sind immer ein bisschen wie Charakterstudien: Man hört nicht nur Holz oder Metall, sondern [...]

> WEITERLESEN

El Estepario Siberiano: Darum der Neustart bei Pearl

Jorge Garrido alias El Estepario Siberiano zieht weiter: In seinem Ankündigungsvideo erklärt er den Wechsel [...]

> WEITERLESEN

Welche Snare klingt BESSER? Der große Holz vs. Metall-Vergleich

Von außen unscheinbar, im Klang unverwechselbar: Die Snare ist das Herzstück des Schlagzeugs. Ihr Ton [...]

> WEITERLESEN

Meinl Byzance Polyphonic Brilliant im Test

Sie funkeln und sind perfekt poliert, doch unter dem brillanten Finish schlägt das Herz der [...]

> WEITERLESEN

UK Drum Show 2025: Was zeichnet die Mapex Saturn 6 Serie aus?

Mapex hat auf der UK Drum Show in Liverpool die nächste Generation seines Klassikers präsentiert: [...]

> WEITERLESEN

SONOR MOMENTUM: Was ihr über die neue Made-in-Germany-Serie wissen müsst

Zur UK Drum Show 2025 stellt SONOR eine neue Schlagzeugserie vor, die für das Unternehmen [...]

> WEITERLESEN

Premier Resonator im Live-Check: Was taugt das Vintage-Set heute noch?

Neulich war ich bei der Band Alles auf Zucker im Westerwald. Ehrlicher Hard-Rock mit viel [...]

> WEITERLESEN

DW 2025, die nächste Runde: DW SonicPly Shells (Part 1)

Kürzlich habe ich den Hersteller Drum Workshop (DW) und Drum Development Mastermind John Good in [...]

> WEITERLESEN

Top 3 Aluminium-Snares im Vergleich: Ludwig, Tama und Sonor

Aluminium Snares feiern ihr Comeback. Lange galten sie als antiquiert, inzwischen sind sie wieder mitten [...]

> WEITERLESEN

Tama, Pearl und Yamaha: Mittelklasse-Drumsets im Vergleich

Pearl Decade Maple, Tama Superstar Classic und Yamaha Stage Custom Die Mittelklasse ist für mich [...]

> WEITERLESEN

Zum 150. Jubiläum: Limitierte Craftsmen’s Collection von Sonor

Der deutsche Traditionshersteller SONOR bringt mit der neuen Craftsmen’s Collection ein Drum Set auf den [...]

> WEITERLESEN

Der Sound entscheidet: Snarefell Topseller im Vergleich

Ob im Proberaum, auf der Bühne oder im Studio – für Schlagzeuger ist die Snare [...]

> WEITERLESEN

Test: Gretsch Catalina Maple CM2-E627 Lemon Sparkle

Erweiterte Ausstattung, frischer Look: Gretsch Catalina Maple für Fortgeschrittene Mit der aktualisierten CM2-E627 Serie bringt [...]

> WEITERLESEN

News: Fame bringt Kinder-Marching-Drums im Tabaluga-Design

Kindgerechtes Trommeln mit Charakter – Bass Drum & Snare für die musikalische Früherziehung Mit der [...]

> WEITERLESEN

Neu bei Gretsch: Full Range Snares in Birke & Hybridbauweise

Klassisches Design trifft moderne Klangvielfalt – Gretsch präsentiert zwei neue Varianten der Full Range Snares.  [...]

> WEITERLESEN

Profi-Sound für kleines Geld: Top 5 Snares unter 400 EURO

Die Snaredrum ist das Herzstück des Drumsets – sie bestimmt den Charakter des Grooves, verleiht [...]

> WEITERLESEN

Tutorial: Snare Drum richtig stimmen

D u willst deine Snare Drum richtig stimmen? Es gibt diesen Moment: Du setzt den [...]

> WEITERLESEN

Der Beitrag Für wen lohnt sich ein Acryl-Drumset? erschien zuerst auf Drums & Percussion.

Der unterschätzte Mittelpunkt deines Drumsets

Kein anderes Hardware-Teil am Schlagzeug wird so stark belastet wie der Drumhocker. Während Stative lediglich Instrumente tragen, muss dein Sitz permanent Gewicht, dynamische Bewegungen und starke Hebelkräfte aufnehmen – und das möglichst ohne jede Instabilität. Ein hochwertiger Drumhocker bleibt auch bei intensiven Sessions absolut standfest. Er darf weder wackeln noch nachgeben und sollte dich in keiner Spielweise einschränken. Je stabiler deine Basis ist, desto entspannter arbeitet dein Körper – und desto mehr Energie kannst du ins eigentliche Spiel investieren.

Stabilität beginnt beim Unterbau

Der klassische Drumhocker besteht aus einem Dreibein und einer darauf montierten Sitzfläche. Klingt simpel, doch genau hier liegen die größten Qualitätsunterschiede.

Doppelstrebig statt Kompromisse

Für erwachsene Drummer führt praktisch kein Weg an einem doppelstrebigen Dreibein vorbei. Es bietet deutlich mehr Stabilität und hält auch jahrelanger Belastung im Proberaum oder auf Tour stand. Einstrebige Modelle eignen sich höchstens für kleine Kinder oder sehr leichte Übungssets. Wer ernsthaft Schlagzeug spielt, sollte hier keine Kompromisse eingehen. Einige Hersteller bieten außerdem Vierbein-Konstruktionen an. Diese können bei sehr schweren Drummern zusätzliche Stabilität bieten, reagieren auf unebenen Bühnenböden allerdings empfindlicher und können leichter kippeln. Ein hochwertiges, breit stehendes Dreibein bleibt deshalb meist die bessere Wahl.

Die richtige Höhenverstellung macht den Unterschied

Die optimale Sitzhöhe ist entscheidend für Technik und Ergonomie. Knie- und Hüftwinkel beeinflussen unmittelbar deine Bewegungsfreiheit an Bassdrum und Hi-Hat. Grundsätzlich haben sich drei Systeme etabliert.

Höhenverstellung mit Raster

Die günstigste Variante arbeitet mit festen Höhenstufen und einem Sicherungsbolzen. Das Problem: Deine ideale Sitzhöhe liegt oft genau zwischen zwei Rastpositionen. Hinzu kommt, dass sich Bohrungen und Schrauben mit der Zeit ausschlagen können. Das Ergebnis sind Spiel, Wackeln und eine zunehmend instabile Sitzposition. Gerade Einsteiger sollten deshalb nicht automatisch zum günstigsten Modell greifen. Wer von Anfang an ergonomisch sitzt, entwickelt sauberere Bewegungsabläufe und vermeidet unnötige Fehlhaltungen.

Gewindespindel – der Klassiker

Viele professionelle Drumhocker setzen auf eine massive Drehspindel. Durch Drehen der Sitzfläche lässt sich die Höhe stufenlos einstellen und anschließend fixieren. Dieses System gilt als besonders langlebig und zuverlässig. Wichtig ist allerdings, dass sowohl Gewinde als auch Klemmmechanismus großzügig dimensioniert sind. Sind diese Bauteile zu klein ausgelegt, entsteht auch hier mit der Zeit Spiel.

Gasdruckfeder für maximalen Komfort

Hydraulische Modelle funktionieren ähnlich wie hochwertige Bürostühle: Ein Hebel entriegelt die Gasdruckfeder, die gewünschte Höhe wird eingestellt und anschließend wieder fixiert. Das funktioniert äußerst komfortabel und schnell. Sollte die Gasdruckfeder jedoch einmal ausfallen, lässt sich der Hocker nicht mehr nutzen, bis das Bauteil ersetzt wurde. Eine klassische Gewindespindel ist in dieser Hinsicht robuster und einfacher zu warten.

Rund oder Sattel? Die passende Sitzfläche finden

Bei der Sitzform gibt es kein allgemeingültiges „besser“. Vielmehr entscheidet dein Körpergefühl.

Runde Sitzflächen

Der Klassiker bietet viel Bewegungsfreiheit und eignet sich für die meisten Spielstile. Entscheidend ist vor allem der Durchmesser. Zu große Sitze können die Beinbewegung an Bassdrum und Hi-Hat einschränken. Außerdem spielt die Polsterung eine wichtige Rolle: Zu weich bedeutet mangelnde Stabilität, zu hart wird auf längeren Sessions unangenehm. Ideal ist eine straffe Polsterung, die den Körper trägt, ohne dass man tief einsinkt.

Sattelsitze

Sattelförmige Drumhocker erfreuen sich seit Jahren wachsender Beliebtheit. Durch die Aussparungen im vorderen Bereich erhalten die Beine mehr Bewegungsfreiheit. Gleichzeitig verteilt sich das Körpergewicht großflächiger. Besonders Drummer mit kräftiger Statur oder langen Sessions profitieren häufig von dieser Bauform. Letztlich entscheidet aber der persönliche Eindruck. Wer die Möglichkeit hat, sollte beide Varianten unbedingt ausprobieren.

Rückenlehne – sinnvoll oder überflüssig?

Einige Premium-Modelle bieten optional eine Rückenstütze. Dabei handelt es sich nicht um eine klassische Stuhllehne, sondern vielmehr um eine Unterstützung im unteren Rückenbereich. Sie kann auf längeren Proben oder Studio-Sessions angenehm entlasten. Allerdings ersetzt sie keine gesunde Sitzhaltung. Wer sich dauerhaft gegen die Lehne fallen lässt, verändert seinen Körperschwerpunkt und belastet die Muskulatur unnötig. Deshalb gilt: Erst den passenden Drumhocker auswählen – die Rückenlehne bleibt optionales Zubehör.

Qualität zahlt sich aus

Ein Drumhocker muss über Jahre hinweg enormen Belastungen standhalten. Sobald einzelne Bauteile Spiel bekommen oder der Sitz instabil wird, muss dein Körper permanent gegenarbeiten – oft unbewusst. Das kostet nicht nur Kraft, sondern kann langfristig zu Verspannungen oder Rückenproblemen führen. Gleichzeitig leidet das Spielgefühl, weil Balance und Bewegungsabläufe ständig korrigiert werden müssen. Ein hochwertiger Drumhocker begleitet dich dagegen über viele Jahre – im Proberaum ebenso wie auf Tour oder im Studio.

Fazit: Der wichtigste Kauf nach dem Schlagzeug

Der Drumhocker gehört zu den am meisten unterschätzten Investitionen eines Schlagzeugers. Dabei beeinflusst kaum ein anderes Hardware-Teil Komfort, Technik und Gesundheit so unmittelbar. Achte auf eine stabile doppelstrebige Konstruktion, eine hochwertige Höhenverstellung und eine Sitzfläche, die zu deinem Körper passt. Ob rund oder Sattel, mit oder ohne Rückenlehne, bleibt am Ende Geschmackssache – entscheidend ist die Qualität der gesamten Konstruktion. Denn ein neues Becken kann den Sound verbessern. Ein guter Drumhocker verbessert dagegen dein gesamtes Spiel – und sorgt dafür, dass du auch nach stundenlangen Sessions noch entspannt hinter dem Set sitzt.

Der Beitrag Drumhocker-Guide: Wie der Sitz deine Gesundheit beeinflusst! erschien zuerst auf Drums & Percussion.

Für diesen Vergleich habe ich mir drei günstige Doppelpedale genauer angeschaut, die alle in einem ähnlichen Einsatzbereich unterwegs sind, aber sehr unterschiedlich an die Sache herangehen: Das Tama HP30TW, das Pearl P-532 und das Fame DFP4003. Alle drei richten sich klar an Einsteiger und Schüler. Im Detail zeigen sich deutliche Unterschiede bei Stabilität, Spielgefühl, Einstellbarkeit und Langzeitperspektive.

Tama HP30TW Doppelpedal

Das Tama HP30TW ist auf den ersten Blick klar als Einsteigermodell positioniert, bringt aber einige Gene mit, die man aus höheren Tama-Serien kennt. Besonders das Power Glide Kettenblatt fällt auf, dessen Form an die Iron Cobra Serie angelehnt ist. Dadurch wirkt die Kraftübertragung direkter und etwas kräftiger, als man es bei einem einfachen Budget-Pedal zunächst erwarten würde.

Das Pedal arbeitet mit einer Einfachkette, die Beater- und Trittplattenwinkel lassen sich einstellen, zudem kommt der Tama DS30 Beater zum Einsatz. Dieser bietet zwei Anschlagflächen, nämlich Filz für einen weicheren  Sound und Kunststoff für mehr Attack und Durchsetzung. Das ist in dieser Preisklasse sehr praktisch, weil man das Pedal sowohl am Akustikset als auch am E-Drum flexibel einsetzen kann.

Im Spielgefühl zeigt sich das Tama HP30TW angenehm leichtgängig und unkompliziert. Wer gerade erst mit Double-Bass-Spiel beginnt, bekommt hier ein Pedal, das nicht überfordert und schnell einsatzbereit ist. Die Kraftübertragung ist flüssig, die Kardanwelle macht einen robusten Eindruck und die Grundabstimmung passt gut zu klassischen Anwendungen im moderaten Tempo.

Allerdings merkt man auch recht schnell, wo Tama den Rotstift angesetzt hat. Das Pedal besitzt am Main-Pedal keine durchgehende Bodenplatte, sondern setzt auf Metallbügel. Das spart Gewicht und Kosten, bringt aber bei kräftigerem Spiel weniger Ruhe in die Konstruktion. Gerade wenn man schneller wird oder viel mit dem linken Fuß arbeitet, fühlt sich das Main-Pedal nicht ganz so satt und stabil an wie bei teureren Modellen. Auch die Einfachkette ist für den Einstieg vollkommen in Ordnung, kommt aber bei direkter Ansprache, Belastbarkeit und Langlebigkeit nicht an einen Doppelkettenantrieb heran.

Meine persönliche Einschätzung: Das Tama HP30TW ist ein sehr ordentliches Einstiegspedal für alle, die Double-Bass-Spiel ausprobieren möchten, ohne direkt viel Geld auszugeben. Es wirkt durchdacht, leicht zugänglich und erstaunlich leichtgängig. Wer aber schon weiß, dass er täglich üben, höhere Tempi spielen oder dauerhaft auf Double-Bass setzen will, wird vermutlich früher oder später mehr Stabilität und Reserven vermissen.

Pearl P-532 Doppelpedal

Das Pearl P-532 geht die Sache etwas erwachsener an. Schon beim ersten Kontakt wirkt das Pedal robuster und professioneller als man es in dieser Preisklasse erwarten würde. Der wichtigste Punkt ist der Doppelkettenantrieb. Während viele günstige Doppelpedale mit einer Einfachkette arbeiten, sorgt Pearl hier für eine stabilere, und kraftvollere Kraftübertragung.

Die Ausstattung ist für ein Einsteiger- bis Budget-Pedal umfangreich. Die Federspannung ist einstellbar, die Beater-Winkel lassen sich stufenlos justieren, die Kardanwelle ist in der Länge verstellbar und das Slave-Pedal besitzt ebenfalls eine solide Bodenplatte. Dazu kommen rutschfeste Trittplatten, Two Surface Duo-Beater mit Filz- und Kunststoffseite sowie eine seitlich justierbare Hoop Clamp, die das Montieren an der Bassdrum angenehm vereinfacht. Man muss nicht umständlich unter das Pedal greifen wie beim Tama, sondern kann die Klemmung bequem von der Seite bedienen. Das ist ein kleines Detail, das im Alltag mehr Freude macht, als man zunächst denkt.

Beim Spielen fällt vor allem auf, dass das P-532 sehr ausgewogen wirkt. Das linke Pedal fühlt sich direkt an und kommt dem Hauptpedal näher, als man es bei vielen günstigen Doppelpedalen erlebt. Natürlich ist das keine High-End-Fußmaschine, aber der Unterschied zu sehr einfachen Einsteigermodellen ist spürbar. Gerade für fortgeschrittene Anfänger ist das wichtig, weil ein schwammiges Pedal schnell dazu führt, dass man technische Fehler entwickelt oder unnötig viel Kraft aufwendet.

Die Trittplatten bieten genug Platz für unterschiedliche Fußtechniken. Heel-up, Heel-down und auch erste Heel-Toe-Versuche funktionieren kontrolliert. Die rutschfeste Oberfläche gibt guten Halt, ohne sich zu aggressiv anzufühlen. Der Duo-Beater ist ebenfalls sinnvoll gewählt, denn mit Filz bekommt man einen traditionelleren Bassdrum-Sound, während die Kunststoffseite mehr Attack liefert. Das macht das Pedal für Akustikdrums, E-Drums und stilistisch unterschiedliche Anwendungen flexibel.

Ganz ohne Kritik kommt aber auch das Pearl nicht davon. Das Hauptpedal besitzt auch keine massive Bodenplatte, sondern wird über klassische Haltestangen stabilisiert. Im normalen Spielbetrieb ist das kein echtes Problem, bei sehr hohen Geschwindigkeiten und kräftigem Pedaltritt kann es aber etwas weniger massiv wirken als Doppelpedale mit zwei durchgehenden Bodenplatten. Auch bei der Feinjustierung merkt man, dass man sich noch nicht in der Profi-Liga befindet. Wer Haupt- und Slave-Pedal absolut identisch ausbalancieren möchte, braucht Geduld und stößt an Grenzen. Hier bieten teurere Pearl-Serien wie die Eliminator-Modelle natürlich deutlich mehr Möglichkeiten.

Trotzdem ist das P-532 für mich das überzeugendste Pedal in diesem Vergleich. Es bietet den besten Kompromiss aus Stabilität, Spielgefühl, Ausstattung und Preis. Man hat nicht das Gefühl, ein reines Übergangsprodukt unter den Füßen zu haben, sondern ein Doppelpedal, mit dem man ernsthaft üben, im Proberaum arbeiten und auch kleinere Gigs spielen kann.

Fame DFP4003 Doppelpedal

Das Fame DFP4003 ist das günstigste Pedal im Vergleich und damit natürlich besonders interessant für absolute Einsteiger. Wer einfach nur wissen möchte, ob Double-Bass-Spiel überhaupt etwas für ihn ist, bekommt hier für sehr wenig Geld ein vollwertiges Doppelpedal mit kompletter Ausstattung.

Besonders positiv fällt auf, dass beide Pedale massive Bodenplatten besitzen. Das ist in dieser Preisklasse keine Selbstverständlichkeit und sorgt dafür, dass das DFP4003 auf Teppich stabil steht. Zusammen mit den herausdrehbaren Spikes rutscht das Pedal nicht weg. Auch der Doppelkettenantrieb ist ein starkes Argument, denn er verspricht grundsätzlich eine stabilere Kraftübertragung als eine einfache Kette.

Ein weiteres Plus sind die mitgelieferten Quad-Beater. Diese bieten vier verschiedene Anschlagflächen mit unterschiedlichen Filz- und Kunststoffseiten. Dadurch lässt sich der Bassdrum-Sound schnell verändern, von weicherem Anschlag bis zu aggressiverem Attack. Praktisch ist außerdem, dass sich das Set bei Bedarf in zwei Einzelpedale zerlegen lässt.

In der Praxis zeigt sich aber auch, warum das Fame DFP4003 preislich so niedrig liegt. Das Spielgefühl ist schwerer und träger als bei Tama und Pearl. Die Mechanik läuft nicht so frei, wie man es sich bei schnellen, gleichmäßigen Double-Bass-Figuren wünschen würde. Besonders das linke Pedal fühlt sich nicht ganz so direkt an, was unter anderem an der einfacheren Kardanwelle liegt. Die Gelenke haben etwas mehr Spiel, wodurch am linken Fuß eine minimale Verzögerung entstehen kann.

Auch die Justierung erfordert Geduld. Federspannung und Beater-Winkel lassen sich einstellen, aber nicht so geschmeidig und präzise wie bei den anderen Kandidaten. Wer beide Pedale wirklich gleichmäßig abstimmen möchte, muss sich Zeit nehmen und Kompromisse akzeptieren. Für gelegentliches Üben, einfache Double-Bass-Grooves oder den Einsatz am E-Drum ist das vollkommen okay. Bei täglichem, kraftvollem Spiel oder höheren Tempi merkt man aber, dass Lager, Gewinde und Gelenke nicht für dauerhaft harte Beanspruchung gebaut sind.

Meine Meinung: Das Fame DFP4003 ist das klassische „besser haben als nicht haben“-Pedal. Für den Preis bekommt man erstaunlich viel Hardware, zwei Bodenplatten, Doppelketten und variable Beater. Wer nur gelegentlich spielt oder mit sehr kleinem Budget startet, kann damit erste Erfahrungen sammeln. Wer aber wirklich sauber und langfristig Doppelfußtechnik aufbauen möchte, sollte etwas mehr investieren.

Direktvergleich Einsteiger-Doppelpedal

Das Tama HP30TW punktet mit einfacher Bedienung, gutem Grundgefühl und typischem Tama-Charakter. Es spielt sich leicht und unkompliziert, wirkt aber durch die fehlenden Bodenplatten und die Einfachkette nicht ganz so stabil wie die Konkurrenz. Für den ersten Einstieg ist es absolut brauchbar, für ernsthaftes und dauerhaftes Double-Bass-Training aber eher die Zwischenlösung.

Das Fame DFP4003 bietet auf dem Papier extrem viel fürs Geld. Zwei Bodenplatten, Doppelkettenantrieb, Spikes und Quad-Beater sind in dieser Preisklasse stark. Im Spielgefühl kann es aber nicht ganz mithalten. Es wirkt träger, etwas hakeliger und weniger präzise. Der Preis ist unschlagbar, die Kompromisse sind dafür klar spürbar.

Das Pearl P-532 schafft den besten Mittelweg. Es ist stabiler und direkter als das Tama, läuft leichter und kontrollierter als das Fame und bietet mit Doppelkettenantrieb, gutem Slave-Pedal-Gefühl, Duo-Beatern und sinnvoller Einstellbarkeit die rundeste Ausstattung. Vor allem macht es den Eindruck, dass man damit nicht nur die ersten Schritte macht, sondern auch eine ganze Weile weiterarbeiten kann.

Testsieger: Pearl P-532

Mein Testsieger ist klar das Pearl P-532 Doppelpedal.

Nicht, weil es perfekt ist, sondern weil es in diesem Vergleich das ausgewogenste Gesamtpaket liefert. Es bietet genug Stabilität für ernsthaftes Üben, genug Direktheit für sauberes Double-Bass-Spiel und genug Ausstattung, um auch nach den ersten Wochen nicht direkt an Grenzen zu stoßen. Besonders der Doppelkettenantrieb und das vergleichsweise synchrone Spielgefühl zwischen Haupt- und Slave-Pedal machen in der Praxis den entscheidenden Unterschied.

Das Tama HP30TW ist eine gute Wahl für Drummer, die möglichst unkompliziert einsteigen möchten und Wert auf ein leichtes, solides Grundgefühl legen. Das Fame DFP4003 ist die Budget-Lösung für alle, die so günstig wie möglich starten wollen und bereit sind, bei Leichtläufigkeit und Feineinstellung Abstriche zu machen.

Wer aber ein Doppelpedal sucht, das nicht nur billig ist, sondern sich auch nach einem echten Werkzeug anfühlt, sollte zum Pearl P-532 greifen. Für Einsteiger, fortgeschrittene Anfänger, Proberaum, E-Drum und kleinere Gigs ist es in diesem Vergleich die überzeugendste Wahl.

Auch interessant:

Doppelpedal für Einsteiger gesucht: Tama, Pearl und Fame im Vergleich

Ein Doppelpedal ist für die allermeisten Drummer und Drummerinnen der erste Schritt ins fortgeschrittene Stadium. [...]

> WEITERLESEN

5A Drumsticks im Vergleich: Welcher Allrounder passt zu deinem Spiel?

Wenn es eine Stickgröße gibt, die man ohne Übertreibung als Standard der Schlagzeugwelt bezeichnen kann, [...]

> WEITERLESEN

Praxis Test: Sonor Momentum Series (inkl. Audio)

Die deutsche Schlagzeug Manufaktur Sonor hat eine lange Firmengeschichte in der Herstellung von Drums, Hardware [...]

> WEITERLESEN

Günstige Marken-Snare im Direktvergleich: Gretsch, Tama oder Mapex?

Die Snare ist im Drumset nicht einfach nur eine Trommel. Sie ist der Mittelpunkt des [...]

> WEITERLESEN

DAS günstigste Schlagzeug im Test – Fame First Step

Mit dem „First Step Studio Set Black“ bietet die Hausmarke Fame ein komplettes Schlagzeugpaket für [...]

> WEITERLESEN

Klein, aber nicht kleinlaut: Fünf kompakte Drumsets im Vergleich

Die Schlagzeugwelt wird leiser, zumindest auf den ersten Blick. Wer sich aktuell auf Bühnen, in [...]

> WEITERLESEN

Die drei besten Samplepads für Dein Hybrid-Setup

In der heutigen Musik sind Samplepads in hybriden Setups nicht mehr wegzudenken. Ob in der [...]

> WEITERLESEN

Testbericht: Meinl Waxed Sticks in 7A, 5A und 5B

Es gibt Sticks, die fühlen sich direkt vertraut an und es gibt Sticks, die mit [...]

> WEITERLESEN

Vier Metallsnares im Vergleichs-Test: Pearl Primal Snare in 14″x6,5″

Metallsnares gibt es wie Sand am Meer. Wirklich spannend wird es aber dann, wenn ein [...]

> WEITERLESEN

Praxistest: Slingerland Radio King Set inklusive Radio King Artist Snaredrum (Mit Audio)

In diesem Test werden wir das neue Slingerland Radio King Set inklusive Artist Snaredrum unter [...]

> WEITERLESEN

Drei professionelle Cymbal Sets im Vergleich: Zildjian, Sabian oder Meinl?

Wer sich im oberen Preisbereich nach einem Beckenset umsieht, kauft nicht mehr einfach nur ein [...]

> WEITERLESEN

Remo Encore vs. USA: Das Pinstripe im Direktvergleich

Die Pinstripe-Serie gehört seit Jahrzehnten zu den Klassikern unter den Tomfellen. Der Grund ist einfach: [...]

> WEITERLESEN

Praxistest: T-Cymbals T-Xtra Serie und T-Classic Serie

Unter der nicht gerade geringen Zahl der türkischen Beckenhersteller ist T-Cymbals ein noch wenig geläufiger [...]

> WEITERLESEN

Das beste Snare-Fell für Live-Konzerte? Remo Powerstroke 77 im Check

Snare-Felle sind für den Live-Sound eines Drumsets wichtiger, als man im Proberaum oft denkt. Im [...]

> WEITERLESEN

In-Ear Monitoring für Drummer: Drei Basic Set-Ups im Vergleich

Wer einmal ein wirklich gut funktionierendes In-Ear-Monitoring am Schlagzeug erlebt hat, will nur ungern wieder [...]

> WEITERLESEN

Drei Acryl-Drumsets im Vergleich: Ludwig, DW und Fame

Ein Acryl Drumset ist ein visuelles Highlight auf jeder Bühne – aber sie klingen auch [...]

> WEITERLESEN

Praxistest: Slingerland Radio King Snare und Studio King Set (mit Audio)

Slingerland ist zurück! Die 1912 von H.H. Slingerland gegründete Slingerland Drum Company ist eine legendäre [...]

> WEITERLESEN

Bassdrum-Patches von Fame im Test: Was taugt die günstige Alternative?

Bassdrum-Patches sind so ein typisches „kleines Teil mit großer Wirkung“. Sie schützen das Fell an [...]

> WEITERLESEN

Finde das richtige Bassdrum Fell für deinen Sound: Fünf Felle im Vergleich (Mit Video)

Die Bassdrum ist kein Nebendarsteller. Sie ist Fundament, Puls, Druckwelle. Sie entscheidet, ob ein Groove [...]

> WEITERLESEN

Test: Gretsch USA Custom Snare 14″x8″ Satin Natural

Eine 14″x8″ Snare ist für mich immer ein kleiner Reality-Check: Wenn eine Trommel in der [...]

> WEITERLESEN

Alle Fame B20 Beckensets im Vergleich

Die Fame B20-Beckenserien haben sich in den letzten Jahren einen festen Platz in der Szene [...]

> WEITERLESEN

Drum-Trigger im Test: Roland RT-30HR vs. Yamaha DT50S

Drum-Trigger sind aus modernen Hybrid-Setups kaum noch wegzudenken. Sie ermöglichen es, akustische Schlagzeuge mit elektronischen [...]

> WEITERLESEN

Drei Beckensets um 500 Euro im Vergleich: Wo steckt der beste Sound fürs Geld?

Ein Beckenset in dieser Preisklasse ist für viele der erste große Schritt weg von „Hauptsache [...]

> WEITERLESEN

Testbericht: Was können die neuen Fame Space Gel Obertondämpfer?

Obertondämpfer gehören inzwischen zur Grundausstattung vieler Drummer. Kaum ein Studio, Proberaum oder Live-Setup kommt ohne [...]

> WEITERLESEN

Fame Phantom Hardware – Leichtgewicht mit stabiler Performance

Mit der Phantom Hardware Serie positioniert sich FAME klar im modernen Hardware-Segment: leicht, stabil, tourtauglich [...]

> WEITERLESEN

Neue Pedale im Test – Fame Phantom Serie

Man denke, die Entwicklung der Schlagzeug Hardware ist maximal ausgereizt und kann nicht weiter neu [...]

> WEITERLESEN

Testbericht: Evans Pull Cord Drum Key – schneller stimmen ohne Akkuschrauber?

Stimmschlüssel gehören zu den unscheinbaren Werkzeugen, über die man im Alltag kaum nachdenkt – bis [...]

> WEITERLESEN

Neues Jahr – neue Gretsch Hardware

Der traditionelle US Drumhersteller Gretsch beginnt das neue Jahr mit der Vorstellung neuer Hardware. Es [...]

> WEITERLESEN

Neue Tama Spartan Beckenständer: Leichte Aluminium-Stative im Praxistest

Die Spartan-Serie besteht aus zwei Aluminium-Beckenständern: Dem geraden HC72S Straight Cymbal Stand und dem Galgenständer [...]

> WEITERLESEN

Beckenset für Einsteiger – Drei Topseller im Vergleich

Ein Beckenset für Einsteiger hat es nicht leicht. Sie müssen günstig sein, robust genug für [...]

> WEITERLESEN

Neue Fame Drumhocker: Der perfekte Sitz.

Ein Drumhocker sollte ein sicheres, stabiles und ausbalnciertes ’Sitz Gefühl’ verleihen und somit eine optimale [...]

> WEITERLESEN

Fünf Bassdrum-Beater im Vergleich (Mit Video)

Zwischen High-End-Fußmaschinen, wuchtigen Bassdrums und glitzernden Becken führt der Bassdrum-Beater ein unterschätztes Dasein. Ein kleiner [...]

> WEITERLESEN

Drumsticks aus Carbon oder Aluminium? Zwei Varianten im Vergleich mit Hickory-Sticks

Die meisten Drummer und Drummer:innen spielen nach wie vor mit klassischen Holzsticks – ich auch. [...]

> WEITERLESEN

Drei Drumhocker im Vergleich – Fame DS9000, Tama 1st Chair HT230 und Gibraltar 9608E

Ein guter Drumhocker entscheidet oft darüber, wie entspannt und gesund man spielen kann. In diesem [...]

> WEITERLESEN

Dr. Liston’s: Reiniger und Politur für Becken u. Drums im Test

Dr. Liston’s hat vier spezialisierte Pflegemittel für Drums und Becken im Sortiment. Die Basisreiniger – [...]

> WEITERLESEN

Meinl Artisan Cajon Tango Line im Test. Viel Instrument für wenig Geld?

Schon beim Auspacken der Meinl AETLLI Artisan Edition Cajon Tango Line Limba merkt man, dass [...]

> WEITERLESEN

d&p Praxistest: Fame Fortress und Crystallica Shellkits (Mit Klangbeispielen)

In diesem Praxistest geht es um die beiden Schlagzeug Neuerscheinungen mit Namen Fortress und Crystallica [...]

> WEITERLESEN

Fünf Snareteppiche im Vergleich! Wo ist der Unterschied? (Mit Video)

Der Snareteppich beeinflusst den Klang einer Snare Drum stärker, als viele vermuten. Die Anzahl der [...]

> WEITERLESEN

Test: Roland V31 – Was können die neuen Roland V-Drums?

Heute habe ich meinen ausführlichen Test mit drei Soundbeispielen von meinen Kit-Favoriten zum neuen Roland [...]

> WEITERLESEN

Evans EQ Pods Mini im Test – Sind das die besseren Moongels?

Dämpfungspads gehören für viele Drummer zur Grundausstattung, egal ob im Proberaum oder live. Seit Jahren [...]

> WEITERLESEN

Top 3 Signature Snares im Vergleich: Benny Greb, Joey Jordison und Carl Palmer

Signature-Snares sind immer ein bisschen wie Charakterstudien: Man hört nicht nur Holz oder Metall, sondern [...]

> WEITERLESEN

Welche Snare klingt BESSER? Der große Holz vs. Metall-Vergleich

Von außen unscheinbar, im Klang unverwechselbar: Die Snare ist das Herzstück des Schlagzeugs. Ihr Ton [...]

> WEITERLESEN

Test: Alesis Nitro Ultimate E-Drum Set

Das Alesis Nitro Ultimate hat mich ehrlich gesagt positiv überrascht. Klar, es bleibt ein Set [...]

> WEITERLESEN

Test: Yamaha EAD10 – Das ultimative Tool?

Aus dem Drum-Influencer-Kosmos ist es nicht mehr wegzudenken: das Yamaha EAD10. Es ist die klare [...]

> WEITERLESEN

Meinl Byzance Polyphonic Brilliant im Test

Sie funkeln und sind perfekt poliert, doch unter dem brillanten Finish schlägt das Herz der [...]

> WEITERLESEN

Test: Fame MS-Drumkit EZ und PRO mit Klang-Beispielen

Der Music Store in Köln hat kürzlich unter der Marke Fame zwei komplette Mikrofon Koffer [...]

> WEITERLESEN

Top 3 Aluminium-Snares im Vergleich: Ludwig, Tama und Sonor

Aluminium Snares feiern ihr Comeback. Lange galten sie als antiquiert, inzwischen sind sie wieder mitten [...]

> WEITERLESEN

Tama, Pearl und Yamaha: Mittelklasse-Drumsets im Vergleich

Pearl Decade Maple, Tama Superstar Classic und Yamaha Stage Custom Die Mittelklasse ist für mich [...]

> WEITERLESEN

Test: Zildjian Z Custom Standard Cymbal Set

Von Anfang an war mir klar: Diese Becken sind nichts für zarte Gemüter. Als ich [...]

> WEITERLESEN

Vergleichstest: Drei Topseller-Cajons im Check

Die Cajon hat in den letzten zwei Jahrzehnten einen bemerkenswerten Aufstieg hingelegt. Ursprünglich aus Peru [...]

> WEITERLESEN

Der Beitrag Doppelpedal für Einsteiger gesucht: Tama, Pearl und Fame im Vergleich erschien zuerst auf Drums & Percussion.

Von Buddy Rich zu Vanilla Fudge

Geboren am 15. Dezember 1946 auf Staten Island, erhielt Carmine Appice zunächst eine klassische Musikausbildung. Früh begeisterten ihn die Jazz-Legenden Buddy Rich und Gene Krupa, deren technische Brillanz und Bühnenpräsenz ihn nachhaltig beeinflussten.

Seinen Durchbruch feierte Appice Ende der 1960er-Jahre mit Vanilla Fudge, einer der wichtigsten Psychedelic-Rock-Bands ihrer Zeit. Dort fiel er nicht nur durch sein druckvolles Drumming auf, sondern steuerte gemeinsam mit Bassist Tim Bogert auch markante Background-Vocals bei. Nach fünf Alben verließen beide Musiker die Band, um neue musikalische Wege einzuschlagen.

Cactus und Beck, Bogert & Appice: Mehr Power geht kaum

Gemeinsam mit Sänger Rusty Day und Gitarrist Jim McCarty gründeten Appice und Bogert die Blues-Rock-Formation Cactus, deren kompromissloser Sound heute als wichtiger Vorläufer des Hard Rock gilt.

Der nächste Karriereschritt führte ihn zu Gitarrenlegende Jeff Beck. Im Power-Trio Beck, Bogert & Appice entstand Anfang der 1970er-Jahre eine explosive Mischung aus Virtuosität und Energie. Gerade für Drummer bleibt diese Phase besonders interessant, weil Appice hier seine charakteristische Spielweise perfektionierte: harte Bassdrum-Akzente, große Tom-Fills und ein Groove, der selbst komplexe Arrangements stets erdig wirken ließ.

Der Mann hinter Rod Stewarts größten Hits

1976 wechselte Carmine Appice in die Band von Rod Stewart – ein Schritt, der seine Karriere auf ein neues Level hob. Dort war er nicht nur Schlagzeuger, sondern auch Songwriter. Gemeinsam mit Stewart arbeitete er unter anderem an den Welthits „Da Ya Think I’m Sexy?“ und „Young Turks“.

Dass ein Drummer maßgeblich an einigen der erfolgreichsten Rocksongs der späten 1970er- und frühen 1980er-Jahre beteiligt war, zeigt eindrucksvoll, wie vielseitig Appice schon damals agierte.

Einfluss auf eine ganze Generation von Rockdrummern

Der Name Carmine Appice taucht immer wieder auf, wenn bekannte Schlagzeuger über ihre Vorbilder sprechen. Zu den Musikern, die seinen Einfluss offen anerkennen, zählen unter anderem:

• John Bonham (Led Zeppelin)
• Roger Taylor (Queen)
• Tommy Lee (Mötley Crüe)
• Ian Paice (Deep Purple)
• Eric Singer (Kiss)

Besonders bemerkenswert: Appice gilt als wichtiger Einfluss für John Bonhams berühmte Bassdrum-Triolen und dessen Vorliebe für überdimensionierte Drumsets. Viele Elemente, die heute als typische Hardrock-Drumming-Klischees gelten, wurden von Appice bereits Jahre zuvor etabliert.

Sein Markenzeichen waren große Double-Bass-Setups und ein druckvoller Sound, den er bevorzugt auf Ludwig-Schlagzeugen umsetzte.

King Kobra, Blue Murder und die Hardrock-Ära

Nach Soloaktivitäten und Tourneen gründete Appice in den 1980er-Jahren die Band King Kobra, die schnell zu einer festen Größe der amerikanischen Hardrock-Szene wurde. Gleichzeitig arbeitete er mit einer beeindruckenden Liste von Künstlern zusammen.

Zu seinen musikalischen Partnern gehörten unter anderem:

• Ozzy Osbourne
• Jimmy Page
• Ted Nugent
• Def Leppard
• Kid Rock
• Pink Floyd
• Stanley Clarke
• Michael Schenker
• Blue Murder
• Ric Grech
• Edgar Winter

Selbst ein kurzer Ausflug in Ozzy Osbournes Band während der Bark at the Moon-Tour unterstreicht, welchen Stellenwert Appice in der Rockwelt genoss.

Lehrer, Autor und Mentor

Neben seiner Karriere auf der Bühne hat Carmine Appice die Schlagzeugwelt auch pädagogisch geprägt. Sein Lehrwerk „The Realistic Rock Drum Method“, erstmals 1972 veröffentlicht, zählt bis heute zu den einflussreichsten Drum-Büchern überhaupt.

Das Werk behandelt unter anderem:

• Rock-Grooves
• Polyrhythmen
• Lineare Rudiments
• Shuffle-Techniken
• Hi-Hat-Konzepte
• Double-Bass-Übungen

Später erschien eine erweiterte Fassung unter dem Titel „The Ultimate Realistic Rock Drum Method“.

Auch als Autor blieb Appice aktiv. Mit „A Thunder of Drums“ widmete er sich dem Leben von John Bonham. Seine 2016 erschienene Autobiografie „Stick It! – My Life of Sex, Drums & Rock ’n’ Roll“ liefert spannende Einblicke in über fünf Jahrzehnte Rockgeschichte.

Guitar Zeus, Drum Wars und neue Projekte

Stillstand war nie Appices Sache. Seit den 1990er-Jahren veröffentlichte er die Albumreihe Guitar Zeus, für die er zahlreiche Gitarrenstars wie Brian May, Richie Sambora, Jennifer Batten, Ted Nugent oder Yngwie Malmsteen versammelte.Auch Projekte wie CB&A (Char, Bogert & Appice), DBA (Derringer, Bogert & Appice) oder die spektakulären Drum Wars-Shows mit seinem Bruder Vinny Appice zeigten, dass seine Leidenschaft für das Instrument bis heute ungebrochen ist.

Mit der Percussion-Formation SLAMM bewies er zudem, dass moderne Drum-Ensembles weit über klassische Schlagzeug-Solos hinausgehen können. Das Konzept wurde einmal treffend als „Stomp auf Steroiden“ beschrieben.

Ehrungen und Vermächtnis

Die Liste seiner Auszeichnungen ist lang. Bereits 1991 verewigte Carmine Appice seine Handabdrücke im Hollywood Rock Walk – direkt neben seinen Idolen Buddy Rich und Gene Krupa.

Weitere Meilensteine:

• Classic Drummer Hall of Fame (2013)
• Modern Drummer Hall of Fame (2014)
• Platz 28 der „100 Greatest Drummers of All Time“ des Rolling Stone (2016)

Diese Ehrungen spiegeln wider, was viele Drummer längst wissen: Ohne Carmine Appice würde Rockdrumming heute anders klingen.

Fazit

Carmine Appice ist weit mehr als der ehemalige Schlagzeuger von Vanilla Fudge oder Rod Stewart. Er gehört zu jener seltenen Gruppe von Musikern, die das Instrument nachhaltig verändert haben. Sein kraftvolles Spiel, seine Innovationsfreude und sein Einfluss auf Generationen von Rock- und Metal-Drummern machen ihn zu einer Schlüsselfigur der modernen Schlagzeuggeschichte.

Foto von TParadise – Eigenes Werk, CC BY-SA 4.0, Link

Der Beitrag Carmine Appice: Der Erfinder des modernen Hardrock-Drummings erschien zuerst auf Drums & Percussion.

Der Drummer, den mehr Leute kennen sollten

Campanella ist der Drummer und Pianist von Dredg, jener kalifornischen Band aus Los Gatos, die seit den späten Neunzigern irgendwo zwischen Art Rock, Alternative, Prog, Post Rock und atmosphärischer Rockmusik unterwegs ist. Die Besetzung ist bis heute klassisch geblieben: Gavin Hayes singt, Mark Engles spielt Gitarre, Drew Roulette Bass, Dino Campanella Schlagzeug und Piano beziehungsweise Keys.  Diese letzte Kombination macht Campanella für Drummer sehr interessant. Er kombiniert Rhythmus und Harmonie simultan.

Dredg: Kunstrock ohne Pose

Dredg gründeten sich 1993 in Los Gatos, Kalifornien. Die Band spielte bereits in Clubs, bevor die Mitglieder überhaupt die Highschool abgeschlossen hatten. Nach frühen EPs erschien 1999 das Debüt Leitmotif, zunächst in Eigenregie, später nach der Interscope-Signierung erneut. Mit El Cielo folgte 2002 das Album, das Dredg endgültig zum Kultthema machte. Danach kamen Catch Without Arms 2005, das Livealbum Live at the Fillmore, The Pariah, The Parrot, The Delusion 2009 und Chuckles and Mr. Squeezy 2011.

Das Spannende an Dredg ist, dass die Band nie in eine Schublade gepasst hat. Anfangs war noch Alternative Metal im Spiel, später wurden die Songs weiter, melodischer, kunstvoller und atmosphärischer. El Cielo ist dafür der Schlüssel. Das Album wurde unter anderem von Salvador Dalís Gemälde Dream Caused by the Flight of a Bee Around a Pomegranate a Second Before Awakening inspiriert und verarbeitet Briefe von Menschen mit Schlafstörungen beziehungsweise Schlafparalyse.

Campanella liefert den passenden Groove für diese Atmosphäre und baut komplexe Pattern ein. Sie wirken schwer und fast schwebend, dann wieder trocken, federnd und songdienlich.

Biografie: Vom Bay-Area-Kid zum Art-Rock-Multitasker

Dino Campanella wuchs musikalisch im Umfeld der Bay Area auf. Mit Gitarrist Mark Engles spielte er schon früh zusammen, später stießen Gavin Hayes und Drew Roulette dazu. Aus dieser Jugendband wurde Dredg. Das erklärt, warum Campanellas Spiel so organisch mit der Band verwachsen klingt. Er Teil der DNA dieser Band.

Neben Dredg war Campanella auch live bei †††, also Crosses, involviert, dem Projekt von Chino Moreno von Deftones und Shaun Lopez von Far. Auch dort fiel er durch seine ungewöhnliche Doppelrolle auf. Berichte und Drum-Cam-Videos zeigen ihn bei Crosses gleichzeitig an Drums und Keys.

Sein Stil: Eine seltsame Eleganz

Campanellas Stil ist schwer zu beschreiben, weil er nicht aus einem einzigen Vokabular kommt. Man hört Rockdrumming, aber nicht die geradeaus geprügelte Version. Man hört Prog, aber ohne den Drang, jede Taktart auszustellen. Man hört Groove, aber nicht in einem klassischen Funk-Sinn. Er spielt eher wie jemand, der rhythmische Spannung aus Form und Wiederholung baut.

Seine Grooves haben einen rollenden Charakter. Er klingt nicht nach Standard-Rockdrummer, obwohl seine Parts immer nachvollziehbar bleiben.

Besonders stark ist sein Gespür für Dynamik. Dredg-Songs arbeiten mit langen Bögen. Sie explodieren nicht sofort, sondern ziehen langsam Spannung auf. Campanella verinnerlicht diese Prinzip. Er kann einen Part zurücknehmen, ohne dass die Energie verschwindet. Und er öffnet einen Refrain, ohne in stumpfes Gebolze zu verfallen.

Die simultane Keyboard-Sache

Der Punkt, der Campanella endgültig aus der Masse hebt, ist sein gleichzeitiges Spiel von Drums und Keyboard. DRUM! Magazine dokumentierte dieses ungewöhnliche Setup in einem Video nach einem Soundcheck in San Jose. Dort wurde beschrieben, wie Campanella bei bestimmten Songs mit rechter Hand und beiden Füßen Schlagzeug spielt, während die linke Hand Keyboardparts übernimmt. Demonstriert wurde unter anderem Material aus dem Titelsong von Catch Without Arms.

Campanella spielt nicht irgendeinen Akkord nebenbei. Er übernimmt eine zusätzliche harmonische Funktion, während der Groove weiterläuft. Für Drummer ist das eine enorme Koordinationsleistung, zu der wohl die wenigsten im Stande sind. Bemerkenswert ist die musikalische Konsequenz, die daraus folgt. Er reduziert den Drum-Part so, dass die linke Hand frei wird, ohne dass der Song zusammenfällt.

Viele Drummer könnten theoretisch mit einer Hand einen einfachen Beat halten. Campanella macht daraus aber Arrangement. Er entscheidet, welche Bewegung am Drumset nötig ist, um gleichzeitig das Keyboard zu bedienen.

Die Schwierigkeit

Simultanes Keyboardspiel am Drumset verlangt komplette Unabhängigkeit. Es verändert die gesamte Körperbalance. Normalerweise sind beide Hände Teil desselben rhythmischen Systems. Bei Campanella kann eine Hand plötzlich harmonisch arbeiten, während die andere Hand, beide Füße und der innere Puls die rhythmische Basis halten. Das ist mental eine absolute Ausnahmeleistung.

Besonders heikel ist dabei die Zeit. Wenn die linke Hand auf dem Keyboard Figur spielt, darf der Groove nicht ungenau werden. Die Snare muss trotzdem sitzen. Die Bassdrum muss weiterhin den Song tragen. Die rechte Hand darf nicht verkrampfen, nur weil ihr plötzlich die gewohnte Partnerhand fehlt. Wer das einmal selbst ausprobiert, merkt sehr schnell, dass es nahezu unmöglich ist.

Songs zum Kennenlernen

Wer Campanella kennenlernen will, sollte mit El Cielo beginnen. In „Same Ol’ Road“ hört man gut, wie er einen Song tragen kann.Der Groove ist nicht überladen, die Drums setzen klare Konturen.

„Sanzen“ zeigt seine härtere Seite. Hier bekommt man diesen schiebenden Campanella-Drive, der dem Song eine klare Kante gibt. Auch „Of the Room“ lohnt sich, weil hier seine Fähigkeit auffällt, Spannung über Wiederholung und kleine Veränderungen aufzubauen.

Auf Catch Without Arms wird sein Spiel direkter. „Bug Eyes“ hat einen sehr eingängigen Rockpuls, aber Campanella phrasiert ihn mit mehr Persönlichkeit, als der Song auf den ersten Blick verlangt. Der Titelsong „Catch Without Arms“ ist wegen der Keyboard-Drum-Kombination besonders interessant. Hier hört man, wie stark seine Rolle innerhalb der Band über klassisches Drumming hinausgeht.

Auf The Pariah, The Parrot, The Delusion verschiebt sich der Fokus wieder. Songs wie „Information“ oder „Saviour“ zeigen einen Drummer, der noch stärker in Klangflächen, Stimmungen und größeren Arrangements denkt.

Gear: Sonor und OCDP

Campanellas Gear-Geschichte ist nicht so sauber dokumentiert wie bei vielen Mainstream-Drummern, was irgendwie zu seiner Understatement-Rolle passt. Verlässlich belegt ist seine Verbindung zu SONOR. Laut offizieller SONOR-Artist-Seite gehört er seit 2009 zur SONOR Artist Family.

Aus früheren Dredg-Phasen ist außerdem ein OCDP-Setup dokumentiert. Die damalige Artist-Seite listete ein Clear Cast Acrylic Kit Black-Beauty auf.

Sein Setup ist ein Werkzeugkasten mit klarer Funktion. Ein SONOR SQ2 Acryl-Drumset, dazu Keys in Reichweite.

Bei Becken, Fellen und Sticks kursieren zwar einzelne Angaben und Vermutungen, aber öffentlich belastbare aktuelle Specs sind schwerer zu finden. Deshalb sollte man hier vorsichtig bleiben. Gesichert ist vor allem die SONOR-Partnerschaft und das frühere OCDP-Kit.

Warum er unter dem Radar geblieben ist

Dredg waren keine Mainstream-Band, dafür waren sie zu eigen, zu konzeptionell und zu schwer greifbar. Ich selbst habe die Band 2009 zufällig bei Rock am Ring gesehen und war sofort begeistert, obwohl ich überhaupt kein Prog-Fan bin. Sie waren nicht so demonstrativ verkopft, dass sie automatisch in der Prog-Versenkung gelandet wären. Dazwischen steht auch Campanella. Er ist spielt technisch stark, aber jederzeit songdienlich.

Dredg heute

Nach Chuckles and Mr. Squeezy wurde es lange ruhig um die Band. Seit 2018 gibt es wieder Aktivitäten und seit einigen Jahren immer wieder Hinweise auf neues Material. VISIONS berichtete 2024, dass Dredg weiter an einem Nachfolger arbeiten und dafür sogar einen neuen Proberaum in der Southern Bay Area gesucht haben. Campanella beschrieb das neue Material in einem früheren Kontext als reifere Inkarnation von Dredg. Ein neues Album ist zum jetzigen Stand aber noch nicht erschienen.

Für Fans ist diese Wartezeit fast schon Teil des Fantums geworden. Trotzdem bleibt die Hoffnung spannend, weil Campanellas Rolle in einer heutigen Dredg-Produktion interessant wäre. Seine Mischung aus akustischem Druck, Keyboard-Denken und unaufgeregtem Multitasking passt eigentlich perfekt in eine Zeit, in der viele Drummer ohnehin zwischen akustischem Set, Samples und elektronischen Elementen arbeiten.

Foto: ©️SONOR

Der Beitrag Ein unterschätztes Genie: Dino Campanella von Dredg im Porträt erschien zuerst auf Drums & Percussion.

Cymbal Cleaner: Die Grundreinigung

Der Cymbal Cleaner wurde speziell für traditionelle B8- und B20-Bronze-Becken entwickelt. Er entfernt Fingerabdrücke, Oxidationsspuren, Flecken und hartnäckige Verschmutzungen, ohne dabei aggressive Chemikalien einzusetzen. Das Ziel ist eine gründliche Auffrischung der Oberfläche bei gleichzeitigem Erhalt des natürlichen Klangcharakters.

Besonders bei regelmäßig gespielten Becken kann der Cleaner dabei helfen, den ursprünglichen Glanz zurückzubringen und Ablagerungen zu entfernen, die sich im Laufe der Zeit auf der Bronze festsetzen.

Cymbal Maintainer: Die Pflege für zwischendurch

Nicht jede Reinigung muss gleich eine Grundsanierung sein. Genau hier kommt der Cymbal Maintainer ins Spiel. Die milde Formel eignet sich für die regelmäßige Anwendung und entfernt leichte Verschmutzungen, Fingerabdrücke und erste Gebrauchsspuren. Gleichzeitig frischt sie den Glanz auf und unterstützt den Werterhalt der Becken. Paiste empfiehlt den Maintainer insbesondere als regelmäßige Pflegelösung zwischen intensiveren Reinigungsintervallen. Nach einer Behandlung mit dem Cymbal Cleaner hilft er dabei, die Oberfläche dauerhaft gepflegt aussehen zu lassen.

Cymbal Protector: Unsichtbarer Langzeitschutz

Der dritte Baustein des Systems ist der Cymbal Protector. Anders als Cleaner und Maintainer konzentriert sich dieses Produkt nicht auf die Reinigung, sondern auf den Schutz der Oberfläche. Nach dem Auftragen entsteht eine unsichtbare Schutzschicht, die das Becken vor Feuchtigkeit, Schwefelverbindungen und anderen Umwelteinflüssen bewahren soll.

Gerade hochwertige Vintage-, Signature- oder Sammlerbecken profitieren von dieser zusätzlichen Schutzmaßnahme, insbesondere wenn sie nicht regelmäßig gespielt werden. Darüber hinaus kann der Protector bestehende Anti-Oxidant-Beschichtungen unterstützen und deren Schutzwirkung langfristig erhalten.

Nicht jedes Finish benötigt dieselbe Pflege

Paiste bietet unterschiedliche Oberflächen und Finishes an, die jeweils eigene Anforderungen an die Pflege stellen. Bei den meisten Serien mit werkseitiger Anti–Oxidant–Beschichtung können alle Produkte des Cymbal Care Systems verwendet werden. Anders verhält es sich bei speziellen Oberflächen wie Color Sound, Reflector oder diversen Special Finishes. Hier empfiehlt Paiste ausdrücklich die Verwendung von Cymbal Maintainer und Cymbal Protector, während der Cymbal Cleaner zu Verfärbungen führen kann.

Auch bei unbehandelten oder teilweise abgedrehten Oberflächen ist Vorsicht geboten. Insbesondere viele Modelle der Masters-Serie werden bewusst ohne Schutzbeschichtung gefertigt, um ihren charakteristischen Aged-Look zu bewahren. In diesen Fällen sollte vor der Anwendung die jeweilige Pflegeempfehlung des Herstellers berücksichtigt werden.

Schweizer Entwicklung für professionelle Ansprüche

Alle Produkte des Cymbal Care Systems werden in der Schweiz entwickelt und sind speziell auf die Anforderungen moderner Bronze-Becken abgestimmt. Damit verfolgt Paiste denselben Qualitätsanspruch wie bei seinen Instrumenten und bietet Drummern eine Pflegelösung, die auf die unterschiedlichen Materialien und Oberflächen des eigenen Sortiments zugeschnitten ist.

Fazit

Mit dem Paiste Cymbal Care System erhalten Schlagzeuger erstmals ein vollständiges, aufeinander abgestimmtes Pflegeprogramm für ihre Becken. Der Cymbal Cleaner übernimmt die intensive Reinigung, der Cymbal Maintainer die regelmäßige Pflege und der Cymbal Protector den langfristigen Schutz der Oberfläche. Wer seine Cymbals optisch und funktional möglichst lange in Bestform halten möchte, findet hier für jede Pflegesituation das passende Werkzeug.

Affiliate Link:

Paiste Cymbal Care Protector

nur 18,50€ bei MUSIC STORE

Affiliate Link:

Paiste Cymbal Care Protector

nur 18,50€ bei MUSIC STORE

Affiliate Link:

Paiste Cymbal Care Cleaner

nur 18,50€ bei MUSIC STORE

Der Beitrag Paiste Cymbal Care System: Drei Produkte für glänzende und geschützte Becken erschien zuerst auf Drums & Percussion.

Ihr Geheimnis liegt in der Mischung aus Metallkessel, sensibler Ansprache und kontrollierbarer Offenheit. Hoch gestimmt liefert sie knackigen Crack. Tiefer gestimmt bekommt sie Körper. Mit etwas Dämpfung wird sie trocken, offen gespielt entwickelt sie den typischen metallischen Ring, den Produzenten lieben.

Egal, ob man die LM400 in 14“×5″ oder die LM402 in 14“×6,5″ nimmt: Die Supraphonic ist eine Snare, die für verschiedene Stile geeignet ist. Sie funktioniert in Genres wie Beatles-Pop, Post-Punk, Stadionrock und modernem Soul-Pop.

Diese vier ersten Songs der Reihe zeigen sehr unterschiedliche Facetten der Snare-Legende:

The Beatles – Come Together

Ringo Starrs Drum-Sound auf „Come Together“ gehört zu den lässigsten Momenten der Beatles-Diskografie. Der Groove ist reduziert und die Snare spielt einen einfachen Backbeat und wird Teil der speziellen Atmosphäre. Der Sound ist trocken, kontrolliert und mit der richtigen Portion metallischem Charakter.

Ringo Starr wird seit den 1960er-Jahren stark mit Ludwig-Drums und der Supraphonic in Verbindung gebracht

Bei „Come Together“ hört man, warum die Supraphonic im Studio so beliebt ist. Sie ist präsent und drängt sich nicht zu sehr nach vorne. Der Song lebt vom moderaten Snare–Crack. Die Snare ist warm im Mix, bleibt aber jederzeit definiert, perfekt für einen Groove, der den Song trägt.

U2 – Sunday Bloody Sunday

Der Snare-Part von „Sunday Bloody Sunday“ ist einer der bekanntesten Rock–Grooves der 1980er. Larry Mullen Jr. eröffnet den Song mit einem marschartigen Pattern, das sofort Wiedererkennungswert hat. Die Snare ist militärisch und überaus direkt.

Gerade bei einem solchen Pattern zeigt sich die Stärke einer Supraphonic. Sie liefert klare Artikulation, schnelle Ansprache und genug Obertonstruktur, damit Ghost Notes, Akzente und Flams lebendig bleiben. Der Sound muss schneiden, darf aber nicht zu steril wirken. In „Sunday Bloody Sunday“ ist die Snare ein Paradebeispiel dafür, wie ein Drum-Part einen ganzen Song definiert.

Adele – Rolling in the Deep

„Rolling in the Deep“ ist moderner Pop mit Soul-, Blues- und Gospel-Attitüde. Die Snare unterstützt den stampfenden Charakter des Songs. Groß und trocken genug für den Pop-Mix und mit ausreichend Tiefe, um nicht zu künstlich zu wirken. Eine Supraphonic passt gut in dieses Klangbild. Sie klingt organisch und lässt sich im Studio gut kontrollieren. Bei einem Song wie „Rolling in the Deep“ zählt neben Lautstärke auch eine schiebende Snare, welche die Stimme nicht überdeckt. Diese Balance ist einer der Gründe, warum die Supraphonic so oft als Allrounder im Studio genannt wird.

Fleetwood Mac – Go Your Own Way

Mick Fleetwoods Drum-Part in „Go Your Own Way“ ist ungewöhnlicher, als er auf den ersten Blick wirkt. Der Groove klingt treibend und vertraut hat aber eine eigenwillige inhärente Bewegung. Lindsey Buckingham war im Studio vom Drum-Feeling der Rolling Stones inspiriert. Mick Fleetwood entwickelte daraus seine eigene Variante.

Die Snare liefert den Backbeat und ist Teil eines leicht taumelnden Rock–Grooves. In einem komplexen Fleetwood-Mac-Mix mit Gitarren, mehrstimmigem Gesang und treibendem Bass braucht die Snare einen Ton, der präsent bleibt.

„Go Your Own Way“ zeigt damit eine andere Seite der Supraphonic. Der Sound ist lebendig und kommt zugleich natürlich daher.

Auch interessant:

Drummer-Mythen: Ist Ringo Starr ein schlechter Drummer?

Kaum ein Drummer-Mythos hält sich so hartnäckig wie dieser: „Ringo Starr war bei den Beatles [...]

> WEITERLESEN

With Or Without You von U2 auf dem Drumset spielen – Was macht den Song besonders?

Es gibt Songs, bei denen man als Drummer zuerst auf die Fills wartet. Bei „With [...]

> WEITERLESEN

Legendäre Drum-Alben: Blink-182 – Take Off Your Pants And Jacket

Es gibt Alben, die man als Drummer nicht nur hört, sondern irgendwann körperlich fühlt. Take [...]

> WEITERLESEN

Der Beitrag Legendäre Songs, die mit der Ludwig Supraphonic Snare recordet wurden (Teil 1) erschien zuerst auf Drums & Percussion.

Ringo Starr ist nicht der Drummer, der sich vor den Song stellte. Er ist der Drummer, der den Song größer machte. Und deshalb gehört er zu den wichtigsten Schlagzeugern der modernen Musikgeschichte.

Woher kommt der Mythos?

Ein Teil des Mythos hat eine historische Grundlage. Als die Beatles 1962 ihre ersten Aufnahmen machten, war Produzent George Martin anfangs unsicher, ob der gerade erst eingestiegene Ringo Starr im Studio die richtige Besetzung war. Für eine spätere „Love Me Do“-Session wurde deshalb Session-Drummer Andy White

eingesetzt, während Ringo Tamburin spielte. Die offizielle Beatles-Anthology beschreibt diesen Moment als Schock für Ringo, stellt aber auch klar: Es blieb die einzige Situation dieser Art.

Aus dieser Episode wurde über die Jahrzehnte eine stark vereinfachte Erzählung: „Ringo konnte nicht spielen.“ Das ist jedoch Unsinn. Viel richtiger wäre: Ringo kam in eine Band, die sich gerade in rasantem Tempo professionalisierte, und musste sich in kürzester Zeit im Studio beweisen. Genau das tat er, und zwar so überzeugend, dass seine Drum-Parts heute zu den meistzitierten und am häufigsten nachgespielten der Pop- und Rockgeschichte gehören.

Kindheit geprägt von Krankheiten

Ringo Starr wurde am 7. Juli 1940 als Richard Starkey in Liverpool geboren. Seine Kindheit war von schweren Krankheiten und langen Krankenhausaufenthalten geprägt. Gerade dort entwickelte sich sein Interesse am Schlagzeug. Später sagte er rückblickend, er habe mit 13 nur noch eines gewollt: Drummer werden. Nach ersten Erfahrungen in Skiffle-Bands spielte er ab 1959 bei Rory Storm and the Hurricanes, einer der bekanntesten Liverpooler Live-Bands jener Zeit. Am 18. August 1962 stieg er offiziell bei John Lennon, Paul McCartney und George Harrison ein.

Das ist wichtig, weil Ringo nicht als Zufallsdrummer in die Beatles kam. Er war in Liverpool bereits ein erfahrener Live-Musiker. Die Beatles kannten ihn aus der Szene, hatten ihn schon als Aushilfe erlebt und wollten ihn fest in der Band haben. Ringo brachte etwas mit, das für eine Gruppe wie die Beatles entscheidend war: Verlässlichkeit und ein eigenes musikalisches Gefühl.

Sein Stil

Ringo Starrs Drumming ist nicht schwer zu verstehen, aber schwer zu kopieren. Sein Spiel lebt von Ökonomie und Charakter. Er spielte selten zu viel, aber fast immer das Richtige. In einem offiziellen Beatles-Archivclip fasst Ringo seine Philosophie sinngemäß so zusammen:

Wenn jemand singt, gibt es keinen Grund für ein Fill, das den Gesang stört.

Genau das machte ihn so modern. In einer Zeit, in der viele Schlagzeuger noch stark über Virtuosität, Soli und technische Demonstration wahrgenommen wurden, zeigte Ringo eine andere Rolle des Drummers. Nicht als Begleiter im Hintergrund, sondern als Song-Architekt. Seine Parts sind so charakteristisch, dass man den Song allein am Groove erkennen kann.

Man denke an den rollenden Tom-Groove von „Come Together“, das treibende Feeling von „Ticket to Ride“, die Energie von „She Loves You“, die kontrollierte Wucht in „Rain“ oder die musikalischen Fills in „A Day in the Life“.

Die Percussive Arts Society bringt Ringos Bedeutung sehr treffend auf den Punkt: Sein kreativer Input, sein Time-Feel, seine unorthodoxen Fills und sein konsequenter Dienst am Song halfen dabei, die Musik der Beatles zu formen. Der Drummer Steve Smith wird dort mit der Einschätzung zitiert, Ringo habe ein neues Paradigma geschaffen, nämlich den Drummer als gleichwertigen Teilnehmer am kompositorischen Prozess.

Linkshänder auf Rechtshänder-Set: Ringos eigenwillige Handschrift

Ein weiterer Grund für Ringos unverwechselbares Spiel liegt in seiner Körperlichkeit. Er ist von Natur aus Linkshänder, spielte aber auf einem rechtshändig aufgebauten Drumset. Dadurch entstanden Fills und Bewegungen, die für viele Rechtshänder ungewöhnlich wirken. Ringo selbst erklärte in einem Modern-Drummer-Interview, dass er als „left-handed guy with a right-handed kit“ bestimmte Wege über die Toms anders spielen müsse.

Das hört man. Viele seiner Fills wirken leicht versetzt, rund, aber immer musikalisch. Dieser menschliche, leicht ungerade Charakter ist ein Teil seines Sounds. Gerade moderne Drummer, die heute nach organischem Groove suchen, können von Ringo enorm viel lernen.

Equipment: Ludwig, Premier und der berühmte Black-Oyster-Pearl-Look

Auch beim Equipment ist Ringo Starr eine Ikone. Bevor er mit Ludwig assoziiert wurde, spielte er bei den frühen Beatles ein Premier Mahogany Duroplastic Kit. Laut RingosBeatleKits nutzte er dieses Set beim Einstieg in die Beatles am 18. August 1962 bis zum 12. Mai 1963, als er sein erstes Ludwig-Set bekam. Dieses Premier-Set ist auf frühen Beatles-Aufnahmen und BBC-Sessions zu hören.

Der große visuelle und klangliche Durchbruch kam mit seinem Ludwig Oyster Black Pearl Downbeat Kit. Die klassische Konfiguration seines 1963er Ludwig-Sets bestand aus einer 14″x5.5″ Jazz Festival Snare, einem 12″x8″ Tom, einem 14″x14″ Floor Tom sowie einer 20″x14″ Bass Drum. Dieses Set erhielt Ringo am 12. Mai 1963.

Der Look war fast genauso wichtig wie der Sound. Das Black-Oyster-Pearl-Finish, das Beatles-Logo auf dem Bassdrum-Fell und der sichtbare Ludwig-Schriftzug wurden zu einem der bekanntesten Bilder der Popgeschichte. Nach dem Auftritt der Beatles in der Ed Sullivan Show 1964, bei dem Ringo mit einem Ludwig Oyster Black Pearl Kit zu sehen war, erlebte Ludwig laut Metropolitan Museum of Art einen enormen Verkaufsanstieg und musste die Produktion ausweiten.

Ringo machte Ludwig damit sehr populär und das Drumset selbst zum Symbol einer neuen Popkultur.

Becken und Sound

Ringos Beckensound war ebenfalls Teil seiner musikalischen Identität. Oft wird pauschal gesagt, er habe einfach „Zildjian gespielt“. Tatsächlich ist die Geschichte differenzierter. Die Dokumentation von RingosBeatleKits nennt für seine Beatles-Ära unter anderem Ajax, Paiste, Super Zyn, Zildjian und Zyn; ab Mitte der 60er wurden Zildjian-Avedis-Becken immer wichtiger.

Sein Drum-Sound war warm, trocken und kompakt. Die Snare saß nicht scharf und aggressiv im Vordergrund, sondern war Teil des Gesamtklangs. Die Toms hatten Tiefe, die Bassdrum war nicht übermächtig, sondern songdienlich eingebettet. Besonders in der späteren Beatles-Phase wurde Ringos Sound zunehmend kontrollierter. Gedämpfte Trommeln runde Toms und ein sehr definierter Groove.

Das ist ein wichtiger Punkt: Ringo Starr prägte nicht nur, was Drummer spielten, sondern auch, wie Drums in Pop-Produktionen klingen. 

Warum Ringo moderne Drummer geprägt hat

Ringo Starr hat Generationen von Schlagzeugern beeinflusst, gerade weil sein Spiel erreichbar wirkt. Viele hören Beatles-Songs und denken: „Das kann ich auch.“ Doch sobald man versucht, seine Parts exakt nachzuspielen, merkt man, wie viel Musikalität darin steckt.  Das ist Ringos größte Leistung: Er zeigte, dass ein Drummer nicht durch möglichst viele Noten wichtig wird, sondern durch die richtigen Entscheidungen. Er wusste, wann ein Fill gebraucht wurde. Er wusste aber auch, wann Stille besser war.

Die Rock & Roll Hall of Fame beschreibt ihn nicht umsonst als „beating heart“ der Beatles und als Vorbild für Generationen von Drummern. Ringo wurde 2015 solo in die Rock & Roll Hall of Fame aufgenommen; die Beatles selbst waren bereits 1988 aufgenommen worden.

Fazit: Schlechter Drummer? Ganz im Gegenteil.

Der Mythos, Ringo Starr sei ein schlechter Drummer gewesen, hält sich vor allem deshalb, weil viele Menschen Drumming mit technischer Zurschaustellung verwechseln. Ringo war kein Drum-Zirkus. Er war kein Solo-Monster. Er war kein Spieler, der jeden Song mit Licks überladen musste.

Er war etwas Wertvolleres, nämlich ein Drummer mit unverwechselbarem Stil.

Seine Grooves waren stabil, seine Fills musikalisch, sein Sound prägend und sein Verständnis für Songs außergewöhnlich. Ohne Ringo würden viele Beatles-Songs nicht so funktionieren, wie wir sie kennen. Und ohne seine Art zu spielen, sähe modernes Pop- und Rock-Drumming vermutlich anders aus.

Ringo Starr war kein schlechter Drummer. Er war einer der ersten großen Song-Drummer der Rockgeschichte!

Der Beitrag Drummer-Mythen: Ist Ringo Starr ein schlechter Drummer? erschien zuerst auf Drums & Percussion.