Frank Beard gehörte zu jenen Drummern, deren Bedeutung sich kaum an spektakulären Soli oder technischen Kabinettstückchen festmachen lässt. Sein Terrain war der Groove – und davon hatte ZZ Top reichlich. Über fünf Jahrzehnte lieferte Beard den schweren, trockenen Puls hinter Billy Gibbons’ Gitarrenriffs und Dusty Hills Basslinien.

Beard starb auf seiner Ranch in Richmond, Texas. Der langjährige ZZ-Top-Drummer befand sich dort in Hospizbetreuung und verbrachte seine letzten Stunden im Kreis seiner Familie. Eine genaue Todesursache wurde zunächst nicht bekannt gegeben.

Gesundheitliche Probleme zwangen Beard von der Bühne

Dass es um Beards Gesundheit nicht gut stand, war bereits kurz vor seinem Tod deutlich geworden. Anfang August hatte der Drummer die laufende „The Big One! Tour“ von ZZ Top aus gesundheitlichen Gründen verlassen. Michael Monahan übernahm seinen Platz am Schlagzeug.

Schon 2025 hatte Beard eine Tournee vorübergehend unterbrechen müssen. Damals waren Probleme mit Fuß und Knöchel der Grund für seine Auszeit.

Nach Beards Tod sagte ZZ Top die anstehenden Konzerte in Salt Lake City und Colorado Springs ab. Am 22. und 23. August soll die Tour in Austin fortgesetzt werden – einer Stadt, die für Beard zu einer Art zweiter Heimat geworden war. Das dortige ACL Live at The Moody Theater gehörte nach Angaben der Band zu seinen bevorzugten Venues.

Acht Stunden Jam als Bewerbungsgespräch

Obwohl Frank Beard praktisch untrennbar mit ZZ Top verbunden ist, war er nicht der erste Schlagzeuger der Bandgeschichte. In der frühen Phase saß zunächst Dan Mitchell am Schlagzeug. Beard stieß 1969 dazu und komplettierte wenig später gemeinsam mit Dusty Hill jene Besetzung, die den Sound von ZZ Top über Jahrzehnte prägen sollte.

Der am 11. Juni 1949 in Frankston, Texas, geborene Beard hatte zuvor bereits in verschiedenen Bands gespielt, darunter The Cellar Dwellers, The Warlocks und American Blues. Besonders wichtig für seine spätere Karriere: In mehreren dieser Formationen musizierte er bereits mit Dusty Hill.

Wie intensiv Beard Musik anging, zeigt eine Episode aus der Dokumentation ZZ Top: That Little Ol’ Band from Texas. Kurz nach seinem ersten Treffen mit Billy Gibbons ging es für die beiden in einen Proberaum – und dort wurde stundenlang gejammt.

Gibbons war schnell überzeugt. Er erinnerte sich später vor allem an die Vehemenz und Entschlossenheit, mit der Beard spielte. Der passende Drummer für ZZ Top war gefunden.

Der Groove hinter „La Grange“ und „Tush“

Mit Beard am Schlagzeug und Dusty Hill am Bass stand jene Rhythmusgruppe, die den ZZ-Top-Sound über Jahrzehnte definieren sollte. Beard ist bereits auf dem 1971 veröffentlichten Debüt ZZ Top’s First Album zu hören. Der große kommerzielle Durchbruch folgte 1973 mit Tres Hombres und „La Grange“.

Für Drummer lohnt sich gerade dieses frühe Material bis heute. Denn Beard spielte Bluesrock nicht wie einen sportlichen Wettkampf. Seine Parts lebten von Gewicht, Timing und einer fast störrischen Konsequenz. Wo andere Schlagzeuger noch ein Fill untergebracht hätten, ließ Beard lieber das Riff sprechen.

„La Grange“ ist dafür das Paradebeispiel. Der Song braucht keine rhythmische Akrobatik, weil der gesamte Reiz in seinem hypnotischen Shuffle steckt. Beard hält die Maschine am Laufen und lässt gleichzeitig genügend Luft zwischen den Schlägen, damit Gibbons’ Gitarre atmen kann.

Ähnlich funktioniert „Tush“: geradeaus, kompakt und ohne überflüssige Verzierungen schiebt die Rhythmusgruppe den Song nach vorne. Das klingt auf dem Papier einfach. Es überzeugend zu spielen, ist es nicht.

Weniger Noten, mehr Haltung

Beards Schlagzeugspiel war ein Lehrstück darüber, wie stark Zurückhaltung wirken kann. Sein Groove musste nicht permanent auf sich aufmerksam machen. Er saß tief im Song, hielt Bass und Gitarre zusammen und gab ZZ Top jene lässige Schwere, die sich kaum sinnvoll quantifizieren lässt.

Gerade für Drummer ist das ein wesentlicher Teil seines Vermächtnisses: Ein guter Rock-Groove entsteht nicht zwangsläufig dadurch, dass möglichst viel passiert. Entscheidend ist, wann etwas passiert – und mit welchem Gewicht.

Beard konnte hart spielen, ohne den Songs ihre Beweglichkeit zu nehmen. Sein Ansatz war eng mit Blues und Boogie verbunden, klang aber nie nach musealer Traditionspflege. Die Band konnte dadurch ihre musikalische Sprache verändern, ohne ihr rhythmisches Rückgrat zu verlieren.

Billy Gibbons hob nach Beards Tod besonders dessen charakteristischen Backbeat hervor und bezeichnete ihn als entscheidenden Bestandteil des ZZ-Top-Sounds. Für einen Drummer wie Beard dürfte es kaum ein passenderes Kompliment geben: Nicht die Anzahl der gespielten Noten machte ihn unverwechselbar, sondern das Gefühl dazwischen.

Vom texanischen Bluesrock zum MTV-Phänomen

In den Siebzigerjahren entwickelte das Trio aus Beard, Gibbons und Hill seinen charakteristischen Mix aus Texas Blues, Boogie und dreckigem Rock’n’Roll. Songs wie „La Grange“ und „Tush“ etablierten ZZ Top weit über die amerikanische Bluesrock-Szene hinaus.

In den Achtzigern veränderte sich der Sound deutlich. Die Songs wurden kompakter, die Produktion moderner und elektronische Elemente hielten Einzug. Mit Eliminator von 1983 erreichte diese Entwicklung ihren kommerziellen Höhepunkt. Synthesizer und Drum Machines trafen nun auf die bewährte Blues- und Boogie-DNA der Band.

„Gimme All Your Lovin’“, „Sharp Dressed Man“ und „Legs“ machten ZZ Top endgültig zu MTV-Stars. Mit Afterburner setzte die Band diesen Weg fort.

Für Beard bedeutete diese Phase auch eine Veränderung seiner Rolle. Elektronische Sounds und programmierte Elemente wurden zunehmend Bestandteil der Produktionen. Trotzdem blieb die grundlegende Idee dieselbe: Der Rhythmus musste unmittelbar funktionieren. ZZ Top konnten ihren Blues ins Maschinenzeitalter überführen, weil der Groove darunter simpel, körperlich und eindeutig blieb.

Der Mann ohne Vollbart

Zu den schönsten Ironien der Rockgeschichte gehört natürlich sein Name. Ausgerechnet Frank Beard war das Mitglied von ZZ Top, das nicht den monumentalen Vollbart trug, der Billy Gibbons und Dusty Hill zu zwei der bekanntesten Silhouetten der Rockmusik machte.

Doch während das visuelle Erscheinungsbild der Band zum Popkultur-Phänomen wurde, war Beards Position musikalisch alles andere als ein Gag. ZZ Top funktionierten über die Chemie dreier Musiker – und Beard war derjenige, der diese Chemie rhythmisch zusammenhielt.

2004 wurden ZZ Top in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen. Zu diesem Zeitpunkt hatte die klassische Besetzung aus Gibbons, Hill und Beard bereits mehr als drei Jahrzehnte gemeinsamer Bandgeschichte hinter sich.

Dusty Hill starb 2021 im Alter von 72 Jahren. Anschließend übernahm Elwood Francis den Bass. Mit Frank Beards Tod ist Billy Gibbons nun das letzte lebende Mitglied der klassischen ZZ-Top-Besetzung.

Fazit: Ein Groove, der keine Erklärung brauchte

Frank Beard war kein Drummer, der Songs als Plattform zur Selbstdarstellung behandelte. Genau darin lag seine Größe. Sein Spiel erinnerte daran, dass ein Schlagzeuger eine Band prägen kann, ohne sich permanent in den Vordergrund zu spielen.

Wer verstehen möchte, was Pocket im Rock-Kontext bedeutet, kann sich „La Grange“, „Tush“ oder die großen ZZ-Top-Produktionen der Achtziger anhören. Dann nicht auf die spektakulärste Stelle warten, sondern darauf achten, wie selbstverständlich alles sitzt.

Beard spielte mit Druck, aber ohne Hektik. Er ließ Riffs größer erscheinen, statt mit ihnen um Aufmerksamkeit zu konkurrieren. Und er verstand eine Lektion, die für Schlagzeuger schwieriger umzusetzen ist, als sie klingt: Wenn ein Groove funktioniert, muss man ihn nicht retten. Man muss ihn spielen.

Und wie sagt man bei uns in Köln so schön: „Niemals geht man so ganz.“ Bei Frank Beard bleiben ein unverwechselbarer Backbeat, unzählige Songs und dieser lässige Texas-Groove, den Generationen von Drummern noch lange hören – und spielen – werden.

Mach et joot, Frank!

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Ein ausführliches Drum Warm-up ist vor einem Auftritt nicht immer möglich. Vielleicht verzögert sich der Soundcheck, der Umbau dauert länger als geplant oder der Weg von der Garderobe zur Bühne ist überraschend kurz. Für solche Situationen braucht es keine komplizierte Übungsroutine. Entscheidend ist, die Hände schnell zu aktivieren, ein Gefühl für den Rebound zu entwickeln und unnötige Spannung abzubauen.

Genau dabei kann das Spielen ohne Daumen helfen. Die Übung ist kein alternativer Grip und auch keine Technik für das eigentliche Konzert. Sie ist ein kurzer Kontrolltest. Sobald der Daumen den Stick nicht mehr festhalten kann, müssen Handgelenke und Finger bewusster arbeiten. Zu hoher Druck wird sofort spürbar und der Stick kann freier reagieren.

Warum der Daumen oft zur Bremse wird

Der Daumen gehört beim normalen Spielen selbstverständlich an den Stick. Gemeinsam mit dem Zeigefinger oder, abhängig von der individuellen Technik, mit dem Mittelfinger bildet er einen wichtigen Drehpunkt. Unter Zeitdruck entsteht jedoch schnell der Reflex, den Stick zwischen Daumen und Finger einzuklemmen.

Dieser zusätzliche Druck blockiert den Rebound. Der Stick kann nach dem Schlag nicht frei zurückfedern und muss bei jeder Bewegung aktiv angehoben werden. Das kostet Kraft und führt häufig dazu, dass sich die Spannung vom Daumenballen über das Handgelenk bis in den Unterarm fortsetzt. Besonders bei schnellen Single Strokes oder lauten Akzenten wird die Bewegung dadurch schwerfällig.

Wenn du den Daumen für kurze Zeit vom Stick löst, fällt diese mögliche Fehlerquelle weg. Das Handgelenk gibt den Impuls, während Zeige-, Mittel-, Ringfinger und kleiner Finger den Stick führen. Dabei zeigt sich sofort, ob du den natürlichen Rückprall nutzt oder versuchst, jeden Schlag vollständig aus eigener Kraft zu kontrollieren.

Rebound fühlen statt Stick festhalten

Beim lockeren Schlag bewegt sich der Stick nach dem Kontakt selbstständig zurück. Die Aufgabe der Hand besteht nicht darin, diese Bewegung zu verhindern. Sie begleitet den Stick, kontrolliert seine Flugbahn und bereitet den nächsten Schlag vor.

Ohne Daumenkontakt wird dieses Zusammenspiel deutlicher. Greifen die übrigen Finger zu fest, bleibt der Stick hängen. Sind sie zu weit geöffnet, verliert er seine Führung. Die Übung zwingt dich deshalb dazu, genau das richtige Maß an Kontrolle zu finden.

Aus meiner Sicht liegt darin der größte Nutzen dieses Warm-ups. Es geht nicht darum, besonders schnell zu spielen. Es geht darum, innerhalb weniger Sekunden zu prüfen, wie viel Druck tatsächlich notwendig ist. Sobald die Daumen später wieder am Stick liegen, fühlt sich der Grip häufig leichter und beweglicher an.

Die richtige Ausgangsposition

Nimm die Sticks zunächst wie gewohnt in die Hand. Löse anschließend beide Daumen vollständig vom Stick. Sie zeigen nach oben oder leicht nach außen. Spreize sie nicht mit Kraft ab und überstrecke sie nicht. Der Daumen soll lediglich keinen Kontakt zum Stick haben.

Die übrigen Finger bleiben locker geschlossen. Halte die Sticks nicht nur mit den Fingerspitzen fest, sondern lasse sie natürlich in der Hand liegen. Beginne mit niedrigen Schlaghöhen. Das Ziel ist ein kontrollierter Bewegungsablauf, nicht maximale Lautstärke.

Du kannst das Programm auf einem Practice Pad, einer weichen Stuhlfläche oder vorsichtig auf dem gepolsterten Bereich des Oberschenkels spielen. Vermeide harte Schläge direkt auf die Kniescheibe.

0:00 bis 0:30 Minuten: Handgelenke mit Single Strokes aktivieren

Starte mit langsamen, gleichmäßigen Single Strokes:

R L R L

Die Bewegung kommt zunächst hauptsächlich aus dem Handgelenk. Spiele bewusst leise und achte darauf, dass beide Sticks nach dem Kontakt ähnlich hoch zurückfedern. Die Finger führen den Stick, sollen ihn aber nicht einklemmen.

Steigere das Tempo während der 30 Sekunden nur leicht. Kontrolliere dabei Schultern, Ellenbogen und Unterarme. Sobald dort Spannung entsteht, reduzierst du das Tempo wieder.

0:30 bis 1:00 Minute: Finger mit Double Strokes einschalten

Wechsle anschließend zu Double Strokes:

R R L L

Der erste Schlag erzeugt den Rebound. Für den zweiten Schlag schließen sich die hinteren Finger kontrolliert um den Stick. Besonders Mittel-, Ringfinger und kleiner Finger übernehmen jetzt mehr Arbeit.

Versuche nicht, den zweiten Schlag mit Kraft aus dem Unterarm zu erzeugen. Beide Schläge sollten möglichst gleichmäßig klingen. Ohne Daumen wird schnell hörbar, wenn die zweite Note deutlich leiser oder unkontrolliert gespielt wird.

1:00 bis 1:30 Minuten: Paradiddles für die Koordination

Nach einer Minute kommen Single Paradiddles hinzu:

R L R R L R L L

Das Muster bringt einen kleinen koordinativen Reiz ins Warm-up. Die Einzel- und Doppelschläge wechseln ständig ihre Funktion, während der Akzent von einer Hand zur anderen wandert.

Spiele zunächst ohne zusätzliche Akzente. Wichtig ist, dass der Bewegungsfluss erhalten bleibt. Wenn das Muster stabil läuft, kannst du die erste Note jeder Vierergruppe leicht hervorheben. Der Akzent entsteht aus einer etwas größeren Schlaghöhe, nicht aus zusätzlichem Greifdruck.

1:30 bis 2:00 Minuten: Kontrollierter Unterarm-Sprint

In den letzten 30 Sekunden wechselst du zurück zu Single Strokes. Erhöhe das Tempo schrittweise, bis du ein schnelles, aber noch kontrolliertes Niveau erreicht hast.

Der Begriff „Burnout“ bedeutet in diesem Fall nicht, dass du mit maximaler Kraft spielen sollst. Ziel ist eine deutliche Aktivierung und Durchblutung der Muskulatur. Die letzten zehn Sekunden dürfen fordernd sein, aber die Sticks müssen weiterhin frei zurückfedern. Werden die Bewegungen hart oder ungleichmäßig, gehst du sofort mit dem Tempo zurück.

Nach exakt zwei Minuten stoppst du, schüttelst die Hände kurz aus und atmest einmal bewusst tief ein und aus.

Practice Pad oder Knie?

Ein Practice Pad liefert einen klaren und berechenbaren Rebound. Dadurch kannst du dich vollständig auf die Fingerkontrolle und gleichmäßige Schlaghöhen konzentrieren. Für dieses Warm-up ist es die beste Lösung.

Auf dem Oberschenkel fällt der Rebound deutlich geringer aus. Spiele hier besonders leise und mit kleinen Bewegungen. Der geringere Rückprall aktiviert die Finger stärker, darf aber nicht dazu führen, dass du die Sticks mit Kraft in das Bein drückst. Alternativ funktioniert auch ein gefaltetes Handtuch als mobile Spielfläche.

Atmung gegen den Backstage-Stress

Zeitdruck führt häufig dazu, dass Drummer unbewusst die Luft anhalten. Genau das erhöht die Körperspannung. Atme deshalb während jeder Phase ruhig weiter. Ein langer Atemzug zu Beginn und ein bewusstes Ausatmen beim Tempowechsel reichen oft schon aus.

Betrachte die zwei Minuten nicht als Leistungstest. Du musst keine Bestmarke erreichen. Das Programm soll dich körperlich aktivieren und gleichzeitig mental auf einen kontrollierten ersten Song vorbereiten.

Wann kommen die Daumen wieder an den Stick?

Nach dem letzten Single-Stroke-Durchgang legst du die Daumen locker zurück an ihre normale Position. Vermeide es, den Grip sofort wieder zu schließen. Die Daumen berühren den Stick, üben aber nur so viel Druck aus, wie für eine sichere Führung notwendig ist.

Genau hier entsteht meist der gewünschte Aha-Effekt. Der Stick fühlt sich leichter an, die Finger reagieren schneller und der Rebound lässt sich besser wahrnehmen. Spiele zum Abschluss einige lockere Schläge mit deinem normalen Grip. Dann kann die Show beginnen.

Die drei goldenen Regeln

• Lockerheit kommt vor Tempo: Sobald die Bewegung hart wird, langsamer spielen.
• Weiteratmen: Ruhige Atmung hält Schultern und Unterarme entspannt.
• Daumen wirklich lösen: Kein Kontakt zum Stick, aber auch kein verkrampftes Abspreizen.

Zwei Minuten ersetzen kein vollständiges Warm-up. Sie können aber ausreichen, um kalte Hände zu aktivieren, überflüssigen Greifdruck zu erkennen und das Gefühl für den Stick zurückzubekommen. Mehr braucht es backstage manchmal nicht.

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Eigentlich sollte das Konzert am 5. August 2026 in der Hollywood Bowl den Startschuss für die US-Tour „The Big One“ geben. Doch ZZ Top sagten die Show mit Cheap Trick kurzfristig ab. Offiziell war zunächst von „unvorhergesehenen persönlichen Angelegenheiten“ die Rede. Billy Gibbons bat die Fans um Verständnis für die Unterbrechung.

Wie das US-Portal TMZ anschließend berichtete, soll die Absage mit dem Gesundheitszustand von Frank Beard zusammenhängen. Genauere Angaben dazu gibt es bislang nicht.

Michael Monahan übernimmt die Drums

Seit dem zweiten Tourtermin im kalifornischen Fresno sitzt Michael Monahan hinter dem Kit. Er kennt den Job bereits: Schon 2025 sprang er für Beard ein, als dieser wegen Problemen mit Fuß beziehungsweise Sprunggelenk pausieren musste. Damals übernahm zeitweise auch Beards Drum-Tech John Douglas.

Seit September 2025 hatte Beard wieder mit ZZ Top auf der Bühne gestanden. Wie lange seine aktuelle Pause dauern wird, ist derzeit offen. Die US-Tour soll noch bis zum 9. Oktober weiterlaufen.

Ein Groove, der schwerer ist, als er klingt

Aus Drummer-Sicht ist Beards Ausfall besonders interessant. Sein Spiel gehört schließlich zu den besten Beispielen dafür, dass ein prägender Rock-Drummer keine Notenflut braucht. Songs wie „La Grange“, „Tush“ oder „Gimme All Your Lovin’“ leben von seinem trockenen, tief im Pocket sitzenden Beat.

Genau darin liegt auch die Herausforderung für einen Ersatzmann: Die Parts mögen auf dem Papier überschaubar wirken, doch Feel, Dynamik und Timing müssen stimmen. Bei ZZ Top zählt nicht das spektakuläre Fill, sondern der Groove zwischen den Noten.

Beard gehört seit 1969 zur Band. Nach dem Tod von Bassist Dusty Hill im Jahr 2021, dessen Position Elwood Francis übernahm, ist Billy Gibbons derzeit der einzige Musiker der klassischen Besetzung auf der Bühne.

Fazit

Frank Beard war bei ZZ Top nie der Mann für große Showeinlagen – sondern für einen der unverwechselbarsten Grooves des Blues- und Boogie-Rock. Michael Monahan übernimmt damit einen Job, der einfacher aussieht, als er tatsächlich ist. Vor allem aber bleibt zu hoffen, dass Beard die nötige Zeit bekommt, um sich vollständig zu erholen.

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Wenige Drummer haben den Sound und das Erscheinungsbild des modernen Pop-Punk so nachhaltig geprägt wie Travis Barker. Sein druckvoller Anschlag, die rastlose Energie seiner Fills und sein selbstverständlicher Wechsel zwischen Punk, Rock und Hip-Hop machten ihn weit über Blink-182 hinaus zu einer Ikone. Doch wer steckt hinter dem Musiker, der am Drumset stets unverwundbar zu wirken scheint?

Dieser Frage widmet sich die neue Dokumentation „Travis Barker: Louder Than Fear“. Der rund 100-minütige Film von Justin Krook und Michael Dwyer versteht sich weniger als chronologisch abgearbeitete Karriere-Rückschau denn als persönliches Porträt. Zwar spielen Barkers musikalische Anfänge, sein Aufstieg mit Blink-182 und seine zahlreichen genreübergreifenden Kollaborationen eine Rolle. Im Zentrum steht jedoch der Mensch hinter dem weltbekannten Drummer.

Das Schlagzeug als Konstante

Besonders interessant für Schlagzeugerinnen und Schlagzeuger ist die Rolle, die Barkers Instrument innerhalb der Dokumentation einnimmt. Das Drumset erscheint als Audrucksmittel und treibende Kraft. Teile des Films werden von Barker selbst am Kit begleitet. Dadurch erhält seine Geschichte einen Rhythmus, der sich nicht allein über Interviews und Archivbilder vermittelt.

Seit 2017 wurde an „Louder Than Fear“ gearbeitet. Entstanden ist ein Film, der sich auch den schwierigen Kapiteln in Barkers Leben nähert. Der Flugzeugabsturz von 2008 und dessen körperliche wie psychische Folgen bilden dabei einen wichtigen Hintergrund. Die Dokumentation verspricht jedoch keine sensationslüsterne Aufarbeitung, sondern einen offenen Blick auf Trauma, Trauer, Disziplin und die Kraft, immer wieder weiterzumachen.

Neben Barker kommen Familienmitglieder, Freunde, Bandkollegen und musikalische Wegbegleiter zu Wort. Zu den Gästen zählen unter anderem Kourtney Kardashian-Barker, MGK und Lil Wayne. Gemeinsam zeichnen sie das Bild eines Musikers, dessen enorme Produktivität und kompromisslose Spielweise eng mit seiner persönlichen Geschichte verbunden sind.

Keine Drum-Masterclass und deshalb sehenswert

Wer eine detaillierte Analyse von Barkers Technik, seinem Equipment oder seinen bekanntesten Grooves erwartet, sollte keine klassische Musiker–Masterclass erwarten. „Louder Than Fear“ setzt an einer anderen Stelle an: bei der Frage, was einen Menschen über Jahrzehnte ans Instrument bindet und wie Musik dabei helfen kann, Erfahrungen zu verarbeiten, für die Worte allein nicht ausreichen.

Damit dürfte die Dokumentation nicht nur Blink-182-Fans ansprechen. Sie ist zugleich ein Porträt über Hingabe, Widerstandskraft und das Schlagzeug als lebenslange Konstante. Oder anders gesagt: über einen Drummer, der gelernt hat, selbst dann weiterzuspielen, wenn der nächste Takt alles andere als selbstverständlich ist.

„Travis Barker: Louder Than Fear“ ist seit dem 13. August 2026 bei Disney+ verfügbar.

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Alesis und Zildjian arbeiten künftig bei der Entwicklung digitaler Beckensounds zusammen. Ziel der Kooperation ist es, ausgewählte Zildjian Becken als detaillierte Samples für E-Drums und Musikproduktionen anzubieten. An den Aufnahmen ist auch das Team von BFD Drums beteiligt, das wie Alesis zur Unternehmensgruppe inMusic gehört.

Die Zusammenarbeit betrifft zunächst ausschließlich die Sounds. Neue Pads oder gemeinsam entwickelte E-Drum-Hardware wurden bislang nicht angekündigt. Im Mittelpunkt stehen vielmehr kostenpflichtige Erweiterungspakete für die Module der Alesis Strata Serie sowie die Softwareinstrumente BFD Player und BFD 3.5.

Becken aus dem Zildjian Artist Vault

Als Ausgangspunkt für die Samples dient der Zildjian Artist Vault. In dieser Sammlung befinden sich ausgewählte Becken, aus denen normalerweise Zildjian Endorser ihre persönlichen Setups zusammenstellen. Für die neuen Soundpakete werden passende Instrumente ausgewählt und vom BFD Team aufgenommen.

Die Herkunft der Samples ist durchaus relevant. Bei digitalen Beckensounds entscheidet nicht allein das verwendete Modell über das Ergebnis. Ebenso wichtig sind die Anzahl der Dynamikstufen, die aufgenommenen Spielzonen und das Verhalten der Samples bei schnellen Schlagfolgen. Gerade Hi-Hats und Ride-Becken stellen E-Drum-Systeme vor größere Herausforderungen, weil hier viele Abstufungen zwischen geschlossenem, halboffenem und offenem Klang sowie verschiedene Anschlagpositionen berücksichtigt werden müssen.

Alesis verspricht sich von der Zusammenarbeit mehr klangliche Tiefe und ein natürlicheres Spielgefühl. Ob sich die feinen Unterschiede der gesampelten Becken auch über die verschiedenen Alesis Pads vollständig umsetzen lassen, kann allerdings erst ein Praxistest zeigen.

Zildjian Session Mix Vol. 1 macht den Anfang

Das erste Ergebnis der Partnerschaft trägt den Namen Zildjian Session Mix Vol. 1. Das Paket kombiniert vier gesampelte Zildjian Becken mit einem sechsteiligen Bubinga Drumset. Enthalten sind ein 17 Zoll und ein 19 Zoll A Custom Rezo Crash, eine 15 Zoll New Beat Hi-Hat sowie ein 20 Zoll K Custom Dark Ride. Das akustische Set besteht aus einer 22 Zoll Bassdrum, einer 14 Zoll Snare und vier Toms in 10, 12, 14 und 16 Zoll.

Damit zielt die erste Erweiterung weniger auf experimentelle Effektsounds als auf ein vielseitiges Studio-Setup. Die beiden A Custom Rezo Crashes liefern unterschiedliche Größen für schnelle und breitere Akzente. Die New Beat Hi-Hat gehört zu den bekannten Allroundmodellen des Herstellers, während das K Custom Ride eine dunklere Klangfarbe beisteuert.

Laut BFD wurde das Set so aufbereitet, dass es sich ohne umfangreiche Nachbearbeitung in Produktionen einsetzen lässt. Gleichzeitig können die einzelnen Instrumente innerhalb der jeweiligen Software oder des Strata Moduls angepasst und mit eigenen Kits kombiniert werden. MIDI-Grooves gehören nicht zum Lieferumfang.

Eine Lizenz für drei Plattformen

Zildjian Session Mix Vol. 1 ist mit BFD Player, BFD 3.5 und den Alesis Strata Modulen kompatibel. Nach Angaben des Herstellers schaltet ein einmaliger Kauf die Versionen für alle drei Plattformen frei. Das Paket muss also nicht separat für Software und E-Drum-Modul erworben werden.

Für die Installation auf einem Strata Modul ist mindestens die Systemversion 1.5 erforderlich. Der Kauf und Download kann anschließend direkt über das Modul erfolgen. Wer die Erweiterung am Computer verwendet, benötigt eine Lizenz für BFD Player oder BFD 3.5. Für die Installation werden rund 16,5 GB freier Speicherplatz angegeben.

Die plattformübergreifende Lizenz ist ein sinnvoller Ansatz. Ein Soundpaket kann damit sowohl am E-Drum-Set als auch innerhalb einer DAW genutzt werden. Das erleichtert Produktionen, bei denen eine Performance zunächst über das E-Drum eingespielt und später als MIDI-Spur bearbeitet wird.

Weitere Zildjian Erweiterungen sind geplant

Zildjian Session Mix Vol. 1 ist nach Angaben der beteiligten Unternehmen lediglich der Auftakt. Weitere Soundpakete sollen ab Ende August 2026 erscheinen. Im Verlauf des Jahres sind regelmäßige Veröffentlichungen mit zusätzlichen Zildjian Serien und modernen Beckensounds vorgesehen. Konkrete Modelle oder Termine wurden noch nicht genannt.

Bemerkenswert ist die Kooperation auch deshalb, weil Zildjian mit der Alchem-E Serie eigene elektronische Schlagzeuge anbietet. Durch die Zusammenarbeit mit Alesis und BFD öffnet das Unternehmen seine gesampelten Beckensounds nun für weitere Hard- und Softwareplattformen. Für Zildjian entsteht damit ein zusätzlicher Vertriebsweg, während Alesis seine Strata Module um den Namen und das Klangarchiv eines etablierten Beckenherstellers erweitert.

Für Nutzer der Strata Serie ist vor allem interessant, wie umfangreich die kommenden Pakete ausfallen und wie realistisch sich Ride- und Hi-Hat-Artikulationen spielen lassen. Die Auswahl aus dem Artist Vault und die Erfahrung des BFD Teams bilden dafür eine gute Grundlage. Eine Aussage über Dynamik, Übergänge und Triggerverhalten ist anhand der bisherigen Klangbeispiele jedoch nur eingeschränkt möglich.

Weitere Informationen gibt es auf der offiziellen Alesis Themenseite und auf der Produktseite von BFD Drums.

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Gerade dieser Vergleich macht das Set interessant. Wer nicht unbedingt ein E-Drum in Akustik–Optik benötigt, sondern ein kompaktes, praxisgerechtes Set mit vielen professionellen Funktionen sucht, findet im DD-ONE Max eine spannende Alternative. Ich wollte wissen, wie sich dieses Konzept in der Praxis einordnet und ob die Kombination aus kompakten Pads und großem Modul in dieser Preisklasse überzeugt.

Aufbau und erster Eindruck

Auf den ersten Blick wirkt das Fame DD-ONE Max deutlich kompakter als das DD-ONE Akoustic. Statt großer Holzkessel mit klassischem Drumset-Look kommt hier ein Rack-System mit separaten Pads zum Einsatz. Im Lieferumfang befinden sich ein 12˝ Kick Pad, vier 10˝ Tom Pads, ein 12˝ Snare Pad, zwei 12˝ Crash Pads, ein 12˝ Ride Pad, ein 12˝ HiHat Pad, HiHat-Ständer, Fußmaschine, Rack, Modul, Kabelsatz und Bedienungsanleitung. Damit ist das Set vollständig ausgestattet und kann nach dem Aufbau direkt gespielt werden.

Das Layout orientiert sich an einem vollwertigen Drumset mit Snare, Bassdrum, vier Toms, zwei Crashbecken, Ride und echter HiHat. Gerade die vier Tom Pads sind in dieser Preisklasse nicht selbstverständlich und bieten mehr Spielraum für moderne Setups, größere Fills oder stilistisch breitere Anwendungen. Auch die beiden Crash Pads und das Ride machen das Set deutlich flexibler als viele reduzierte E-Drum Sets im Einsteigerbereich.

Der Aufbau über das Rack ist funktional und platzsparend. Die Pads lassen sich in der Position gut anpassen, wobei man natürlich nicht ganz die freie Platzierung eines Akustiksets mit einzelnen Stativen erreicht. Für den Heimgebrauch, das Übezimmer oder ein kleines Studio ist diese Lösung allerdings sehr praktisch. Das Set steht kompakt, wirkt aufgeräumt und benötigt deutlich weniger Stellfläche als die Akoustic-Version.

Pads und Spielgefühl

Bei den Trommel–Pads kommen Mesh-Heads zum Einsatz, die für ein natürliches Rebound-Gefühl und eine fein auflösende Dynamik sorgen sollen. Laut Produktbeschreibung bietet die Snare zusätzlich eine Positionserkennung, wodurch sich der Klang je nach Anschlagspunkt verändert. Außerdem gehören 2-Zonen-Toms, 2-Zonen-Crash-Becken mit Choke-Funktion, ein 3-Zonen-Ride sowie eine reale HiHat mit separatem Ständer zum Setup.

Das Spielgefühl ist dadurch deutlich näher an einem akustischen Schlagzeug als bei einfachen Gummi-Pads. Die Mesh-Heads lassen sich angenehm spielen, geben den Sticks genug Rebound zurück und erzeugen im Raum nur geringe Eigengeräusche. Besonders beim Üben in Wohnungen ist das ein wichtiges Argument. Natürlich bleibt ein E-Drum immer hörbar, vor allem über Trittschall an Kick und HiHat, aber die reine Schlaggeräuschentwicklung der Pads ist deutlich wohnzimmertauglicher als bei einem akustischen Set.

Die 10˝ Toms sind kompakt, aber groß genug, um nicht ständig das Gefühl zu haben, auf kleinen Übungsflächen zu spielen. Wer von einem akustischen Set kommt, muss sich etwas an die kleineren Abstände und Spielflächen gewöhnen. Nach kurzer Zeit funktioniert das jedoch gut, zumal das Rack eine recht ergonomische Positionierung ermöglicht. Für Anfänger ist der kompakte Aufbau sogar ein Vorteil, weil die Wege kurz bleiben und das Set übersichtlich wirkt.

Die Snare mit Holzkessel und Positionserkennung

Besonders hervorzuheben ist das 12˝ F-DDMAXT12 Snare Pad. Anders als einfache Kunststoff- oder Gummi-Pads besitzt es einen echten Holzkessel und eine integrierte Positionserkennung. Dadurch reagiert das Pad nicht nur auf die Anschlagstärke, sondern auch auf den Treffpunkt auf dem Fell. Schläge in der Mitte können also anders klingen als Schläge näher am Rand, was Ghost Notes, Akzente und dynamische Grooves lebendiger macht.

Genau hier zeigt sich einer der wichtigsten Unterschiede zu einfachen E-Drum Sets. Eine Snare ist am Schlagzeug das ausdrucksstärkste Instrument. Wer nur einen statischen Head-Sound und einen Rim-Sound zur Verfügung hat, kann zwar üben und spielen, aber viele Nuancen gehen verloren. Beim DD-ONE Max wird dieser Bereich deutlich ernster genommen. Rimshots und Cross–Stick–Spiel wirken dadurch glaubwürdiger, und die Snare vermittelt mehr Rückmeldung als ein einfaches 2-Zonen-Pad.

Im direkten Spielgefühl kommt das 12˝ Pad natürlich nicht ganz an eine 14˝ Snare der Akoustic–Version heran. Dafür ist es kompakter und passt besser zum Gesamtaufbau des Sets. Die Spielfläche ist groß genug, um sauber zu arbeiten, und klein genug, um das Set platzsparend zu halten. Für mich ist dieses Snare Pad einer der stärksten Punkte am DD-ONE Max, weil es den Anspruch des Sets gut zusammenfasst: kompakt, aber nicht billig; einsteigerfreundlich, aber mit Funktionen, die auch fortgeschrittene Drummer zu schätzen wissen.

Die echte HiHat

Ein weiterer wichtiger Punkt ist die HiHat. Das DD-ONE Max arbeitet nicht mit einem einfachen Controller-Pedal, sondern mit einer realen HiHat auf separatem Ständer. Das 12˝ HiHat Pad sitzt auf einer normalen HiHat-Maschine und besitzt eine Pedal-Positionserkennung. Damit lassen sich geschlossene, halb offene und offene HiHat-Spielweisen deutlich natürlicher umsetzen als bei vielen einfachen Einsteiger-Sets.

Gerade für Drummer, die vom akustischen Set kommen oder auf einem E-Drum möglichst sauber üben möchten, ist das ein großer Vorteil. Die HiHat ist beim Schlagzeug eines der wichtigsten Instrumente für Timing, Dynamik und Groove-Gefühl. Wenn sie sich zu künstlich verhält, leidet das gesamte Spielgefühl. Beim DD-ONE Max wirkt die Lösung praxisnah und musikalisch sinnvoll.

Natürlich sollte man keine High-End-HiHat auf dem Niveau teurer digitaler Top-Systeme erwarten. In einer Kundenbewertung wird genau dieser Punkt treffend beschrieben: Man solle keine Roland VH-14 HiHat oder digitale Snare- und Ride-Lösungen erwarten, müsse aber auch den deutlich günstigeren Preis des kompletten Sets berücksichtigen. Das ist aus meiner Sicht eine faire Einordnung. Die HiHat des DD-ONE Max ist nicht Referenzklasse, aber für diese Preisklasse sehr gut gelöst und deutlich besser als ein reines Pedal-Controller-System.

Becken-Pads und Spieltechniken

Die beiden 12″ Crash Pads bieten zwei Spielzonen und eine Choke-Funktion. Das Ride Pad ist ebenfalls 12˝ groß und als 3-Zonen-Pad ausgelegt. Damit lassen sich typische Spieltechniken wie Bow, Bell und Edge beim Ride sowie das Abstoppen der Becken umsetzen. Für Rock, Pop, Funk, Metal und viele Übesituationen ist das völlig ausreichend.

Im Vergleich zur Akoustic–Version mit 16˝ Crash Pads und 18˝ Ride wirkt das DD-ONE Max kompakter und weniger nah am akustischen Größenverhältnis. Das ist der eigentliche Kompromiss dieses Sets. Man bekommt weniger große Spielflächen, dafür aber ein deutlich platzsparenderes Setup. Für das Übezimmer ist das absolut sinnvoll. Wer allerdings großen Wert auf möglichst realistische Beckenabstände und große Pad-Durchmesser legt, wird die Akoustic-Version bevorzugen.

Klanglich hängt der Eindruck wie immer stark vom gewählten Kit und den internen Einstellungen ab. Die Choke–Funktionen arbeiten praxisgerecht, und die Zonenaufteilung bietet genug Ausdrucksmöglichkeiten für die meisten Anwendungen. Bei schnellen Ride-Figuren, Bell-Patterns und akzentuiertem Crash-Spiel zeigt sich, dass das Set nicht nur als Anfängerinstrument gedacht ist, sondern auch für fortgeschrittenes Üben taugt.

Das Modul: PURE DRUM 2.0

Das Herzstück des Fame DD–ONE Max ist das bekannte Soundmodul mit PURE DRUM 2.0 Soundengine. Laut Produktdaten bietet es 1.576 Preset-Sounds, bis zu 99 User-Samples, 92 Preset-Kits und 50 frei editierbare User-Kits. Dazu kommen ein 320 x 240 Farb-TFT-Display, acht Individual-Outputs, Stereo-Ausgänge, USB Audio, USB-MIDI, Bluetooth Audio und Bluetooth MIDI, 13 Insert-Effekte, Kit-EQ, Kit-Kompressor, Audio- und MIDI-Recording auf SD-Karte, Coach-Modus und Metronom mit Tap-Tempo.

Die Bedienung ist wie beim DD-ONE Akoustic logisch aufgebaut. Das farbige Display ist gut lesbar, die wichtigsten Funktionen sind direkt erreichbar, und der eingebaute Mixer ist im Alltag sehr hilfreich. Die Lautstärken der einzelnen Pads lassen sich schnell anpassen, was beim Erstellen eigener Kits und auch beim Spielen mit unterschiedlichen Presets ein echter Vorteil ist. Wenn die Snare im Rock-Kit etwas zu laut, das Ride im Jazz-Kit zu leise oder die Toms im Metal-Kit zu dominant erscheinen, lässt sich das ohne lange Menütauchgänge korrigieren.

Sehr praktisch ist außerdem die Möglichkeit, eigene WAV-Samples per SD-Karte zu laden und mit internen Sounds zu layern. Damit öffnet sich das Set für eigene Sounds, Loops, Effekt-Samples oder spezielle Live-Anwendungen. Gerade in modernen Produktionen, in denen akustische Drums, elektronische Elemente und Samples oft zusammenlaufen, ist diese Funktion ein starkes Argument.

Sounds von Simon Phillips

Ein wichtiges Verkaufsargument des Moduls sind die von Simon Phillips entwickelten Drum- und Beckensounds. Der ehemalige Toto–Drummer hat exklusiv für Music Store Professional einen Soundpool mit über 120 Drum- und Beckensounds aufgenommen, die mit seinem Tama Star Drumset entstanden sind. Die Produktseite nennt dabei rund 1100 Einzelsamples, die von Simon Phillips persönlich eingespielt und für die DD-ONE Sound Engine bearbeitet wurden. Zusätzlich befinden sich weitere 77 Percussion-Klänge im Modul, die in einem Kölner Tonstudio aufgenommen und weiterverarbeitet wurden.

Diese Sounds gehören auch beim DD-ONE Max zu den größten Stärken. Die Drums wirken nicht steril oder kurz abgeschnitten, sondern besitzen je nach Preset eine gute Natürlichkeit und angenehm längere Ausklingzeiten. Gerade offenere Sets, Fusion- und Pop-Kits profitieren davon. Rock- und Metal-Presets sind genretypisch kompakter, direkter und stärker kontrolliert. Das ist sinnvoll, weil nicht jedes Kit dieselbe klangliche Ästhetik bedienen soll.

Natürlich bleibt auch hier der persönliche Geschmack entscheidend. Manche Presets wirken direkt spielbereit, andere wird man in Lautstärke, EQ oder Effektanteil anpassen wollen. Genau dafür bietet das Modul aber genug Bearbeitungsmöglichkeiten. Pitch, Decay, Attack, Resonanz, Sustain, Snare Buzz, Becken-Größe, Pad-EQ, Kompression, Reverb, Distortion, Modulation und Pitch-Effekte erlauben eine sehr detaillierte Klanggestaltung.

Studio und Live

Für Studio und Bühne ist das DD-ONE Max ungewöhnlich gut ausgestattet. Acht Einzelausgänge sind in dieser Preisklasse ein starkes Argument. Damit lassen sich Snare, Kick, Toms oder Becken getrennt an ein Mischpult oder Audio-Interface schicken und extern bearbeiten. Dazu kommen Stereo-Ausgänge, USB Audio und MIDI sowie Bluetooth Audio und MIDI.

Gerade für Homerecording ist das interessant. Man kann das Set als klassisches E-Drum Modul nutzen, per MIDI Software-Instrumente ansteuern oder Audio direkt weiterverarbeiten. Eine Kundenbewertung beschreibt den Einsatz mit einem SSL 12 Interface und Superior Drummer 3 als nahezu latenzfrei und hebt außerdem hervor, dass die internen Sounds des Moduls brauchbar und die Bedienung am LCD-Schirm intuitiv seien.

Aus Drummer-Sicht ist das ein wichtiger Punkt. Viele E-Drum Sets klingen für sich allein gut, werden aber schwierig, sobald man sie ernsthaft in ein Studio-Setup integrieren möchte. Beim DD-ONE Max ist die Anschlussseite so umfangreich, dass man deutlich flexibler arbeiten kann. Für kleine Bühnen, Kirchen, Proberäume, Unterrichtsräume, Home-Studios und Demo-Produktionen ist das Set daher sehr vielseitig einsetzbar.

Unterschiede zum DD-ONE Akoustic

Der wichtigste Unterschied zum DD-ONE Akoustic liegt eindeutig im Pad-Konzept. Das Akoustic setzt auf große Holzkessel in echten Trommelgrößen, darunter 20˝ Bassdrum, 14˝ Snare, 10˝ und 12˝ Toms sowie 14˝ Floortom. Dazu kommen große Cymbal Pads und ein insgesamt stärker akustisch wirkendes Erscheinungsbild.

Das DD-ONE Max ist kompakter und funktionaler. Die Pads sitzen am Rack, die Tomflächen sind 10˝ groß, Kick und Snare messen 12˝, ebenso HiHat, Crashes und Ride. Dadurch wirkt das Set weniger wie ein akustisches Schlagzeug, lässt sich aber leichter unterbringen, schneller positionieren und platzsparender nutzen.

Wer auf Bühne oder Video eine möglichst akustische Optik sucht, wird mit dem Akoustic glücklicher. Wer dagegen ein modernes E-Drum Set mit starkem Modul, echter HiHat, vier Toms, kompakter Stellfläche und sehr guter Ausstattung für den Preis sucht, ist beim Max genau richtig. Aus meiner Sicht sind das keine direkten Konkurrenten, sondern zwei unterschiedliche Varianten derselben technischen Basis.

Kritikpunkte

Ganz ohne Einschränkungen kommt das DD-ONE Max nicht aus. Die kompakten Becken-Pads wirken im Vergleich zu größeren E-Cymbals weniger realistisch. Besonders das 12˝ Ride ist funktional überzeugend, vermittelt aber nicht ganz das Spielgefühl eines größeren Ride Pads oder gar eines akustischen Beckens. Wer viel mit Ride–Dynamik, großem Bewegungsradius und Jazz-orientierter Phrasierung arbeitet, wird diesen Punkt bemerken.

Auch die optische Wirkung ist klar E-Drum-typisch. Das muss kein Nachteil sein, sollte aber bedacht werden. Das DD-ONE Max sieht modern und sauber aus, aber eben nicht wie ein akustisches Schlagzeug. Für manche Bühnen und Produktionen ist das völlig in Ordnung, für andere Situationen kann die Akoustic-Version passender sein.

Beim Modul hätte ich mir wie schon beim Akoustic–Test eine noch detailliertere optische Pegelanzeige gewünscht. Das vorhandene Leuchtband ist schön anzusehen und erfüllt seinen Zweck, eine präzisere LED-Anzeige einzelner Kanalpegel wäre für die praktische Arbeit im Studio oder auf der Bühne aber noch übersichtlicher.

Testmodell Fame DD-ONE Max

• 12˝ Kick Pad
• 12˝ Snare Pad mit echtem Holzkessel und Positionserkennung
• 4 x 10˝ Tom Pads
• 2 x 12˝ Crash Pads mit Choke-Funktion
• 12˝ Ride Pad
• 12˝ HiHat Pad mit HiHat-Ständer
• Mesh-Heads
• Rack-System
• PURE DRUM 2.0 Soundengine
• Lieferumfang inklusive Kick-Pedal, Kabelsatz und Bedienungsanleitung

Fazit

Das Fame DD-ONE Max ist kein E-Drum Set, das über große Holzkessel und akustische Optik punkten will. Dafür gibt es das DD-ONE Akoustic. Das Max setzt auf ein modernes, kompaktes Rack-Konzept und kombiniert dieses mit einem erstaunlich stark ausgestatteten Modul, guter Pad-Ausstattung und einer Snare, die mit Holzkessel und Positionserkennung in dieser Preisklasse besonders hervorsticht.

Die größte Stärke ist die Kombination aus Spielbarkeit, Soundauswahl und Anschlussvielfalt. Die PURE DRUM 2.0 Soundengine liefert mit den Simon Phillips Samples eine hochwertige Basis, die Bearbeitungsmöglichkeiten sind umfangreich, eigene Samples können geladen werden, und mit acht Einzelausgängen, USB Audio, MIDI und Bluetooth ist das Set für Üben, Recording und Live-Anwendungen gut gerüstet.

Die kompakteren Pads sind gleichzeitig Stärke und Kompromiss. Sie sparen Platz, machen das Set wohnungs- und studiogerecht und ermöglichen ein übersichtliches Setup. Wer allerdings ein möglichst akustisches Größen- und Raumgefühl sucht, sollte das DD-ONE Akoustic antesten. Wer dagegen ein gut ausgestattetes E-Drum mit viel Funktion fürs Geld, echter HiHat, vier Toms, Positionserkennung an der Snare und professionellen Anschlussmöglichkeiten sucht, bekommt mit dem Fame DD-ONE Max ein sehr überzeugendes Gesamtpaket.

In der Zusammenfassung bietet das Fame DD-ONE Max viele Funktionen, die man in dieser Preisklasse nicht selbstverständlich erwarten würde. Es ist kompakt, vielseitig, klanglich erwachsen und durch das Modul auch für Recording- und Live-Anwendungen interessant. Für ambitionierte Einsteiger, fortgeschrittene Drummer und Home-Studio-Nutzer ist das Set daher eine klare Empfehlung.

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Welches Album besitzt den besten Drumsound? Eine eindeutige Antwort auf diese Frage gibt es nicht. Zu unterschiedlich sind die klanglichen Vorstellungen verschiedener Genres und Jahrzehnte. Ein Jazztrio verlangt nach einem anderen Schlagzeugklang als eine Rockband. Auch ein trockener Studiosound kann ebenso überzeugend sein wie ein weit geöffneter Raumklang.

Für diese Auswahl zählen daher mehrere Kriterien. Wie gut lässt sich das Schlagzeug im Mix erkennen? Unterstützt der Klang die Spielweise? Besitzt das Set eine eigene Identität? Und hat die Aufnahme andere Produktionen beeinflusst? Die folgenden fünf Alben habe ich ausgewählt, weil sie jeweils für ein eigenes Klangideal stehen.

Led Zeppelin IV

Kaum eine Schlagzeugaufnahme hat den Rocksound so stark geprägt wie John Bonhams Performance auf When the Levee Breaks. Der Song erschien 1971 auf dem vierten Album von Led Zeppelin. Bassdrum, Snare und HiHat wirken groß und bleiben klar voneinander getrennt. Gleichzeitig ist der natürliche Nachhall ein fester Bestandteil des Grooves.

Das Schlagzeug wurde im Eingangsbereich von Headley Grange aufgebaut, einem ehemaligen viktorianischen Arbeitshaus mit hohen Decken und einem markanten Treppenhaus. Zwei Beyerdynamic M 160 Mikrofone befanden sich oberhalb des Sets an der Treppe. Der Raumklang wurde anschließend mit Helios Kompressoren und einem Binson Echorec bearbeitet. Dadurch entstand das rhythmische Echo, das den Beat größer erscheinen lässt und ihm seine atmende Bewegung gibt. MusicRadar hat die Entstehung der Aufnahme ausführlich dokumentiert.

Der Klang funktioniert jedoch nicht allein aufgrund der Aufnahmetechnik. Bonham spielt einen einfachen Beat mit großer Kontrolle über Anschlag und Platzierung. Seine Bassdrum klingt schwer, die Snare öffnet den Raum und die HiHat gibt dem Groove eine leicht tänzelnde Bewegung. Diese Verbindung aus Spielweise und Raum macht die Aufnahme zeitlos.

Hörtipp: When the Levee Breaks

Toto IV

Toto IV aus dem Jahr 1982 steht für eine andere Vorstellung von gutem Drumsound. Statt eines dominanten Raumklangs hört man hier ein kontrolliertes Set, das vollständig in die Arrangements eingebunden ist. Jeff Porcaro musste sich nicht gegen den Mix durchsetzen. Sein Schlagzeug bildet das rhythmische Fundament, ohne die anderen Instrumente zu verdecken.

Das beste Beispiel ist Rosanna. Die Snare besitzt einen klaren Attack und genügend Körper, während die Ghost Notes trotz der dichten Produktion deutlich hörbar bleiben. Die Bassdrum liefert ein stabiles Fundament, ohne viel Platz im unteren Frequenzbereich einzunehmen. Toms und Becken fügen sich organisch in den Gesamtsound ein. Toningenieur Al Schmitt erläuterte später in einem Interview über die Aufnahme von Rosanna, wie der Klang im Studio entstand.

Auch Africa zeigt den experimentellen Umgang mit Rhythmus. Die Grundlage des Songs entstand aus aufgenommenen Schlagzeug- und Percussionelementen, die auf analogem Band zu einer Schleife zusammengesetzt wurden. Damit verbindet das Album klassische Studioarbeit mit einer für die damalige Zeit aufwendigen Form der Rhythmusproduktion.

Für mich ist Toto IV eines der besten Beispiele dafür, wie ein Schlagzeug präsent klingen kann, ohne sich in den Vordergrund zu drängen. Porcaros Sound lebt nicht von übertriebener Größe, sondern von Balance und Dynamik.

Hörtipps: Rosanna und Africa

Steely Dan Aja

Auf Aja gibt es nicht den einen Drumsound. Steely Dan arbeiteten für das 1977 veröffentlichte Album mit mehreren der besten Studiomusiker ihrer Zeit. Steve Gadd, Bernard Purdie, Rick Marotta, Jim Keltner und weitere Drummer wurden gezielt für einzelne Stücke eingesetzt. Jeder Song erhielt dadurch eine eigene rhythmische und klangliche Handschrift.

Besonders eindrucksvoll ist das Titelstück mit Steve Gadd. Sein Schlagzeug klingt offen und natürlich, gleichzeitig ist jedes Detail klar zu erkennen. Die Snare besitzt Präsenz, die Toms haben Ton und die Becken behalten ihre Dynamik. Selbst während der komplexen Fills am Ende des Stücks bleibt das gesamte Set transparent.

Auf Home at Last prägt Bernard Purdies Shuffle das Stück. Hier wirkt der Drumsound kompakter und stärker auf den Groove konzentriert. Rick Marottas Spiel auf Peg klingt dagegen trocken und direkt. Diese Unterschiede machen deutlich, dass ein Album keinen einheitlichen Schlagzeugsound benötigt, um geschlossen zu wirken. Entscheidend ist, dass jeder Klang zum jeweiligen Song passt. Die Produktionsgeschichte des Titelstücks wurde unter anderem von Sound On Sound rekonstruiert.

Aja ist deshalb eine wichtige Referenz für alle, die sich mit Studioarbeit beschäftigen.

Hörtipps: Aja, Home at Last und Peg

 Nirvana Nevermind

Mit Nevermind veränderte sich 1991 nicht nur die Rockmusik. Auch der Schlagzeugsound des Albums wurde zu einer Vorlage für zahlreiche Produktionen der folgenden Jahre. Dave Grohls kraftvolle Spielweise trifft hier auf einen Raum, der jeden Schlag vergrößert.

Produzent Butch Vig nahm die Drums im Studio A von Sound City auf. Der Raum war für seinen Schlagzeugklang bekannt und besaß mit der Neve Konsole einen weiteren wichtigen Bestandteil der Produktion. Vig setzte neben den direkten Mikrofonen auch Raummikrofone ein. Andy Wallace übernahm später den Mix und sorgte dafür, dass die Drums selbst neben mehreren Gitarrenspuren klar und druckvoll blieben. Butch Vig sprach mit Sound On Sound über die Produktion des Albums.

Bei Smells Like Teen Spirit steht die Snare deutlich im Mittelpunkt. Sie klingt breit und aggressiv, besitzt aber weiterhin einen klaren Anschlag. Auf In Bloom zeigt sich besonders gut, wie Bassdrum, Snare und Toms gemeinsam eine massive rhythmische Fläche bilden. Grohls konsequente Anschlagstärke trägt wesentlich zu diesem Klang bei. Das Album erinnert daran, dass eine Produktion nur das verstärken kann, was der Drummer bereits im Raum liefert.

Das Schlagzeug behält seine Ecken und Kanten und vermittelt noch immer das Gefühl einer Band, die gemeinsam in einem Raum spielt.

Hörtipps: Smells Like Teen Spirit, In Bloom und Breed

Tool 10,000 Days

Ein großes Drumset mit zahlreichen Toms, Becken und elektronischen Elementen sauber abzubilden, ist eine schwierige Aufgabe. Auf 10,000 Days von Tool gelingt genau das. Danny Careys Spiel bleibt trotz der dichten Arrangements verständlich. Gleichzeitig besitzt das Schlagzeug genügend Tiefe und Gewicht, um die Musik zu tragen.

Die Drums wurden im O’Henry Studio in Burbank über eine große API Konsole aufgenommen. Toningenieur Joe Barresi verwendete drei Overheads sowie zusätzliche Mikrofone für einzelne Becken. Die Toms wurden von oben und unten mikrofoniert. Hinzu kamen mehrere Gruppen von Raummikrofonen in unterschiedlichen Entfernungen. Barresi setzte bei der Aufnahme nur wenig Klangbearbeitung ein und wechselte stattdessen Mikrofone, wenn mehr Höhen oder Tiefen benötigt wurden. Die Signale wurden zunächst auf einer Studer Bandmaschine aufgenommen und anschließend in Pro Tools übertragen. Joe Barresi beschrieb das Vorgehen ausführlich im Magazin Mix.

Das Ergebnis ist ein moderner Heavy-Sound, der nicht nur aus Attack und Lautstärke besteht. Die Toms besitzen einen klaren Ton, die Bassdrum bleibt auch in komplexen Passagen definiert und die Becken bilden einen räumlichen Rahmen um das Set. Elektronische Percussion und akustische Trommeln lassen sich unterscheiden, wirken aber trotzdem wie Bestandteile desselben Instruments.

Besonders auf Jambi und The Pot wird hörbar, wie viel Platz der Mix dem Schlagzeug lässt. Careys komplexe Figuren bleiben nachvollziehbar, ohne dass einzelne Trommeln unnatürlich weit nach vorne gemischt werden.

Hörtipps: Jambi, The Pot und Right in Two

Was macht einen guten Drumsound aus?

Diese fünf Alben zeigen, dass es keinen allgemeingültigen perfekten Drumsound gibt. Led Zeppelin nutzen den Raum als klanglichen Verstärker. Toto setzen auf Balance und Kontrolle. Steely Dan passen den Sound an den jeweiligen Musiker und Song an. Nirvana verbinden rohe Energie mit präziser Studiotechnik. Tool zeigen, wie sich ein großes akustisches und elektronisches Setup transparent aufnehmen lässt.

Meine persönliche Nummer eins ist Toto IV. Kaum ein anderes Album verbindet Groove, Klang und Songdienlichkeit so konsequent. Der eindrucksvollste einzelne Schlagzeugsound bleibt jedoch John Bonhams Performance auf When the Levee Breaks. Sie beweist, dass wenige Mikrofone, ein geeigneter Raum und ein unverwechselbarer Drummer ausreichen können, um Musikgeschichte zu schreiben.

©️Photo by Denise Marie Luko – http://www.stevelukather.net, CC BY-SA 3.0, Link

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Eine Snare mit besonderer Signatur

Bei unserem aktuellen Gewinnspiel gibt es eine Tama Soundworks Snare zu gewinnen. Das Instrument trägt die Originalunterschrift von Simon Phillips und dürfte damit nicht nur für aktive Drummer interessant sein. Durch die Signatur wird die Snare zugleich zu einem besonderen Sammlerstück.

Die Soundworks Serie von Tama richtet sich an Drummer, die eine zuverlässige Snare für Proberaum, Bühne und Studio suchen. Das von Simon Phillips signierte Exemplar verbindet diesen praktischen Nutzen mit einem direkten Bezug zu einem der bekanntesten Schlagzeuger der vergangenen Jahrzehnte.

Simon Phillips und Toto

Simon Phillips gehörte von 1992 bis 2014 zur Besetzung von Toto. Nach dem Tod von Jeff Porcaro übernahm er eine Aufgabe, die kaum schwieriger hätte sein können. Statt Porcaros Stil lediglich zu kopieren, brachte Phillips seine eigene musikalische Handschrift in die Band ein.

Sein präzises und technisch kontrolliertes Spiel prägte Toto mehr als zwei Jahrzehnte lang. Darüber hinaus arbeitete der britische Drummer unter anderem mit Jeff Beck, The Who, Mike Oldfield und Judas Priest. Auch als Produzent, Komponist und Bandleader ist Phillips seit vielen Jahren aktiv.

So funktioniert die Teilnahme

Die signierte Tama Soundworks Snare wird unter allen Abonnentinnen und Abonnenten des Drums & Percussion Newsletters verlost. Wer bereits angemeldet ist, nimmt automatisch an der Verlosung teil. Eine zusätzliche Registrierung ist nicht erforderlich. Der Gewinner oder die Gewinnerin wird am 01.09.2026 unter allen bestätigten Abos ausgelost.

Wer den Newsletter noch nicht erhält, kann sich über den folgenden Link anmelden und sich damit die Chance auf die Snare sichern:

[Jetzt für den Newsletter anmelden]

Der Newsletter informiert regelmäßig über Neuheiten aus der Schlagzeugwelt, Interviews, Tests, Workshops und aktuelle Gewinnspiele. Alle weiteren Informationen zum Ablauf, zum Teilnahmeschluss und zur Auslosung stehen in den Teilnahmebedingungen.

Teilnahmebedingungen für das Drums & Percussion Gewinnspiel

Veranstalter

Veranstalter des Gewinnspiels ist:

MUSIC STORE professional GmbH
Istanbulstr. 22-26
51103 Köln
Deutschland

Das Gewinnspiel wird im Zusammenhang mit dem Drums & Percussion Newsletter durchgeführt.

Gewinn und Aktionszeitraum

Verlost wird eine Tama Soundworks Snare mit der Originalunterschrift von Simon Phillips. Der Gewinn umfasst ausschließlich das beschriebene Instrument.

Das Gewinnspiel beginnt am 28.07.26 und endet am 01.09.26. Maßgeblich ist die mitteleuropäische Zeit.

Die Teilnahme ist kostenlos und nicht an den Kauf einer Ware oder Dienstleistung gebunden.

Teilnahmeberechtigung

Teilnahmeberechtigt sind natürliche Personen, die mindestens 18 Jahre alt sind. 

Beschäftigte des Veranstalters sowie deren unmittelbare Angehörige sind von der Teilnahme ausgeschlossen. Gleiches gilt für Personen und Unternehmen, die an der Planung oder Durchführung des Gewinnspiels beteiligt sind.

Pro Person ist nur eine Teilnahme möglich. Mehrfache Newsletter-Anmeldungen oder die Nutzung verschiedener E-Mail-Adressen erhöhen die Gewinnchance nicht.

Teilnahme über den Newsletter

An der Verlosung nehmen alle Personen teil, die zum Ende des Teilnahmezeitraums den Drums & Percussion Newsletter wirksam abonniert haben.

Eine neue Newsletter-Anmeldung muss innerhalb des Teilnahmezeitraums vollständig abgeschlossen werden. Dazu gehört auch die Bestätigung der Anmeldung über den Link in der Bestätigungs-E-Mail. Erst nach dieser Bestätigung ist die Anmeldung wirksam.

Personen, die den Newsletter bereits vor Beginn des Gewinnspiels abonniert haben, werden ebenfalls bei der Verlosung berücksichtigt.

Die Einwilligung in den Newsletter-Versand kann jederzeit über den Abmeldelink in jeder Newsletter-Ausgabe oder durch eine Nachricht an [E-Mail-Adresse] widerrufen werden. Erfolgt die Abmeldung vor Ablauf des Gewinnspiels, besteht zum maßgeblichen Stichtag kein aktives Newsletter-Abonnement mehr und die Teilnahme an der Verlosung entfällt.

Ermittlung und Benachrichtigung des Gewinners

Der Gewinner oder die Gewinnerin wird nach Ablauf des Teilnahmezeitraums nach dem Zufallsprinzip unter allen teilnahmeberechtigten Newsletter-Abonnentinnen und Newsletter-Abonnenten ermittelt.

Die Benachrichtigung erfolgt innerhalb von sieben Werktagen per E-Mail an die Adresse, die für den Newsletter verwendet wurde. Der Gewinner oder die Gewinnerin muss innerhalb von [beispielsweise 14] Tagen auf die Gewinnbenachrichtigung antworten und die für den Versand benötigten Kontaktdaten übermitteln.

Erfolgt innerhalb dieser Frist keine Rückmeldung, verfällt der Gewinnanspruch. In diesem Fall wird eine neue Gewinnerin oder ein neuer Gewinner ausgelost.

Eine öffentliche Bekanntgabe des Namens erfolgt nicht. 

Übergabe des Gewinns

Der Versand erfolgt kostenfrei an eine Lieferadresse. Für Verzögerungen, die durch unvollständige oder fehlerhafte Kontaktdaten entstehen, übernimmt der Veranstalter keine Verantwortung.

Eine Barauszahlung, ein Umtausch oder eine Auszahlung des Sachwertes ist ausgeschlossen. Der Gewinn kann nicht durch ein anderes Produkt ersetzt werden. Gesetzliche Ansprüche bleiben unberührt.

Ausschluss von der Teilnahme

Der Veranstalter kann Personen von der Teilnahme ausschließen, wenn ein begründeter Verdacht auf Manipulation, falsche Angaben, Mehrfachteilnahmen oder einen Verstoß gegen diese Teilnahmebedingungen besteht.

Wurde der Gewinn bereits übergeben, kann er bei einem nachträglich festgestellten Ausschlussgrund zurückgefordert werden.

Änderung oder vorzeitige Beendigung

Der Veranstalter behält sich vor, das Gewinnspiel aus wichtigem Grund zu ändern, zu unterbrechen oder vorzeitig zu beenden. Dies gilt insbesondere, wenn eine ordnungsgemäße Durchführung aufgrund technischer Probleme, rechtlicher Vorgaben oder anderer Umstände, die außerhalb des Einflussbereichs des Veranstalters liegen, nicht mehr gewährleistet werden kann.

Bereits entstandene gesetzliche Ansprüche der Teilnehmenden bleiben unberührt.

Datenschutz

Für die Teilnahme wird die E-Mail-Adresse verwendet, mit der das Newsletter-Abonnement abgeschlossen wurde. Die Verarbeitung erfolgt zum Zweck der Prüfung der Teilnahmeberechtigung, der Durchführung der Auslosung und der Benachrichtigung des Gewinners oder der Gewinnerin.

Von der ausgelosten Person werden zusätzlich Name und Versandanschrift erhoben. Diese Angaben werden ausschließlich für die Gewinnabwicklung und den Versand benötigt.

Die Verarbeitung der Daten zur Durchführung des Gewinnspiels erfolgt auf Grundlage von Art. 6 Abs. 1 lit. b DSGVO. Die Verarbeitung der E-Mail-Adresse für den Newsletter-Versand beruht auf der erteilten Einwilligung gemäß Art. 6 Abs. 1 lit. a DSGVO. Die Newsletter-Einwilligung kann jederzeit mit Wirkung für die Zukunft widerrufen werden.

Die im Rahmen der Gewinnabwicklung zusätzlich erhobenen Daten werden nach vollständiger Durchführung des Gewinnspiels gelöscht, sofern keine gesetzlichen Aufbewahrungspflichten entgegenstehen. Die für den Newsletter verwendeten Daten werden bis zum Widerruf der Newsletter-Einwilligung gespeichert.

Soweit Versanddienstleister oder andere Auftragsverarbeiter eingesetzt werden, erhalten diese nur die Daten, die zur Erfüllung ihrer jeweiligen Aufgabe erforderlich sind.

Weitere Informationen zur Verarbeitung personenbezogener Daten und zu den Rechten der betroffenen Personen befinden sich in der Datenschutzerklärung unter [Link zur Datenschutzerklärung].

Schlussbestimmungen

Es gilt das Recht der Bundesrepublik Deutschland. Zwingende Verbraucherschutzvorschriften des Staates, in dem eine teilnehmende Person ihren gewöhnlichen Aufenthalt hat, bleiben unberührt.

Sollte eine einzelne Bestimmung dieser Teilnahmebedingungen unwirksam sein oder werden, bleibt die Wirksamkeit der übrigen Bestimmungen davon unberührt.

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Gerade bei der Snare ist die Sache schnell erklärt. Auf einer akustischen Snare klingt ein Schlag in der Mitte anders als ein Schlag weiter außen am Fell. In der Mitte ist der Ton fokussierter voller. Richtung Rand wird er offener und obertonreicher. Dazu kommen Rimshots, Cross-Sticks, Ghostnotes und verschiedene Anschlagswinkel. Genau diese Unterschiede gehören beim akustischen Spiel selbstverständlich dazu.

Ein einfaches E-Drum-Pad erkennt dagegen oft nur, dass es angeschlagen wurde und wie stark der Schlag war. Bessere Pads unterscheiden zusätzlich zwischen Head und Rim, haben also zwei Zonen. Positionserkennung geht noch einen Schritt weiter. Das System erkennt nicht nur die Zone, sondern auch, wo innerhalb dieser Fläche gespielt wurde. Dadurch kann das Modul den Sound entsprechend verändern. Der Schlag in der Fellmitte klingt dann anders als der Schlag am Rand.

Zone ist nicht gleich Position

Viele verwechseln Positionserkennung mit Mehrzonen-Pads. Das ist verständlich, weil beides im Alltag zusammen genannt wird.

Ein 2-Zonen-Snare-Pad unterscheidet in der Regel zwischen Fell und Rim. Ein 3-Zonen-Cymbal unterscheidet zum Beispiel zwischen Bow, Edge und Bell. Das sind feste Bereiche. Wenn man dort spielt, wird jeweils ein anderer Sound ausgelöst.

Positionserkennung arbeitet feiner. Hier wird innerhalb einer Spielfläche erkannt, wo der Stick landet. Bei der Snare bedeutet das: Mitte, Zwischenbereich, Randnähe. Bei einem Ride kann es je nach System darum gehen, wie sich die Ansprache über die Spielfläche verändert. Yamaha weist bei der DTX6-Serie zum Beispiel ausdrücklich auf eine Hit-Point-Detection am Ride hin. Die Snare- und Ride-Pads sind dabei nicht einfach nur Auslöser, sondern liefern dem Modul mehr Informationen über das eigentliche Spiel.

Bei Roland ist die Positionserkennung besonders stark mit den digitalen Pads verbunden. Das PD-14DSX Snare-Pad arbeitet mit mehreren Sensoren, digitaler Übertragung und detaillierter Positionserkennung über die gesamte Spielfläche. Roland nennt außerdem mehr als 16.000 Velocity-Abstufungen und automatische Handerkennung für Übergänge zwischen Headshot, Rimshot und Cross-Stick. Im Referenzhandbuch der V51 wird ebenfalls beschrieben, dass digital verbundene Pads die Schlagposition erkennen und dass sich der Snare-Sound je nach Treffpunkt verändert, etwa zwischen Fellmitte und Rand oder zwischen linker und rechter Seite.

Positionserkennung bei der Snare

Die Snare ist das ausdrucksstärkste Instrument im Drumset. Sie liefert Backbeats, Ghostnotes, Fills, Rimshots, Cross-Sticks, Wirbel und dynamische Übergänge. Gerade hier fällt es sofort auf, wenn ein E-Drum zu statisch reagiert. Oft spricht man hier vom sogenannten Maschinengewehr-Effekt, da jeder Schlag gleich klingt.

Natürlich verändert sich die Lautstärke über die Anschlagstärke, aber der Grundcharakter bleibt gleich. Musikalisch fühlt es sich flach an. Besonders Ghostnotes und dynamische Backbeats verlieren an Tiefe, wenn das Modul nur laut und leise kennt.

Mit Positionserkennung entsteht mehr Bewegung im Sound. Ein leiser Schlag nahe der Fellmitte kann anders reagieren als ein seitlicher Ghostnote-Schlag. Rimshots können natürlicher in den Gesamtsound eingebunden werden. Cross-Sticks werden nicht nur als zweiter Triggerbereich verstanden, sondern je nach System auch durch die Handposition sauber erkannt. Bei Rolands digitalen Snare-Pads wird die Handposition laut Hersteller automatisch erkannt, um zwischen Headshot, Rimshot und Cross-Stick zu wechseln.

Für den Drummer fühlt sich das weniger nach Elektronik an. Man muss nicht jeden Soundwechsel bewusst planen, sondern kann stärker so spielen, wie man es von einer akustischen Snare kennt.

Positionserkennung beim Ride

Beim Ride ist der Nutzen etwas anders gelagert. Ein akustisches Ride-Becken hat je nach Spielposition deutliche Klangunterschiede. Nahe der Bell klingt es definierter und heller, weiter außen breiter und washy. Dazu kommen Kuppe, Spielfläche und Rand. Ein einfaches 3-Zonen-Cymbal kann Bell, Bow und Edge unterscheiden. Das ist schon sehr hilfreich. Eine feinere Erkennung der Spielposition kann aber noch mehr Dynamik und Klangvariation liefern.

Roland hatte bereits beim TD-50KV die digitale 18-Zoll-Ride-Fläche CY-18DR mit genauer Positionserkennung und verbesserter Dynamik beschrieben. Yamaha nennt bei der DTX6-Serie ebenfalls eine Hit-Point-Detection für das Ride-Cymbal.

In der Praxis merkt man das vor allem bei Ride-Patterns, Jazz- und Fusion-Figuren, Crescendi und dynamischem Spiel. Wer nur gerade Achtel im Rockkontext spielt, wird den Unterschied weniger stark wahrnehmen. Wer aber viel mit Ride-Nuancen arbeitet, profitiert deutlich.

Der Unterschied beim Üben

Beim Üben zu Hause ist Positionserkennung nicht zwingend nötig. Wer nur Timing, Koordination, Double-Bass-Figuren oder Songstrukturen trainieren möchte, kommt auch mit einem guten normalen Mesh-Pad weit.

Der Grund ist einfach: Ein E-Drum beeinflusst die Spielweise. Wenn das Pad überall gleich klingt, gewöhnt man sich irgendwann daran, weniger mit Spielpositionen zu arbeiten. Auf dem akustischen Set merkt man dann plötzlich, dass der Backbeat nicht dort sitzt, wo er klanglich sitzen sollte, oder dass Ghostnotes zu gleichförmig wirken. Ein Pad mit Positionserkennung erinnert den Spieler stärker daran, dass der Ort des Anschlags Teil des Sounds ist.

Das ist für Drummer wichtig, die hauptsächlich auf dem E-Drum üben und nur gelegentlich auf einem akustischen Set spielen. Je mehr das elektronische Instrument auf Nuancen reagiert, desto geringer ist die Umstellung.

Im Live-Einsatz?

In einer lauten Rockband mit In-Ear-Monitoring, festen Samples und klarer FOH-Abnahme ist Positionserkennung ein echter Vorteil. Die Snare reagiert natürlich, Rimshots wirken weniger künstlich und das Spiel fühlt sich lebendiger an.

Für das Publikum ist der Unterschied nicht immer bewusst hörbar. Niemand im Club sagt nach dem Konzert: Die Positionserkennung der Snare war aber sehr gelungen. Trotzdem spürt man den Unterschied im Gesamteindruck. Ein dynamischerer Snare-Sound wirkt musikalischer, besonders bei leiseren Parts, Breaks, Ghostnotes und Übergängen.

Auf großen Bühnen oder in professionellen Produktionen ist diese Detailtiefe noch wichtiger. Dort wird ein E-Drum nicht nur als leise Übungslösung verwendet, sondern als ernsthaftes Instrument im Mix. Je natürlicher die Triggerdaten sind, desto besser kann das Modul oder die angeschlossene Software reagieren.

Positionserkennung beim E-Drum hat Grenzen

Positionserkennung ist kein Zaubertrick. Sie macht aus einem schlechten Modul kein gutes Modul und aus schwachen Samples keinen lebendigen Drumsound. Wenn die Sounds im Modul künstlich wirken, wenn die Dynamik schlecht abgestimmt ist oder wenn die Trigger-Einstellungen nicht passen, hilft auch Positional Sensing nur begrenzt.

Außerdem funktioniert Positionserkennung nicht bei jedem Pad und nicht mit jedem Modul. Oft sind bestimmte Pads nur mit bestimmten Modulen vollständig kompatibel. Bei Roland sind die digitalen Pads wie PD-14DSX oder PD-140DS auf Module mit Digital-Trigger-Eingang angewiesen. Das PD-14DSX ist laut Roland für V71, V51 und V31 ausgelegt und arbeitet auch mit dem TD-50X, dort aber nicht mit allen Funktionen.

Auch die Einstellung bleibt wichtig. Trigger-Sensibilität, Threshold, Scan Time, Crosstalk und Dynamikkurve müssen sauber abgestimmt sein. Ein schlecht eingestelltes Top-Pad kann sich schlechter anfühlen als ein einfacheres Pad, das gut konfiguriert ist. Gerade bei E-Drums wird dieser Punkt oft unterschätzt.

Dazu kommt der Preis. Positionserkennung findet man vor allem in besseren Sets und bei höherwertigen Pads. Für absolute Einsteiger ist sie deshalb nicht immer das entscheidende Kaufargument. Wer erstmal nur üben möchte, sollte eher auf gutes Spielgefühl, stabile Hardware, ordentliche Sounds und eine brauchbare HiHat achten. Wer aber langfristig auf einem E-Drum arbeiten will, sollte das Thema ernst nehmen.

Braucht man Positionserkennung als Anfänger?

Nicht unbedingt. Ein Anfänger muss zuerst Timing, Koordination, Groove, Dynamik und Songgefühl entwickeln. Dafür braucht man kein High-End-Pad mit mehreren Sensoren. Ein solides Mesh-Pad, ein verlässliches Modul und gute Kopfhörer bringen am Anfang oft mehr.

Aber: Wer von Anfang an auf einem besseren E-Drum lernt, profitiert von einer natürlicheren Rückmeldung. Besonders bei der Snare kann das sinnvoll sein. Man lernt eher, dass verschiedene Anschlagsbereiche verschiedene Sounds erzeugen. Das ist musikalisch wertvoll.

Für reine Einsteiger ist Positionserkennung also kein Muss. Für ambitionierte Spieler, fortgeschrittene Drummer und alle, die ihr E-Drum nicht nur als Übungsgerät, sondern als ernsthaftes Instrument nutzen möchten, ist sie ein klarer Pluspunkt.

Meine Einschätzung

Ich halte Positionserkennung für eine der Funktionen, die man erst dann richtig schätzt, wenn man sie im direkten Vergleich spielt. Auf dem Papier wirkt sie unscheinbar. Beim Spielen merkt man aber schnell, dass die Snare weniger statisch reagiert. Ghostnotes wirken natürlicher, Rimshots sitzen glaubwürdiger und der Übergang zwischen verschiedenen Spieltechniken fühlt sich organischer an.

Besonders bei hochwertigen Snare-Pads ist diese Funktion für mich mehr als ein Datenblatt-Feature. Sie verbessert nicht nur den Sound, sondern auch die Spielweise. Man spielt bewusster, weil das Instrument feiner reagiert. Trotzdem würde ich Positionserkennung nicht isoliert bewerten. Ein gutes E-Drum besteht aus mehreren Faktoren: Pad-Größe, Rebound, Latenz, Sounds, Dynamik, HiHat, Ride, Hardware, Bedienung und Erweiterbarkeit. Positionserkennung ist ein wichtiger Baustein, aber nicht der einzige.

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Der unterschätzte Faktor für Sound und Spielgefühl

Wer sein Drumset optimieren möchte, denkt meist zuerst an neue Felle, hochwertigere Becken oder sogar einen anderen Kessel. Dabei wird ein Bauteil oft übersehen, das einen erstaunlich großen Einfluss auf Klang, Ansprache und Stimmbarkeit hat: der Spannreifen. Seine Aufgabe klingt zunächst simpel. Er hält das Fell mithilfe der Spannschrauben sicher auf dem Kessel. Doch je nach Material, Bauweise und Gewicht verändert ein Spannreifen Resonanz, Attack, Sustain und sogar das Spielgefühl bei Rimshots oder Rimclicks deutlich. Gerade bei der Snaredrum sind diese Unterschiede oft sofort hörbar.

Dreifach geflanschte Stahlreifen – der vielseitige Klassiker

Die mit Abstand am häufigsten verbaute Variante sind dreifach geflanschte Stahlspannreifen. Sie entstehen aus einem Stahlband, das in Form gepresst und anschließend verschweißt wird. Je nach Hersteller kommen Materialstärken zwischen etwa 1,6 und 2,3 Millimetern zum Einsatz – Begriffe wie Power Hoops oder Mighty Hoops beziehen sich häufig auf diese Bauart.

Offener Klang mit viel Dynamik

Wer einen lebendigen, offenen Trommelsound bevorzugt, liegt mit Stahlreifen meist richtig. Besonders dünne 1,6-mm-Versionen greifen nur minimal in das Schwingungsverhalten der Trommel ein und lassen Kessel und Fell frei arbeiten. Dickere 2,3-mm-Ausführungen bringen etwas mehr Stabilität mit, ohne den Klang stark einzuschränken.

Ein weiterer Pluspunkt zeigt sich beim Stimmen: Durch ihre vergleichsweise flexible Konstruktion passen sich Stahlreifen leichter an unterschiedliche Spannungsverhältnisse an. Das macht sie gerade für Drummer interessant, die häufig experimentieren oder schnell zu einem ausgewogenen Tuning gelangen möchten.

Die Cast Hoops – maximale Kontrolle und Durchsetzung

Gussspannreifen gehören seit vielen Jahren zur ersten Wahl vieler Snare-Hersteller. Anders als Stahlreifen werden sie nicht gebogen, sondern aus einer Zinklegierung gegossen. Das Ergebnis sind deutlich schwerere und wesentlich steifere Spannreifen.

Präziser Attack und knackige Rimshots

Der zusätzliche Materialeinsatz verändert den Klang deutlich. Die Trommel entwickelt einen fokussierteren Ton mit brillanterem Attack, während das Sustain leicht verkürzt wird. Manche Modelle erzeugen zusätzlich einen markanten, fast glockigen Oberton. Besonders deutlich werden diese Eigenschaften bei der Snaredrum. Kräftige Rimshots wirken druckvoller und setzen sich im Bandgefüge leichter durch. Auch Rimclicks profitieren häufig von einem definierteren, holzigeren Klang. Beim Stimmen verlangen Die Cast Hoops allerdings etwas mehr Fingerspitzengefühl. Durch ihre hohe Steifigkeit beeinflussen sich benachbarte Spannschrauben stärker gegenseitig. Kleine Änderungen an einer Schraube wirken sich deshalb schneller auf die gesamte Fellspannung aus als bei flexibleren Stahlreifen.

Holzspannreifen – Wärme mit Charakter

Während Holzspannreifen an Bassdrums längst zum Standard gehören, sind sie auf Snares und Toms noch immer eine Besonderheit. Die meisten Modelle entstehen ähnlich wie Trommelkessel selbst: Mehrere dünne Furnierschichten werden verleimt und anschließend zu einem Ring verarbeitet. Daneben existieren Konstruktionen aus verzahnten Holzsegmenten oder Hybridlösungen aus Holz und Metall.

Weicher Klang für Vintage-Fans

Holz absorbiert einen Teil der Schwingungsenergie und reduziert dadurch vor allem hohe Frequenzen. Das Ergebnis ist ein wärmerer, runderer und oft etwas weicher wirkender Gesamtsound. Wer aggressive Rimshots und maximale Durchsetzung sucht, wird mit Holzspannreifen vermutlich nicht glücklich. Für Vintage-Drummer, Jazz oder akustische Musik können sie dagegen genau den gewünschten Charakter liefern. Ein praktischer Aspekt sollte allerdings berücksichtigt werden: Dünnere Holzreifen reagieren empfindlicher auf harte Schläge mit schweren Sticks. Wer regelmäßig kraftvolle Rimshots spielt, riskiert langfristig Beschädigungen oder Verformungen.

Spannreifen abseits des Mainstreams

Neben den bekannten Klassikern existieren einige Speziallösungen, die gezielt bestimmte Klangeigenschaften bieten.

S-Hoops

S-Hoops basieren grundsätzlich auf dem dreifach geflanschten Stahlreifen, besitzen jedoch einen nach innen gezogenen oberen Flansch. Historisch erinnert das Design an die legendären Stick Saver Hoops von Slingerland. Durch die breitere Auflagefläche entsteht ein fokussierterer Klang, der in vielen Situationen an Die Cast Hoops erinnert, dabei aber das etwas offenere Spielgefühl eines Stahlreifens bewahrt.

Single- und Double-Flange-Hoops

Diese historischen Bauformen verzichten auf einen beziehungsweise zwei der typischen Biegungen moderner Stahlreifen. Single-Flange-Modelle werden zusätzlich mit sogenannten Clips oder Spannklauen befestigt. Ihr Klang fällt häufig weicher und offener aus und erfreut sich besonders bei Vintage-Snares großer Beliebtheit.

Messing und Glockenbronze

In den 1950er- und 1960er-Jahren waren verchromte Messingspannreifen (Chrome over Brass, kurz COB) weit verbreitet. Messing besitzt eine geringere Härte als Stahl und liefert einen etwas weicheren Anschlag mit reduziertem Obertonspektrum. Auch heute führen Hersteller wie Tama oder Boutique-Marken entsprechende Modelle im Programm. Preislich liegen sie allerdings deutlich über klassischen Stahlreifen.

Welcher Spannreifen passt zu welchem Drummer?

Die Wahl des passenden Spannreifens hängt weniger von richtig oder falsch ab als vom gewünschten Sound.

• Dreifach geflanschte Stahlreifen bieten viel Offenheit, Sustain und unkompliziertes Tuning.
• Die Cast Hoops liefern maximale Präzision, kräftige Rimshots und einen fokussierten Ton.
• Holzspannreifen sorgen für warme Vintage-Klänge mit weicher Ansprache.
• Spezialvarianten wie S-Hoops, Single-Flange- oder Messingreifen richten sich an Drummer, die gezielt nach einem bestimmten Klangcharakter suchen.

Fazit

Spannreifen sind weit mehr als nur Metallringe, die das Fell auf dem Kessel halten. Sie beeinflussen Attack, Sustain, Obertöne, Rimshots und sogar das Stimmverhalten einer Trommel oft stärker, als viele Drummer vermuten. Wer den Sound seiner Snare oder Toms gezielt verändern möchte, muss deshalb nicht zwangsläufig zu neuen Kesseln oder Fellen greifen. Manchmal reicht schon der Wechsel des passenden Spannreifens, um einer vertrauten Trommel einen völlig neuen Charakter zu verleihen.

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